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jueves, 25 de marzo de 2010

Black Rebel Motorcycle Club - "Baby 81"

Antes que nada, quería decirles que estoy dejando links para bajar los discos en cada post. Lo digo porque he tenido varios comentarios como "voy a buscar el disco para bajarlo". En muchos casos puede que sea de cumplido. Pero de no ser así, no se tomen el trabajo. Yo dejo los links porque me interesa que todos escuchen el disco para lograr el objetivo del blog: expandir los gustos musicales de la gente.

La banda que traigo hoy es de la actualidad.

Aunque no es tan conocida ni reconocida y no haya ganado ningún premio ni nombramiento, ha llegado a alcanzar una apreciable fama mundialmente.

Son de las bandas más actuales que hay, no solo por su sonido, sino porque su formación es bastante reciente. Además los músicos son jóvenes.

Su sonido es una combinación de Rock Alternativo, Garage Rock, Hard Rock, Americana y Post-Punk. Por ende, el sonido rockero que esta siendo tocado por muchísimas bandas de jóvenes de hoy en día, como The Strokes, The White Stripes, Interpol, Kinas of Leon, The Vines, etc.

Aun así, su sonido es bastante identificable, ya que es más pesado y sucio con combinación de progresiones de acordes y melodías venidas del Folk y Delta-Blues.

Y su música es aun más potente en los casos de usos de letras de protesta contra el gobierno de su país.

El nombre de la banda es Black Rebel Motorcycle Club.

Fue formada en 1998 en San Francisco, California, EEUU. Su nombre es sacado del grupo de motoqueros que tenia Marlon Brando en la película “The Wild One”.

La formación, aunque ha variado, siempre ha sido un trío. Los únicos permanentes han sido el cantante y guitarrista Peter Hayes, proveniente de la conocida banda The Brian Jonestown Massacre, y el bajista y cantante Robert Levon Been. El baterista ha rotado, habiendo tomado el lugar, en orden cronologico, Nick Jago, Peter Salisbury, de nuevo Nick Jago, y actualmente Leah Shapiro.

Su primer disco fue lanzado en 1999 y re-editado en el 2001, y su segundo en el 2003. Estos discos tenían una gran influencia del Hard Rock de los ’70 pero con sonido de Rock Alternativo y Noise Rock de influencias como Sonic Youth.

En su 3er y tal vez el mejor disco, su sonido cambio drásticamente. En “Howl”, lanzado en el 2005, la música casi no contenía batería, por problemas personales de Jago. Era una música que volvía mucho a las raíces, como Folk, Americana, Delta-Blues, Gospel, etc. El disco no fue tan bien recibido como sus 2 primeros, pero demostraba que la banda estaba madurando.

Para su 4to disco, “Baby 81”, lanzado en el 2007, la banda volvía a su sonido de Garage y Alternativo, pero combinando lo que aprendieron en su disco anterior. Al mismo tiempo, tenían también un sonido un poco más moderno, con bastantes efectos y ritmos más movidos.

Un año después, la banda presentaba un disco totalmente diferente. “The Effects of 333” era un disco puramente instrumental, combinando Ambient con Noise y Drone Music. Era extremadamente experimental y difícil de escuchar. Por ende, no tuvo mucho éxito.

Ahora, hace exactamente 20 días, lanzaron su sexto álbum, llamado “Beat the Devil's Tattoo”. Su sonido se asemeja mucho al del disco anterior, aunque en varias canciones, como la 1era, se escucha el sonido presentado en “Howl”.

Aunque no es una banda que llame mucho la atención en cuanto a originalidad, ya que varias bandas andan rondando por los mismos estilos musicales, tienen un sonido un poco más sucio y canciones mas variadas. Es, tal vez, de las mejores bandas de hoy en día, y con “de hoy en día” me refiero a bandas que se formaron en los últimos años, no como Pearl Jam, Red Hot Chili Peppers, R.E.M., etc., que, aunque siguen tocando hasta el día de hoy y su sonido suena totalmente actual, vienen tocando hace mas de 20 años, algunos hasta 30.

Hoy voy a hablar de su 4to álbum, “Baby 81”. Aunque tal vez lo más razonable fuera que hablara de su último disco, ya que salió hace menos de 1 mes, no lo haré porque, además de que no lo he escuchado aun, al final del año, al igual que el año pasado, voy a hacer reseñas de los mejores discos del año. Como puede que este ultimo esté entre ellos, no me gustaría repetir la reseña.

El nombre del disco es tomado del apodo que recibió un bebe sin identificación que sobrevivió al terremoto submarino del 2004 que tuvo como epicentro la costa oeste de Sumatra, Indonesia.

Como dije, este disco salió en el 2007 y “la banda volvía a su sonido de Garage y Alternativo, pero combinando lo que aprendieron en su disco anterior. Al mismo tiempo, tenían también un sonido un poco mas moderno, con bastantes efectos y ritmos mas movidos”.

Incluso la distorsión es como más moderna. No es el sonido sucio como el de The Ramones, Neil Young, etc. Es una distorsión más industrial.

También hay varios juegos de guitarras simples que le dan un aire más juvenil y baterías con ritmos bailables (aunque los temas no son para nada bailables en si).

Las voces son notoriamente de jóvenes, sobre todo por la pronunciación. Aun así, llegan a gritos agudos y crudos que le dan una onda mas pesada.

Los ritmos en muchos momentos son más lentos y densos, pero gracias a las guitarras súper fuertes y golpes de batería como cañonazos, le dan una onda más dura y agresiva.

El disco cuenta con 13 temas:


  1. "Took Out a Loan" 
  2. "Berlin" 
  3. "Weapon of Choice" 
  4. "Windows" 
  5. "Cold Wind" 
  6. "Not What You Wanted" 
  7. "666 Conducer" 
  8. "All You Do Is Talk" 
  9. "Lien on Your Dreams" 
  10. "Need Some Air" 
  11. "Killing the Light" 
  12. "American X" 
  13. "Am I Only” 
El disco arranca con "Took Out a Loan". Ya en el riff del comienzo se puede ver como logran incorporar el Blues que hicieron en su disco anterior con el sonido Garage y Alternativo del cual son más conocidos.

“Berlin” ya empieza a tener ese toque mas moderno y los ritmos “bailables” de los cuales hablaba. Aquí se pueden ver varios juegos de guitarra gracias al Overdub.

El mejor tema del disco es sin duda “Weapon of Choice”. Este empieza con una guitarra acústica y una pandereta que hacer recordar al disco anterior. A los segundos se une la batería y el bajo junto a una voz con un efecto parecido al Reverb. Y en el estribillo explota todo, creando como un sinfín de sonidos en el cual no se distingue todo con claridad. Cuando vuelve al verso de la canción, vuelve con la misma melodía pero con guitarras distorsionadas. Entre medio del tema hay un cambio bastante Rock-Pop. Y en el correr se pueden escuchar varias guitarras ruidosas y riffs muy buenos. La letra tiene la crítica política de la que hablaba, con frases como “No desperdiciaré mi amor en una nación”. Sin duda una canción muy elaborada y especial.

“Windows” empieza con un piano tocado por Been. La onda, por el piano y la voz, puede hacer recordar a veces a canciones de Oasis. Igual la similitud no es tan grande, ya que hay varias guitarras ruidosas con sonido Noise Rock.

“Cold Wind” es una canción muy Garage Rock, con distorsión bien industrial. Son interesantes las melodías en intervalos de 4ta en el estribillo y las guitarras dementes que le siguen al mismo.

“Not What You Wanted” es una canción muy Folk con una onda como la del primer disco de Kings of Leon. Pero unos minutos después le añaden guitarras típicas de Rock Alternativo e Indie-Rock.

El siguiente tema, “666 Conducer”, es el tema mas bluesero y oscuro. Aquí se pueden notar las influencias del Rock de los ’70, como Led Zeppelín. Es más, el tema se asemeja al último tema del disco “IV” de Led Zeppelín, “When The Levee Breaks”. Aun así, seguramente sea un poco más sucia y callejera.

“All You Do is Talk” empieza con unos teclados y unas guitarras que crean un ambiente espacioso y mágico. Unos segundos después, se une una voz con una melodía muy poderosa. Esta combinación puede recordar a esas canciones de libertad y esperanza de Bruce Springsteen. Luego siguen la misma melodía la guitarra, bajo y batería. Pero lo mejor del tema aparece en la mitad del mismo, con un pasaje instrumental más potente. Un tema muy poderoso con una gran transmisión de sentimientos alegres. Tal vez el 2do mejor tema del disco.

