The Moody Blues - "Every Good Boy Deserves Favour"

Hoy nos vamos al pasado (de nuevo).

Esta vez me puse a pensar que estilo musical no había traído aun. Y ahí se me ocurrió en traer uno de mis preferidos: Rock Progresivo.

Sin embargo, este no es el típico Rock Progresivo el cual uno se imaginaria: canciones de 20 mins con varios pasajes, muchos sintetizadores y varios solos arrazantes. Este es un Rock con canciones de duración normal, pero con arreglos increíbles. Y solo una banda fue capaz de lograrlo en forma tan exquisita y variada: The Moody Blues.

Esta banda inglesa, en su formato clásico, consistía de Justin Hayward (guitarra), John Lodge (bajo), Michael Pinder (teclados), Ray Thomas (flauta) y Graeme Edge (bateria). Todos componían temas para la banda, y cada uno cantaba su composición (por lo general).

La banda arranco en 1964. En ese entonces, los únicos integrantes que formarían el formato clásico eran Pinder, Thomas y Edge, a los cuales acompañaban Denny Laine en guitarra (quien seria luego guitarrista de la banda Wings de Paul McCartney luego de The Beatles) y Clint Warwick en bajo.

En sus comienzos, la banda tocaba el típico Rythm & Blues de la época. Pero cuando llegaron Lodge y Hayward, hubo un giro de 180º. La idea de los 2 nuevos integrantes era hacer Rock pero con grandes arreglos.

Y la maestría de la banda se mostraría con su segundo álbum “Days of Future Passed”. En este álbum, el cual es el 1er álbum conceptual de la historia, la banda, junto a la London Festival Orchestra, compusieron una obra cuya temática era la vida del hombre a través del día. Esta estaba dividida en partes, siendo ellas la mañana, mediodía, tarde y noche.

El álbum tuvo un gran éxito y llevo a la banda a la gloria. Y con esto empezaron a sacar más álbumes, todos ellos con un concepto propio. Serian 7 los álbumes que sacarían antes de su separación en 1974 (aunque se reunirían de nuevo en 1977), y son estos los que forman lo que se conoce como su discografía clásica.

La banda, aunque es considerada como Rock Progresivo, logra mezclar varios estilos, como Rock Clásico, Folk, Música Medieval, Música Clásica, entre otras. Pero lo increíble es que en un mismo tema pueden estar todas estas cosas juntas, creando un sonido único.

El disco que traigo hoy es “Every Good Boy Deserves Favour”, el 6to de estos 7 álbumes. Este salio a fines de Julio de 1971, y es tal vez, de los 7, el mas olvidado.

Sin embargo, es, en mi opinión, en el que logran el punto máximo de expresión. Aunque no cuentan con ninguna orquesta (en el disco, todo lo que suena a orquesta esta logrado con un mellotron, el cual era un teclado que podía simular el sonido de instrumentos de cuerda), los arreglos son increíbles, tanto instrumentales como corales, siendo los últimos los mejores que han hecho en su carrera. Además, es el disco en que han logrado la mayor variedad de estilos en los temas, teniendo cada uno un sonido muy propio y diferente al de los demás temas.

El disco tiene la magia de sonar como algo enorme. Cada canción parece algo increíble y poderoso. Cada instrumento suena como una fuerza increíble, y entre todos crean algo gigante y poderoso.

El disco cuenta con 9 temas:

1. “Procession”
2. “The Story in Your Eyes”
3. “Our Guessing Game”
4. “Emily’s Song”
5. “After You Came”
6. “One More Time To Live”
7. “Nice To Be Here”
8. “You Can Never Go Home”
9. “My Song”

El 1er tema, “Procession”, es el único tema escrito por todos los miembros de la banda juntos. En este se intenta mostrar la evolución de la música. Empieza con un teclado muy bizarro, creando unos sonidos muy espaciales, tal vez intentado aparentar a los sonidos de la naturaleza. De repente, los integrantes de la banda empiezan a gritar 3 palabras sobre un fondo de viento: “Desolation”, “Creation” y “Communication”. Luego le sigue unos tambores mientras que la banda hace un canto de tribu. Luego una música oriental, seguido de algo celta; luego algo medieval; luego algo barroco; luego algo clásico. Finalmente llega al Rock, dando a los 1eros acordes del tema que abre el ritmo del álbum.

“The Story in Your Eyes”, escrita y cantada por Justin Hayward (recuerden que siempre los temas son cantados por el escritor de los mismos), abre el álbum potentemente. Es un tema algo desesperante, como un estilo de escape. En esta canción ya se pueden empezar a notar los excelentes arreglos. Tenemos por un lado los cantos de los demas integrantes que hacen coros mientras Hayward hace el estribillo de la canción. Por otro lado tenemos un piano que pasa de lo Clásico al Rock a lo largo del tema.

“Our Guessing Game” es de los mejores temas de la banda. Escrita por Thomas, aquí llegan a crear una música muy feliz que hace explotar el alma. Empieza con un piano y la voz de Thomas, ambos haciendo una melodía que parece de un palacio antiguo. Luego se van uniendo las voces de los demas. Y es en el estribillo donde llega a un clima increíble. Junto a percusiones potentes, cada integrante de la banda canta una melodía diferente, creando un coro increíble. En el final, este estribillo es repetido una y otra vez, pero de forma más poderosa aun. Es un tema que pone con alegria y felicidad por la vida a cualquiera que lo oiga. Y todo esto es gracias a la increíble