“Line in Your Dreams” es una mezcla perfecta entre Garage Rock y Rock Alternativo. Es como que no se puede diferenciar bien uno del otro.

“Need Some Air”, de ser un poco mas rápida, seria un tema muy Punk. Pero aquí lo esconden con una batería con ritmo aun más bailable que “Berlin” y un montón de guitarras ruidosas y sonidos poco distinguibles.

El ritmo y las melodías de la guitarra en el verso de “Killing in the Light” hacen recordar mucho, pero mucho a Nirvana. Pero no el Nirvana sucio y pesado, sino los temas más lentos y psicodélicos de los mismos. En el estribillo se va un poco de la onda, llevándolo al estilo de los temas anteriores. En un momento se puede escuchar un mini punteo de la guitarra que suena mucho al Acid Rock de los ’60.

“American X” es el tema épico del disco, durando un poquito más de 9 minutos. Aquí se puede sentir como la música nos lleva a un lugar de perdición. En el estribillo, este sentimiento se acentúa. Lo más interesante del tema son las varias improvisaciones que aparecen en el correr del tema, pareciendo que fuera grabado en vivo más que en estudio.

“Am I Only” empieza con una guitarra acústica, un conjunto de cuerdas y la voz con una melodía melancólica, pero al mismo tiempo un poco tenebrosa. A los 2 minutos, aparece el trío con una explosión de ruido. La misma idea se repite en el correr del tema, aunque en la parte acústica aparece una batería. Un final bastante estallante y oscuro.

Este disco puede que no llame mucho la atención entre otros de la actualidad. Hoy en día todos hacen Rock Alternativo, Noise Rock y lo que se conoce como Garage Rock Revival. Tenemos a The Strokes, The Vines, Artic Monkeys, Interpol, The White Stripes, Oasis, The Killers, Kings of Leon, The Libertines, Bloc Party, Jet, Yeah Yeah Yeahs y la lista sigue y sigue.

Pero esta banda tiene un toque especial que nadie tiene: el Blues y Americana. Y es gracias a esta combinación que logran un estilo más pesado y ruidoso, más oscuro y tenebroso. Más original.

En muchos casos, las canciones son eso: canciones de Blues o Folk tapadas entre sonidos y ritmos de la actualidad.

Es una banda que no ha tenido ninguna baja en su material y demuestra una gran madurez en su música, arriesgándose a explorar sitios que otros nunca se atreverían para no perder su comercialismo, como el Delta-Blues y Ambient Music.

Su último disco parece prometedor y, de llegar a ser tan bueno como este o mejor, puede que llegue a ser de lo mejor del año.

Esperemos que esta vez gane más reconocimiento, el que merece.



Dejo los temas para escuchar:







Saludos!!!!


"Music is the Best" - Frank Zappa


 

miércoles, 17 de marzo de 2010

Stephan Micus - "Wings Over Water"

Hoy voy a hablar de un disco único, un disco que no tiene semejanza alguna con nada. Es algo así como una travesía a través de paisajes enormes y montañosos, y colores y figuras indescriptibles.

Es un sonido que combina las músicas e instrumentos tradicionales de culturas con centenas de existencia, creando una música que reúne el espíritu y el corazón de todas ellas. Y de esta forma crea un mundo fantástico; un mundo que paisajisticamente se asemeja a lo mas bello de nuestra naturaleza, pero en donde todo es mas bello, mágico y aventurero.

El creador de todo esto y este fantástico álbum se llama Stephan Micus.

Este músico, nacido en Alemania en 1953, hizo su 1er viaje al Oriente a la edad de 16. Quedando fascinado con la diversidad de estilos musicales e instrumentos que se encontraban en este territorio, empezó a investigar sobre ellos.

Desde ese entonces ha viajado alrededor de todo el mundo, Asia, África, Sudamérica, etc., buscando nuevos estilos musicales y nuevos instrumentos. Cada vez que encuentra un instrumento desconocido, busca al mejor maestro local del mismo y aprende a tocarlo al máximo.

Sin embargo, el objetivo de Micus nunca es tocarlo exactamente como lo dicta la forma tradicional del mismo, sino buscar formas alternativas para expresar su música de la manera más perfecta. Por ejemplo, ha usado instrumentos de cuerdas como percusión.

Al mismo tiempo, su música nunca se concentra en un estilo musical específico. Aunque cada disco tiene su propio sonido e influencia, siendo cada uno una música totalmente diferente del anterior y siguiente disco, siempre combina varios sonidos diferentes, ya sea música China con música Africana o cualquier otro tipo.

Con esto, a su vez, combina instrumentos que no tienen ninguna relación entre sí, por ejemplo una flauta Africana con una percusión de Marruecos, etc.

Con todos sus viajes ha llegado a aprender más de 43 instrumentos.

La guitarra, ya sea de cuerdas de nylon o cuerdas de acero, siempre está presente. Pero su forma de tocarla es única y muy distinguible, sobre todo porque generalmente usa guitarras especiales, como de 10 o 14 cuerdas.

También utiliza mucho su voz. Y sus letras tienen un lenguaje inventado. Según el músico, sus palabras no tienen ningún significado, pero las elige de forma de que la música suene tal cual como el la siente.

Micus lanzó su 1er álbum en 1976, llamado “Archaic Concerts”. Aunque no fue muy popular, fue lo que llamo la atención del productor Manfred Eicher, productor y fundador de la discográfica ECM.

Ya su 2do álbum, “Implosions”, fue lanzado por esta discográfica. Y desde entonces se ha mantenido en la misma. Con esto pudo alcanzar más fama.

Aunque no es un músico muy conocido, en comparación a mucho de los músicos de los que he escrito, tiene una enorme cantidad de personas que sigue su trabajo.

Lo que tiene este músico es que, una vez que una persona escucha su música, nunca más se despega de ella. Y esto es porque es atrapante e imaginativa. Cada álbum crea una nueva aventura, una nueva travesía. Y cada uno de ellos suena distinto. Ninguno se asemeja a ninguno.

Aunque su discografía es extensa y he escuchado muchos de ellos (no todos aun), el disco que presento hoy es, en mi opinión, su mejor trabajo y se ha ganado mi corazón en su totalidad, llegando a ser de los mejores discos que he escuchado en mi vida.

“Wings Over Water” fue lanzado en 1982 y es el 6to álbum del músico.

Todos los álbumes, como he dicho, crean paisajes y diferentes imaginaciones. Sin embargo, yo siento que este es el más homogéneo. En mi caso, de verdad puedo sentir como la travesía empieza y termina, como voy yendo por ciertos lugares y a medida que avanzo se presentan problemas. Aquí el paisaje es más visible y la aventura más difícil.

En este disco, Micus no usa tanta variedad de instrumentos como suele usar. En este caso, eligió 8 instrumentos diferentes:

  • Nay: Una flauta egipcia hecha con un pasto de hoja perenne llamado Phragmites 
  • Sarangi: Un instrumento de cuerdas tocado con arco de origen Hindú, cuyo sonido es parecido al de un Cello pero en este caso es usado como instrumento de percusión 
  • Suling: Una flauta de origen Indonés también hecha con Bambú 
  • Potes de flores de diferentes tamaños usados como instrumentos de percusión pero con notas 
  • Zither Bavárico: Un instrumento de origen alemán con cuerdas cuyas extensiones no van mas allá que la de la caja de sonido. Por su forma de tocar, podría asemejarse a un arpa, pero de un tamaño mucho menor. Aún así, su sonido es muy diferente ya que las cuerdas están hechas de acero 
  • Guitarra Española 
  • Guitarra Acústica de 6 cuerdas de acero 
  • Voz 
El disco es, en sí, toda una obra en partes, las cuales son 6.

Como en todos los discos de Micus, los temas tienen una base que fue compuesta previamente y al mismo tiempo improvisaciones por el instrumento con la voz principal.

Seguramente la razón de la homogeneidad del disco es por estar tocado siempre en una escala oriental de Mi, y por siempre tener como nota pedal (o sea como nota que define el acorde que mantiene el momento) a Mi también.

Como dije, el disco es una travesía. Pero es solitaria: somos nosotros con las montañas, el viento, el cielo, los atardeceres, y sin nadie a nuestro lado. Es una búsqueda personal.

Ahora empecemos con el viaje….

La 1er parte consta de 5 guitarras y la flauta Nay. Aquí podemos sentir el comienzo de la travesía que recorreremos. Empieza con una de las 5 guitarras haciendo una melodía muy simple. En pocos segundos, las demás guitarras se van uniendo hasta crear una melodía entrelazada, varias voces que nos van susurrando al oído. A ninguna la escuchamos por sí sola, pero si a todo el conjunto. A los 34 segundos del tema se une la flauta.

Con esta parte podemos imaginarnos a nosotros en un campo pequeño y oculto entre medio de cerros, con nuestra pequeña choza, armando nuestro bolso para empezar el viaje. El paisaje es del Oriente, parecido al de China o Japón. Son pastos muy verdes y valles montañosos. No esta muy alboreado.

Cuando empezamos a caminar, sentimos como varias cosas van volando con el viento que sopla a nuestro alrededor (representado por el entrelazado de las guitarras).

En la segunda parte, Micus toca Sarangi, 6 potes de flores y canta. Esta empieza con una percusión hecha con el Sarangi. No tiene un ritmo marcado; son como unos cantos rápidos que de a poco se van lenteciendo hasta llegar a un ritmo marcado. Por los primeros 2 minutos, esto se repite hasta que se une la voz, la cual canta de una forma muy calma pero misteriosa y no muy alegre.

Un rato después, el Sarangi arranca nuevamente una melodía rápida y sin pulso hasta que se le unen los 6 potes de flores para lograr una melodía rápida y desesperante. Mientras tanto la voz sigue cantando.

En el comienzo de esta parte, podemos imaginarnos que hemos entrado a un templo abandonado y vemos varios insectos caminar por todos lados y escondiéndose de nosotros. Vamos investigando el lugar, moviendo arbustos y árboles caídos que obstruyen nuestro paso.

Cuando la voz empieza a cantar, entramos a un lugar amplio, con el techo abierto. Apenas se puede ver el cielo porque esta cubierto de árboles gigantes. Canales de agua recorren el lugar. Sabemos que no deberíamos estar ahí. Y de repente empiezan a aparecer unos rayos de luz de colores.

Cuando se unen los potes de flores, llegamos a un momento en el cual todo se empieza a mover. Esos rayos de luz eran un llamado. Un viento enorme empieza a soplar alrededor nuestro y una oleada enorme de pájaros empieza a volar en círculos alrededor nuestro. Y con esto empieza a florecer el lugar. Varias plantas, como enredaderas y de flores coloridas, empiezan a salir debajo de nuestros pies y por las paredes. Todo se empieza a cubrir de hojas de color vede fuerte. De la nada, todo se detiene y las aves se van volando por el techo hacia el cielo. Las plantas y enredaderas, ahora de gran tamaño y longitud, cubren todo el lugar. Todo queda en paz y seguimos nuestro paso.

La 3er parte cuenta con 2 guitarras españolas y 9 potes de flores. Empieza con 1 guitarra haciendo un largo, lento y meditativo solo. Varios minutos después, se une la otra guitarra y los potes de flores para darle movimiento al tema. Luego de unos minutos, la 1er guitarra vuelve a hacer un largo solo hasta el final del tema.

En el principio, podemos imaginarnos un paisaje bastante vacío y arenoso. No hay ni un solo árbol o arbusto. Un cielo rojizo con algo de nubes está sobre nuestras cabezas y cerca nuestro hay un estilo de manantial natural. Es el momento de descanso y meditación.

En el momento en que se unen los potes y la otra guitarra, un viento empieza a soplar arena fuertemente y hay que dejar el lugar. La música recuerda a una escapada en caballo. Finalmente, cuando vuelve a estar solo 1 guitarra, volvemos a la calma y encontramos un lugar más alboreado, dejando el desierto detrás de nosotros.

La 4ta parte es la más corta, durando menos de 2 minutos. Esta consiste de un solo de Nay. El solo es lento, pero fuerte y con espíritu. Es algo así como un llamado. Es la canción más solitaria, pudiéndonos llevar a un valle gigante con paisaje de pradera. Esta melodía solitaria es el llamado del comienzo del día. El sol empieza a salir por detrás de las montañas y volvemos a seguir nuestro camino.

Para la 5ta parte, Micus decidió usar de nuevo el Nay y 22 potes de flores. El tema empieza con los potes haciendo una melodía con eco muy misteriosa. Mientras que algunos potes suenan constantemente, algunos van haciendo melodías que bajan y suben su volumen en poco tiempo, como si fueran susurros. Minutos después todo se tranquiliza y queda quieto.

Ahí es donde el Nay empieza a tocar una melodía danzante y mágica, mientras que los potes crean una melodía cortante. Luego de esto, los 22 potes logran un ritmo rápido y agitado, mientras que el Nay toca un solo con gran potencia. Esto sigue hasta el final del tema, donde los instrumentos se van lenteciendo hasta la nada.

Aquí entramos a un bosque gigante con árboles de inmenso tamaño. Hay algunas cascadas y ríos pequeños, pero no hay alturas; es todo plano. Los susurros de los potes son animales que nos están observando y se mueven rápidamente, de forma de que no los veamos. Vamos caminando con intriga.

Al Nay empezar a tocar, nos detenemos para intentar ver que está sucediendo. Todo está quieto, como si nadie hubiera estado ahí por años. De a poco el Sol va escondiéndose tras los árboles hasta que casi no se le ve.

De repente, cuando empieza la melodía agitada de los potes, toda una manada de animales empieza a correr a gran velocidad hacia nosotros, mientras que un fuerte viento también sopla en contra nuestro. Empezamos a correr para salvarnos. Pero un animal nos enviste y hace que quedemos sobre su lomo y seguimos andando sobre él.

En un momento nos caemos y los animales siguen su camino. El viento aumenta y empezamos a levitar gracias a él. A medida que la música se tranquiliza, vamos bajando lentamente hasta que todo vuelve a la normalidad.

Finalmente tenemos la 6ta y última parte. Esta es la mas larga y cambiante de todas. Para esta ultima, Stephan Micus toca 3 guitarras españolas, 4 Zithers Baváricos y la flauta Suling.

Esta parte empieza con una melodía muy calma por parte de una de las guitarras. Es una tranquilidad que muestra, con sus cambios de acordes, como todo se está resolviendo y llegando a su destino.

Unos minutos más tarde, esta y otra guitarra más tocan acordes arpegiados que dan el ritmo al tema mientras que una 3er guitarra hace un solo. En momentos se puede escuchar a un Zither tocar notas muy suaves casi que inaudibles. En un momento todo queda en una nota constante y sin movimiento.

Y ahí arrancan los 3 Zithers a tocar la melodía más bella y luminosa del disco. Esta melodía no es como nada que se haya escuchado antes, pues no son notas diferenciadas, sino que es como un entrelazado de arpegios que crean un espacio enorme y lleno de vida. Los Zithers empiezan a tocar suavemente, y a medida que sigue avanzando el tema, cada vez se hacen más constantes y fuertes, logrando un eco que crea un suspiro enorme y una iluminación del alma infinita.

Finalizado esto, todo vuelve a la tranquilidad. Los Zithers tocan acordes que quedan sonando por varios segundos mientras que el Nay toca un solo de pocas notas y muy largas.

Luego de esto, los Zithers nuevamente crean un entrelazado de notas y el Nay sigue su solo. Y todo termina con una nota constante de Nay y los Zithers yéndose poco a poco.

Con la guitarra del comienzo, podemos ver a lo lejos nuestro destino: el tope de la montaña más alta de todo el lugar. El sol ya está cayendo pero aun no es el atardecer. Observamos el lugar en que nos encontramos y nos aprontamos para empezar a subir hasta la cima.

Las guitarras que suenan juntas nos crean la melodía de nuestro paso, subiendo de a poco, sin prisa. No es una escalada difícil. Es cansadora por la altura pero no hay obstáculos. Es una montaña llena de pasto y pocas rocas. Cuando los Zithers empiezan a acompañar a las guitarras, es el aviso de que estamos llegando.

Finalmente, cuando todo se tranquiliza, hemos llegado. Vamos hasta la punta de la montaña y observamos todo el paisaje que nos rodea. Es un campo enorme sin ninguna vista al mar. Son campos de enorme extensión, el bosque que recorrimos a unos kilómetros, y algunas montañas de menor tamaño. Es puro pasto. En el horizonte se está escondiendo el Sol, el cual crea un cielo con una combinación de celeste y rojo. Hay algunas nubes que no están muy definidas, dándole al cielo un toque más bello.

Cuando los 3 Zithers empiezan a tocar la melodía entrelazada, respiramos profunda y pasivamente y nos dejamos llevar por el sentimiento que crea todo este paisaje. Un viento sopla sobre nuestras caras, llenando nuestras almas y corazones del sentimiento más poderoso y bello que hemos sentido en toda nuestra vida.

Con el Nay y los 3 Zithers tocando la melodía final, el viento empieza a soplar mas fuerte y varias hojas empiezan a volar alrededor nuestro. Pero es exactamente lo que queremos sentir: la mayor libertad de nuestra existencia. Finalmente el Sol cae completamente, al igual que todas esas hojas que volaban, y con esto termina nuestro viaje

Como podrán ver, no es un disco cualquiera. Es un disco con una profundidad sentimental y sonido de naturaleza gigante.

Lo increíble es como, a pesar de que cada parte es diferente de la otra, aun así se puede sentir que todo es parte de la misma historia.

Al mismo tiempo, no solo sorprende la habilidad multi-instrumentalista de Micus, sino la habilidad como un increíble compositor.

Nada en el mundo suena parecido a esto. Obviamente tiene influencias estilísticas de varias culturas, pero la forma en que las plasma, con el objetivo de crear una historia, es totalmente única.

Varios discos nos pueden hacer imaginar cosas. Pero son siempre situaciones normales o bastante posibles. Con este disco logramos una aventura con todo un poder imaginario de la naturaleza, al igual que paisajes basados en los más bellos del Mundo, pero todos juntos y en un nivel de mayor belleza, un nivel de perfección que logra traernos paz y una verdadera aventura.

Este disco no solo se resalta de cualquier otro disco que hayamos escuchado, sino que también se resalta entre cualquiera de los que ha sacado el músico.

Y es tal vez uno de los niveles máximos en la música: crear una travesía, una aventura en un mundo extraordinario, bello y natural, basado en nuestros paisajes mas increíbles, de forma de darnos cuenta de la belleza que nos rodea, abrazarla con toda nuestra alma y corazón, y llegar a un sentimiento tan profundo, mágico y místico que nunca olvidaremos.




Les dejo para escuchar la 1era y 2da parte:



Saludos!!!!


"Music is the Best" - Frank Zappa

viernes, 12 de marzo de 2010

Neil Young - "Broken Arrow"

A todos nos sucede que hay músicos que podemos estar sin escuchar por un buen tiempo, pero cuando volvemos a pegarle una escuchadita, es como que nos viene un despertar y nos ponemos en una etapa obsesiva con ese músico, donde lo único que escuchamos es su música. Algo así como un drogadicto luego de años de estar sin consumir su droga y cuando vuelve a probar un poquilito, decae de nuevo en su obsesión.

Pues esto es lo que sucede con Neil Young (al menos en mi caso).

La última sobredosis de Young que tuve fue hace unos 5 meses. Ayer, escuchando el “Prarie Wind”, disco Folk que sacó en el 2005 y llegando a ser uno de sus mejores, empecé a sentir esa emoción que me da su música. Entonces me dije “No recuerdo muy bien el sentimiento de “Keep On Rocking in the Free World”. Tengo que escucharla”. Y ahí fue mi fin.

Neil Young es una de las influencias más grandes en la historia del Rock. Ya sea por sus canciones Folk, Country o Rock, ha llegado a ser la fuente de inspiración de bandas de gran nivel.

Su sonido Folk lo ha llevado a ser de los músicos mas dulces que hay, mientras que su Rock sucio y lleno de distorsión lo ha llevado a ser de los rockeros mas fuertes, siendo reconocido como “El Padrino del Grunge”, el estilo del cual Pearl Jam y Nirvana son tan reconocidos.

Además de ser un increíble compositor, su voz es un instrumento majestuoso. Llegando a veces notas súper agudas, se ha dado el lujo de cantar de forma increíblemente bella como de forma totalmente agresiva.

También es un guitarrista increíble que ha llegado a ser una gran influencia para guitarristas como Kurt Cobain de Nirvana, Thurston Moore de Sonic Youth, Mike McCready de Pearl Jam, etc. El es uno de los guitarristas que inventó el Noise Rock y de los primeros en el uso excesivo de la distorsión y feedback.

Este músico, nacido el 12 de Noviembre de 1945 en Ontario, Canada, se enamoró de la música al escuchar canciones de Rock, Doo-Wop, R&B y Country en la radio. Ahí conoció a Elvis Presley, quien ha sido una de sus máximas influencias y la inspiración de varios de sus temas, como “He was the King” y “Hey, Hey, My, My”.

Mienras atendia el liceo Earl Grey Junior High School, formó su primer banda: The Jades

Unos años mas tarde, Young dejaría los estudios liceales y se concentraría más en tocar en bandas de Rock.

Mientras vivía en Thunder Bay, Ontario, conoció a Stephen Stills, uno de los músicos mas aclamados de fines de los ’60 y comienzos de los ’70. En ese año, Young se fue a vivir a Los Angeles, EEUU.

Un año mas tarde, o sea 1966, Young y Stills, junto a  Richie Furay, Bruce Palmer y Jim Messina, formarían la reconocida banda Buffalo Springfield.

Esta banda seria de las mas importantes en los ’60, siendo de las primeras, junto a The Byrds, en combinar la música Folk con Rock (lo que se conoce como Folk-Rock), aunque esto ya lo estaba haciendo Bob Dylan.

En Diciembre de 1966, Buffalo Springfield lanzaría su 1er álbum, “Buffalo Springfield”, el cual contenía el mayor hit de la banda y una de las canciones más populares de la época: “For What It’s Worth”.

La banda duraría solo hasta 1968. Aun así, lograron alcanzar buena fama y sacar 3 álbumes de estudio.

De ahí Young arrancó una carrera como solista, empezando con su 1er disco de estudio, “Neil Young”, lanzado en Noviembre de 1968. El disco no tuvo tanto éxito, pero aun así ayudo al músico a despegar su carrera.

La fama empezaria con su 2do disco sacado en 1969, “Everybody Know This Is Nowhere”. Siendo la 1er colaboración entre el músico y la banda Crazy Horse, con la cual tocaría en la mayoría de sus discos rockeros, aquí Young marcaba su lugar en el Rock, creando un sonido de Rock sucio combinado con Folk y Country, el sonido del cual seria tan conocido. El disco contenía, entre otros, uno de sus temas mas famosos, "Cowgirl in the Sand", en el cual mostraba su talento como guitarrista eléctrico, llenando el ambiente de distorsión y feedback.

Meses mas tarde, Young se unió  al trío Crosby, Stills & Nash. El trío ya muy conocido estaba compuesto por David Crosby, cantante y guitarrista proveniente de The Byrds, Stephen Stills, cantante y guitarrista de Buffalo Springfield, y Graham Nash, cantante y guitarrista de The Hollies. Los 3 eran increíbles compositores y de los mejores cantantes que ha habido en la historia del Rock. Por ende, era considerada una Súper Banda.

Con la unión de Young al trío, la banda paso a llamarse Crosby, Stills, Nash & Young. Ahora se había transformado en una bestialidad de la música.

El cuarteto tocó por 1era vez como tal el 16 de Agosto de 1969 y luego en el Festival de Woodstock del mismo año. En la última, arrasaron con todo y fueron de lo mejor de los 3 días del festival.

Poco después sacaron su 1er disco de estudio como cuarteto (era en si el 2do si se cuenta el 1ero sacado por el trío): “Déjà Vu”. Aunque durante las sesiones había muchos conflictos, sobre todo entre Stills y Young, el disco resultó ser increíble gracias a una perfecta combinación de Folk con Rock y los increíbles arreglos corales. Como en todos los discos del grupo, las canciones eran compuestas por cada artista por separado, aunque en este caso el ultimo tema era una colaboración de Young y Stills y el disco incluía un tema de Joni Mitchell: “Woodstock”. El disco fue uno de los más importantes de la época y hasta el día de hoy es considerado de los mejores y más influyentes de la historia.

Mientras tanto, la carrera solista de Young seguía floreciendo. Y en ese mismo año (o sea 1970), Young sacaría uno de sus discos mas importantes: “Alter the Gold Rush”, el cual consistía de canciones puramente Folk y Country.

Luego de la separación del cuarteto (se reunirían bastantes veces hasta el día de hoy como trío sin Young y cuarteto), empezó una oleada de discos muy populares empezando con el disco mas importante de la carrera del musico: “Harvest”.

Llegando a los ’80, aunque sus discos no tuvieron tanto éxito hasta fines de la misma década, es de los pocos músicos que sobrevivió a la influencia musical de la década. Como todos saben, muchos músicos que venían de los ’70 cambiaron drásticamente su estilo musical para intentar ponerse a la moda, y de esta forma 
muchos perdieron su éxito.

Sin embargo, Young siempre se mantuvo firme y fiel a su música. Y gracias a esto, recobró su fama en un nivel enorme con su disco de 1989: “Freedom”.

Desde entonces, su carrera ha sido de enorme nivel. Hasta el día de hoy sigue sacando discos que alcanzan ventas enormes y ha sido ganador de varios Grammy y otros premios.

Su música se ha mantenido intacta en calidad, al igual que su voz. Además, es de los pocos músicos que vienen tocando hace décadas y aun así siguen manteniendo un nivel musical increíble. Es mas, se podría decir que varios de sus discos, empezando con el aclamado “Freedom”, son de sus mejores en toda su carrera. Su música suena actual y siempre se renueva.

El disco del que voy a hablar hoy es de 1996, llamado “Broken Arrow”

Este toma su nombre por 2 cosas: es el nombre de un tema de su antigua banda Buffalo Springfield y es además el nombre que le puso a su casa.

Aunque no es de sus más aclamados, es uno de sus mejores seguramente (aunque siempre es difícil decirlo cuando un músico tiene una discografía tan extensa y de increíble calidad).

Aquí Young deja de lado, a no ser por 1 de los 9 temas del disco, el Folk y Country y se hunde en un sonido Rockero de Garage Rock y Grunge súper distorsionado, sucio y agresivo.

Las canciones son, en muchos casos, duraderas y con muchos jams, mostrando un sonido que hace recordar al de una banda de jóvenes tocando en el garage de su casa y dejándose volar.

En el disco participa una vez mas la banda Crazy Horse, la cual consistía, al igual que desde aproximadamente 1974, de Poncho Sanpedro en guitarra y coros, Ralph Molina en batería, percusión y coros, y Billy Talbot en bajo y coros.

Los temas son los siguientes:
  1. "Big Time”
  2. "Loose Change"
  3. "Slip Away"
  4. "Changing Highways"
  5. "Scattered (Let's Think About Livin')"
  6. "This Town"
  7. "Music Arcade"
  8. "Baby What You Want Me To Do”

El primer tema, “Big Time”, empieza con un riff simple y potente. Aquí ya se puede notar que la mezcla es bastante básica. El sonido es muy puro. Como dije, parece una banda de garage. Si uno analiza el tema, se puede dar cuenta que es en si un tema Folk escondido tras guitarras distorsionadas y ruidos. Pero cuando llegan los solos de Young, que se encuentran en varias partes del tema, uno se puede dar cuenta que es un tema duro. Estos mismos, aunque técnicamente son fáciles, son un aullido chillante.

“Loose Change” es un tema bastante alegre y el mas largo del disco, durando casi que 10 minutos. Empieza, como siempre, con acordes de una guitarra súper sucia y luego se le une una harmónica tocada por Young. Pero lo exquisito del tema llega en el minuto 3:13, donde la banda se queda en un acorde de Fa constante y se dejan llevar. Aquí se crea todo un paisaje místico e infinito. Por casi 7 minutos, Young toca un solo poderoso lleno de magia, mística y fuerza gracias a acordes disonantes y notas agudas que gritan por ayuda. Este es tal vez el mejor tema del disco.

“Slip Away” empieza con un solo de Young muy bello, mientras que la banda hace unos cambios de acorde que nos van llevando por varios paisajes mágicos. Después de casi 2 minutos de esto, la voz de Young empieza a cantar de forma suave. Y lo mágico y bello del tema llega en el estribillo, donde uno puede sentir un sentimiento poderoso que puede hacer sentir como si uno flotara. Finalmente, el tema termina con el mismo concepto del tema anterior: un largo solo de Young. Esta vez de alrededor de 3 minutos. Pero este solo no es tan místico y ruidoso. Es más tranquilo y pasivo.

“Changing Highways” es un tema perfecto para la ruta. Es un Country típico, pero con guitarras sucias. Como tal, es un tema muy amistoso y feliz. Pero lo interesante del tema es en 2 pasajes instrumentales. El 1ero está en la mitad del tema, el cual transforma a la canción, por un momento, en un Boggie muy movido. El otro es al final, con un juego de guitarras.

"Scattered (Let's Think About Livin)'” es bastante lento. No es tan llamativa. Aun así, lo bueno del tema son las notas graves que produce la guitarra cuando toca los acordes con fuerza. El riff principal de Young es bastante pegadizo.

“This Town” es como una mezcla de estilos. Por un lado tiene algo de R&B, por otro lado un poco de los temas “románticos” de The Ramones y por otro lado a algunas canciones de The Beach Boys. Pero lo que lo transforma en una canción de garage son las guitarras que se encuentran aun más distorsionadas y tocan los acordes con la mano en el puente de la guitarra, dándole un sonido más duro.

El único tema acústico y Folk puro del disco es “Music Arcade”. Es un tema muy lindo, tranquilo y de bajo volumen. Aquí la voz de Young apenas susurra, pareciendo que se la estuviera cantando a un bebe a punto de irse a dormir. Lo que le da un sentimiento de soledad al tema es la voz, ya que esta con un poco de reverb y le da ese eco que hace parecer que Young estuviera totalmente solo.

El ultimo tema, "Baby What You Want Me To Do", es un cover Jimmy Reed. Es un blues de 8 minutos grabado en vivo. Como es de imaginarse, es bastante lento y contiene varios solos. Lo lindo del tema es el ruido de la gente, porque da a imaginarse de que esta tocado en un bar mientras todos están tomando algo. Lo hace sentir mas personal y amigable. La canción trae un final alegre, donde se puede sentir como los músicos están gozando de la música.

Este disco es bastante único en lo que es Neil Young. Aunque el estilo es el típico Rock del músico, el que esté increíblemente distorsionado y sucio a un punto que parece que estuviera hecho con amplificadores de calidad media lo hace mas fuerte y rebelde. Vuelvo a repetir: parece que fuera de una banda de garage. Los solos infinitos, el uso mínimo de efectos y el ruido constante le da una fuerza y dureza que le son fieles al titulo que se le ha dado al músico: El Padrino del Grunge.

Y aquí se demuestra que el tiempo no es excusa para bajar la calidad musical. Aquí tenemos a un músico a sus 51 años y a sus 30 años de carrera, y la música no solo suena pulcra y con fuerza, sino que parece del momento.

Uno escucha esta música y nunca podría asemejarla con los ’60, ’70 u ’80. Es mas, si alguien dijera que este disco salió este mismo año, podría ser totalmente creíble.

Esto es muy meritorio, porque generalmente los músicos que vienen tocando hace décadas no cambian su 
estilo musical y lo único que logran es añadirle algún detalle para hacerlo sonar al presente. Pero en fin, la música es la misma que la de décadas pasadas.

En este caso, aunque se mantiene el espíritu de Young, el cual es siempre totalmente identificable, se puede notar que hay una evolución y cambio musical y que ha añadido varias cosas de la música del momento.

El disco no es solo una fuente de inspiración para crear canciones, sino que, por sonar como una banda tocando por puro placer en el garage de una casa, también es una fuente de inspiración para crear una banda y lograr lo mismo.

Neil Young, hoy con 64 años, sigue evolucionando y sonando tan actual como cualquier banda de hoy en día.
El es LA demostración de que envejecer físicamente no significa envejecer espiritualmente, y que uno puede ser un rockero toda la vida.

Como una vez dijo: Keep On Rocking In The Free World!!!!!



Saludos!!!


"Music is the Best" - Frank Zappa


lunes, 8 de marzo de 2010

Tom Waits - "Mule Variations"

El músico de hoy es de esas personas que, esté donde esté, se destaca. Su música es un sonido extraño y totalmente identificable: una mezcla de Rock sucio, Roots Music, Blues, Jazz, música Experimental, Baladas y Folk. En fin, su música, y el mismo, es algo así como una bestia deforme.


Tom Waits ha logrado conseguir un nivel musical increíble utilizando músicas populares. En esta música se pueden sentir varios lugares físicos, todos de almas destrozadas y sin rumbo: cabarets, bares con gente ahogada en el fondo de una botella, calles sucias y pobres en el medio de la ciudad, campos desolados, pubs literarios de nivel under.


Ese es el ambiente que crea su música. Sin embargo, no es música triste; es más bien una música sucia, grotesca y hasta sexual a veces.


Aparte de ser acompañado de músicos increíbles, como el guitarrista Marc Ribot, siempre usa instrumentos atípicos o instrumentos típicos utilizados de forma anormal.


Lo más distinguible de todo esto es su voz. Al igual que cantantes como Axl Rose o Robert Plant, este cantante tiene más de 1 voz.  Pero a diferencia de estos, que tienen voces chillonas como voces tranquilas y bellas, las voces de Waits están siempre destrozadas. Tenemos por un lado una voz gruesa y grave, como de un ogro. Por otro lado una voz podrida y aguda, como si fuera un duende malévolo. Por otro lado una voz normal, pero parecida a un negro devastado. Y finalmente una voz tranquila y mansa, pero algo añejada, como la de un sabio anciano.


Este músico empezó en los ’60, tocando en bandas de R&B y Soul. Mientras tanto, fue varando por trabajos de baja paga, como mesero en una casa de pizzas, portero en un pub, etc.


Luego de servir en la Guardia Costera, empezó a tener un acto en un club de Los Angeles. Y en ese año (a sus 21 años) firmó un contrato con el productor Herb Cohen. Con él, hizo varias grabaciones que resultarían fallidas, las cuales serian editadas para discos en su futuro como músico.


En 1972 firmó un contrato con Asylum Records, y luego de varias grabaciones, logró completar su 1er disco con influencias Folk y Jazz: “Closing Time” (puesto a la venta en 1973).


Aunque su álbum no tuvo tanto éxito, Waits empezó a llegar a la fama gracias a covers de sus temas por otros artistas.


En 1974 sacaría su 2do álbum, “The Heart of Saturday Night”, el cual tenía una base mucho más jazzera y se aproximaba al sonido por el cual seria un músico aclamado.


Pero su vida no era fácil. Lidiaba con problemas con el alcohol y mucha vida en la ruta. Esto lo estaba llevando a un pozo profundo. Con esto se inspiro para sacar en 1976 el álbum “Small Change”.


Este disco era muy cínico y pesimista, musical y líricamente. Tenía muchas baladas desoladoras. Y con esto Waits llegó a la fama máxima, habiendo sido este su álbum más aclamado hasta el momento.


Por varios años seguiría con estos estilos: Jazz, Blues, Rock, etc. Pero seria en 1984 que sacaría su máxima obra: “Rain Dogs”. Aquí creaba un sonido desafiante y muy experimental. Usando varias instrumentaciones raras, mezclaba los estilos con los que venia componiendo con Polka y mucho de música Avant-Garde. Era una música muy compleja.


Desde entonces, Waits ha sido una influencia increíble en todo el ambiente Intelectual, Under y de todo el Arte Moderno. Es ahora una imagen representativa no solo en la música, sino también en el cine, la pintura y la literatura.


Incluso ha sido protagonista en estos ámbitos, habiendo sido director y actor en varias películas.


El disco del que voy a hablar hoy es uno de sus mejores.


“Mule Variations” salió el 16 de Abril de 1999, convirtiéndose en el décimo sexto álbum del artista, y su primer álbum de estudio desde 1992.


En este disco se encuentran todos los estilos que ha hecho el artista pero con una influencia más profunda de Folk y Roots Music, como Blues y Americana.
Hay Jazz, hay Blues, hay Rock, hay Rock Experimental, hay Gospel, hay Baladas, hay narraciones; hay de todo.


El disco cuenta con una extensa lista de músicos, habiendo participado alrededor de 24 músicos de forma rotativa. El disco cuenta con guitarras y bajos acústicos y eléctricos, saxos, baterías y diferentes tipos de percusión muy rara, pianos, trompetas, harmónicas, clarinetes, harpas, dobros, y hasta sonidos computarizados.


El disco tiene 16 temas:


  1. "Big in Japan" 
  2. "Lowside of the Road" 
  3. "Hold On" 
  4. "Get Behind the Mule" 
  5. "House Where Nobody Lives" 
  6. "Cold Water" 
  7. "Pony" 
  8. "What's He Building?" 
  9. "Black Market Baby" 
  10. "Eyeball Kid" 
  11. "Picture in a Frame" 
  12. "Chocolate Jesus" 
  13. "Georgia Lee" 
  14. "Filipino Box Spring Hog" 
  15. "Take It with Me" 
  16. "Come On Up to the House"
El disco ya abre con la experimentación de la cual es tan conocido Waits. En “Big in Japan” la voz es la podría y aguda de la que les hablaba ecualizada de una forma que parece que estuviera hablando por un megáfono. Acá ya se puede escuchar también las percusiones raras que usa. La canción es de las más sucias del disco, con una guitarra eléctrica haciendo siempre el mismo acorde de forma cortante y un saxo que toca de forma rítmica.


En “Lowside of the Road” se puede apreciar de forma esplendida las influencias de Roots Music que tiene el disco. Esta canción esta liderada por una guitarra tocada de una forma que suena como si fuera un banjo. La voz está usada y ecualizada de la misma forma que en el 1er tema. Es un tema muy bluesero cuyo titulo describe perfectamente el sentimiento del tema.


“Hold On” es un tema algo Folk a-la-Springsteen. Es un tema muy lindo en la que Waits canta con una voz profunda e inspiradora.


“House Wher Nobody Lives” nos trae las baladas de Waits. Hay mucho amor y gentileza. Pero este tema, a diferencia de las típicas baladas de Waits que tienen más influencia de Jazz, tiene guitarras eléctricas y acústicas que le dan un toque más Country.


“Cold Water” es la joya del disco. Aquí todo es potente. El estilo es un Folk que recuerda a las viejas canciones del Delta-Blues y tradicionales de los obreros negros del pasado de EEUU. Aquí Waits canta con toda la energía, mientras que una percusión de lata y unos platillos le dan un ritmo lento y de caminata. De verdad se puede imaginar a un grupo de trabajadores con todo el peso de la carga cantando con toda su alma para mantener vivo el ambiente.


“Pony” un tema extremadamente bello. Es un tema muy calmo y lento, en donde solo se escucha la voz de Waits, un dobro, un arpa y un órgano. Es perfecto para estar en una zona en paz y tranquilidad. Lo que mas belleza trae a la canción es una harmónica que produce unas notas largas que le llenan a uno el corazón. ¿Que mas se puede esperar de un tema que lleva de titulo el nombre de un animal súper tierno?


“What’s He Building?” es el tema más particular del disco. En este, Waits narra con una voz destruida y cansada las palabras de un hombre que se pregunta de los actos de un hombre extraño, mientras que varios sonidos y ruidos son producidos, como campanas, estática de televisión, etc.


“Eyeball Kid” es la mas experimental del disco. En esta, todos los sonidos y melodías de ritmo son producidos por percusiones raras. Acá Waits canta con una voz desgarradora en escala pentatónica de Blues y mientras que una guitarra lo acompaña.


“Picture in a Frame” nos muestra las baladas clásicas de Waits, tal cual como las conocemos: jazzeras, con piano y algunos vientos como saxo y trompeta.


"Filipino Box Spring Hog" nos lleva de nuevo a ese Rock super sucio de una manera más pesada. Aquí Waits canta con una voz podrida a una altura muy fuerte, casi que gritando. Lo interesante es que no hay ningún instrumento que haga alguna melodía rítmica. El ritmo es guiado totalmente por una batería tocada a golpes. En todo el tema, guitarras eléctricas, saxos, trompetas y harmónicas van cantando cada tanto alguna melodía disonante. También se pueden escuchar en algunos momentos algunas palmas. Ningún instrumento es constante aquí más que la voz y la batería. Puede hacer imaginar a uno un grupo de callejeros gritando por la calle y tirando todo, como si fuera un grupo de raperos que les importa un bledo todo y quieren marcar su territorio.


“Take It With Me” es otra balada mas del disco. En esta, la voz es casi un susurro y el único instrumento, además de la voz, es un piano. Pero lo que vale de este tema es la melodía que hace el piano al comienzo. Es algo mágico y triste y crea todo un espacio gigante gracias a que se mantiene el pedal del piano apretado y las notas siguen sonando.


Los demás temas rondan todos en los mismos estilos: Baladas, Blues, Folk, Rock Experimental, etc.


El disco cierra con “Come Up To The House”. Este tema mezcla bastante de varios estilos. Tiene algo de Rock, algo de Jazz, algo de Gospel, algo de Balada, algo de Folk. Aquí Waits canta con una voz potente y grave con un sonido que parece de un borracho. Es un tema muy alegre y con energía, y al mismo tiempo es bastante tranquilo. Aquí el tema es llevado por el piano, mientras que la batería hace unos golpes lentos y pulsantes y los vientos y la guitarra hacen acordes de acompañamientos. Es un tema con esperanza y animo: un final perfecto.


El disco es de verdad excelente. Es de lo mejor que ha sacado este músico. Es muy variado, ya sea en estilos o sentimientos.


Es también de los más galardonados del músico, siendo votado en varias revistas como uno de los mejores discos de la historia y el único, junto a Bone Machine, en conseguirle un Grammy. En este caso, el Grammy fue el de “Mejor Disco de Folk Contemporáneo”.


Es sin duda una versión diferente de los estilos de los que he escrito y un disco que sobresale de todos, incluso de los del músico mismo.


Acá podemos llegar a la tristeza, a la paz, al amor, a lo perverso, a la locura. Solo hace falta escucharlo para sentir todo esto…


Acá dejo para escuchar los temas:







"House Where Nobody Lives": http://www.youtube.com/watch?v=W0YxjH09TDU
"Black Market Baby" (en vivo): http://www.youtube.com/watch?v=3v8oHN-BCss
"Filipino Box Spring Hog": http://www.youtube.com/watch?v=cyYhcs4dd5g
"Come On Up to the House": http://www.youtube.com/watch?v=zlabErveGVA


Como siempre, escuchen el disco entero!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!


Saludos!


"Music is the Best" - Frank Zappa

martes, 2 de marzo de 2010

Frank Zappa - "Roxy & Elsewhere"

No se si alguna vez han notado, pero siempre que escribo una reseña, termino la misma con una frase: “Music is the Best”. Y a continuación pongo siempre a quien le pertenece la cita: Frank Zappa.

Pues hoy, no sabia de que reseñar. Intenté con varios discos, pero ninguno me llegaba. Y finalmente decidí que era momento de escribir de este músico.

Para hablar de Frank Zappa en su totalidad, habría que usar un diccionario de música y leerlo todo. Y esto es porque no fue un Rock-Star, ni un Jazz-Man, ni un compositor de música Clásica, ni un guitarrista increíble. Fue todo esto, y mucho más.

Debe ser el ÚNICO músico que ha compuesto para todo estilo y combinado cada uno de ellos entre ellos. Creó Blues, creó Jazz, creó Rock, creó Jazz-Fusión, creó música Clásica, creó Folk, creó música Avant-Garde, etc, y al mismo tiempo los combinó. Es posible que lo haya hecho todo en algún momento.

Al mismo tiempo fue un increíble guitarrista, de los mejores que han tocado el instrumento en el planeta. Su forma de tocar es muy distintiva, al punto que cualquiera que conozca a Zappa, puede escucharlo y reconocerlo. Además, su uso del Wah-Wah pedal era único. Mientras que muchos guitarristas lo usan para hacer sonar la guitarra como si modulara (o sea haciendo wah), el a veces lo dejaba en una posición fija, como si fuera un efecto.

En su música nunca faltaba el humor. No solo las letras eran con humor, sino que sus actos en vivo y hasta la misma música tenia humor.

Sin embargo, la critica y análisis de la sociedad siempre estaba presente. Era un hombre que intentaba, mediante el humor y la música, hacer pensar a la gente.

Este músico, nacido el 21 de Diciembre de 1940, arrancó tocando la batería. Pero por 1957 decidió cambiarse a la guitarra.

Al mismo tiempo, su interés por composición y arreglos fue aumentando. Fue gracias a la revista “LOOK” que conoció al compositor de música Clásica Contemporánea Edgard Várese, quien fue desde ese entonces su mayor influencia. Con esto, Zappa empezó a investigar más sobre la música clásica, sobre todo la del siglo XX. En esta búsqueda conoció a Igor Stravinsky, el compositor de música Clásica más importante del siglo XX cuyo sonido ha sido la mayor influencia de todo este siglo y que ha sido adoptado para toda composición para películas y otras cosas que estén llenos de imaginación. Gracias a él, adoptó nuevas formas de composición y se inspiró mucho en sus cambios bruscos y potentes y sus melodías fantásticas e imaginativas para crear su música

Por varios años fue rotando por varias bandas, donde tocaba Doo-Wop, un estilo que ronda entre el Rock y el R&B (este estilo fue su 1er amor en la música). Pero finalmente consiguió formar su propia banda, The Mothers of Invention.

Esta banda fue de las más originales de los ’60, ya que tocaban Rock con arreglos bastante eclécticos, usaban sonidos muy raros y sus canciones eran muy locas. Su disco debut “Freak Out!”, salido en 1966, marcó a Zappa como un revolucionario, a tal punto que Paul McCartney citó al disco como la fuente de inspiración para transformar el “Sgt. Pepper’s” en un disco viajado y loco.

Pero de a poco la banda fue evolucionando. Ya en su 2do disco incluían vientos y empezaban a mostrar influencias de Jazz. Por ejemplo, el tema “Invocation & Ritual Dance of the Young Pumpkin”, es de los primeros temas en la historia donde se mezcla Rock con Jazz, creando así lo que se conoce hoy en día como Jazz Fusión. Al mismo tiempo, el comienzo de este mismo tema tiene extractos del movimiento “Júpiter” de la obra “The Planets” por el compositor de música Clásica Gustav Holst.

Ya por su 6to disco, “Uncle Meat”, la banda llegaba a su máximo punto musical, mezclando música Avant-Garde con Jazz y Rock. En este disco doble, mostraban el sonido del Jazz que se vendría. En “King Kong”, el sonido de lo que seria el Jazz Fusión está establecido de forma perfecta. Y la instrumentación (que contenía varios vientos e instrumentos de percusión) y composiciones con influencias de música Clásica Moderna seria la fuente de inspiración para bandas de Avant-Garde como la increíble banda del guitarrista y compositor Fred Frith “Henry Cow”.

Sin embargo, la banda se separó. Los músicos no eran tan serios con la música a veces, y Zappa quería una dedicación plena y rigurosa. Esto lo llevó a hacer su 1er trabajo como solista, y tal vez su más reconocido, “Hot Rats”. En este disco creó una música que no tenía un estilo para ser clasificado. Era Jazz, pero era Rock. Era música popular, pero era algo de otro mundo. Un disco totalmente instrumental en el cual era acompañado, entre otros, por Ian Underwood, un multi-instrumentalista que venía acompañando a Zappa desde su 3er álbum.

Con esto siguió creando más, y más, y más, y más discos. Cada uno era diferente. Nunca se sabia que esperarse de Zappa. A veces venia con un sonido con temas totalmente electrónicos, y en el último tema del disco se le ocurría poner un Blues.

Su muerte, en 1993, lo dejo con una discografía de 57 álbumes. Sin embargo, por su exhaustiva emoción por componer, hasta el día de hoy siguen saliendo álbumes con nuevo material. Hasta el momento, han salido 24 álbumes después de su muerte.

El disco que presento hoy no será su mejor álbum, pero es tal vez uno de los más completos para mostrar lo que fue Zappa en su totalidad.
“Roxy & Elsewhere” salió en Setiembre de 1974. Es un disco en vivo que cuenta con grabaciones en The Roxy Theatre de Hollywood en las noches del 10,11 y 12 de Diciembre de 1973, más 3 grabadas el 8 de Mayo de 1974 Edinboro State College de Pennsylvania.

Aquí podemos apreciar varios estilos que ha hecho Zappa: Rock, Jazz Clásico, Jazz Rock, Blues, instrumentales, Avant-Garde, Tango, improvisaciones y actos lunáticos en vivo. A veces uno duda si es en verdad es en vivo, ya que algunos temas son muy difíciles de tocar y lo logran con tal excelencia que no le erran a una sola nota.

Zappa, desde el inicio de su carrera, ha variado los integrantes que formaban su grupo. En este disco, The Mothers eran los siguientes:
-Frank Zappa: 1era Guitarra, Voz
-George Duke: Teclados, Sintetizador, 1era Voz
-Tom Fowler: Bajo
-Ruth Underwood: Marimba, Percusiones
-Jeff Simmons: Guitarra Rítmica, Voz
-Don Preston: Sintetizador
-Bruce Fowler: Trombón
-Walt Fowler: Trompeta
-Napoleon Murphy Brock: Saxo Tenor, Flauta, 1era Voz
-Ralph Humphrey: Batería
-Chester Thompson: Batería

Como verán, toda una big band. Aquí se puede ver lo aventurero que era Zappa como compositor, usando varios vientos y hasta 2 baterías.

Además, todos estos músicos son grandes de la música, sobre todo George Duke (quien ha tenido una exitosa carrera como solista en el Jazz Fusión) y Chester Thompson (quien ha sido baterista de grandes formaciones como una de las tantas de una de las bandas de Jazz Fusión mas importantes, Weather Report, y las formaciones post-Peter Gabriel de Genesis).

El disco cuenta con 10 temas:
  1. Penguin In Bondage
  2. Pygmy Twylite
  3. Dummy Up
  4. Village Of The Sun
  5. Echidna's Arf (Of You)
  6. Don't You Ever Wash That Thing?
  7. Cheepnis
  8. Son Of Orange County
  9. More Trouble Every Day
  10. Be-Bop Tango (Of The Old Jazzmen's Church)
El 1er tema, “Penguin In Bondage”, empieza con un introducción por Zappa explicando de que trata el tema, pero en si no termina diciendo nada (lo hace a propósito, obviamente).
El tema tiene una base bluesera con algunos elementos de Jazz. Como todos los temas de Zappa, cuenta con varios cambios de tiempos y velocidades. Empieza con el estribillo cantado por Zappa. Luego entre medio de los versos, añade pasajes instrumentales de aproximadamente 5 segundos totalmente disonantes. Y en la mitad del tema contamos con un solo de Zappa utilizando de manera increíble el Wah-Wah pedal. Vale la pena prestar atención a cada detallecito que pone (chiflidos, sonidos extraños, etc).

“Pygmy Twylite” empieza con un riff que imita la melodía que luego será de la voz. Lo interesante de este tema es como todas las notas de los instrumentos van al mismo tiempo que la voz. Sin embargo, el tema es prácticamente instrumental. Aquí los vientos llevan todo el tema adelante.

“Dummy Up” esta conectada con “Pygmy Twylite”, al igual que la ultima con el 1er tema. Por ende, los 3 sonarían como si fuera una sola y larga canción. El tema es un perfecto ejemplo de la improvisación de la banda, ya que es en si una base de batería, bajo y teclados, mientras que Napoleón Murphy Brock se hace pasar por una persona totalmente estúpida mientras que los demás le toman el pelo. Al mismo tiempo, hay alguno que otro solo de alguno de los instrumentos. Es un diálogo que, para sacarle el jugo y de verdad reírse, hay que escucharlo con atención (lo ideal seria verlo en la pantalla para entender mejor lo que pasa).

Seguido de esto, está “Village of the Sun”, un tema que habla de un pueblo en el que solía vivir Zappa. Este tema de Jazz clásico cantado con algo de Rock es el estilo que marcaría las canciones cantadas de Zappa hasta el día de su muerte. Aquí, aunque no hay ninguna complejidad en cuanto a tiempos y velocidades, son muy interesantes las melodías y las bases musicales.

“Echidna’s Arf (Of You)” no solo es de los temas instrumentales para banda mas complejos de Zappa, sino que es también de los temas mas cambiantes en cuanto a melodías. En total tiene 11 partes diferentes, lo cual es prácticamente una demencia teniendo en cuenta que el tema dura solamente 3:53. Aquí hay cambios de ritmos, tiempos, partes con pasajes dementes, y mucho más. Lo increíble del tema es como, a pesar de que cada parte es bastante distinta a la anterior y la siguiente, la idea del mismo se mantiene. Más lo es el hecho de que no se podría encasillar en ningún estilo musical. Es imposible, de verdad. Creo yo que es de los mejores temas de Zappa y de los mejores para describir el gran y original compositor que era.

“Don’t You Ever Wash That Thing?” es una canción instrumental casi que totalmente improvisada. Empieza con una melodía cortante, seguida de otra muy loca que hace recordar a la de un dibujito. Estas 2 melodías se repiten de tanto en tanto a lo largo del tema. Entre medio tenemos un extenso solo de trombón, otro de teclado y otro de batería.
Casi que por el final, Zappa hace un solo increíble con una base rockera. Ya por el final aparece un pasaje algo Avant-Garde.

“Cheepins” es una parodia a las películas de terror de bajo costo. En este tema la voz canta y siempre le responde una melodía hecha por los instrumentos. Aquí es interesante la voz, que canta con una gran potencia. De repente, en la mitad, todo el tema cambia a una melodía escalofriante y terrorífica, seguida por una parte muy funky. Luego vuelve al verso principal, pero esta vez se unen más voces.

“Son of Orange County” es una versión diferente de un tema de los ’60 por la banda original, la cual se llama “The Orange County Lumbre Truck”. Esta versión es mucho mas lenta y desolante.

“More Trouble Every Day” es también una versión diferente de un tema viejo. Este es del 1er disco de Zappa. A diferencia de la versión anterior. Esta es mucho más potente y agresiva, con una cantidad de vientos y voces haciendo la melodía. Es un tema sucio y desafiante. También incluye el mejor solo de Zappa del disco.

Finalmente tenemos el mejor ejemplo de lo que es un concierto de Zappa: “Be-Bop Tango”. Empieza como un supuesto tango (ya que los tiempos son los mismos a los de un Tango, pero las melodías son muy dementes, al estilo del Free Jazz). En todo este pasaje instrumental hay varios solos por los músicos que llegan a ser los mejores del disco. Pero el tema se pone bueno cuando llega una interacción de la banda con el publico, en donde Zappa llama a algunas personas al escenario y estas tienen que moverse al ritmo de lo que George Duke canta y toca en los teclados. Finalmente, la banda termina el concierto despidiendo el tema con una parte bluesera a-la-B.B. King.

Esto no es solo una demostración del genio que era Zappa, creando varios estilos musicales y combinándolos al mismo tiempo con el objetivo de conseguir un sonido único, sino que es también una demostración de lo que una banda puede llegar a hacer en vivo.

Aquí se rompe el mito de que en vivo las cosas pueden estar peor que en el estudio en cuanto a arreglos y calidad de ejecución de los instrumentos. Los músicos de este concierto tocan e improvisan los temas con tanta excelencia que parece que fuera grabado en un estudio.

Todo esto es porque no era una banda cualquiera, era una mega banda. Todos músicos increíbles con una enorme práctica, ensayo y dedicación.

Además lo que se escucha acá no son canción típicas, son obras con arreglos desafiantes y variados. Una forma de mostrar como Zappa no era ni un rockero, ni un jazzero, ni nada de eso, sino que todo eso y más que nada un compositor serio y disciplinado.

A lo que llegó este hombre es algo a lo que nadie ha llegado y es muy difícil que otros lleguen. Porque no solo pudo componer tantas cosas en tantas variedades de estilos, sino que también tuvo éxito. Es la mezcla perfecta: música seria con éxito. De esta manera pudo hacer que gente con un oído no tan exquisito pudiera enriquecerse con música más seria y compleja.

Ya quisieran todos los músicos ser un Zappa.


Saludos!!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa (Y más que nunca)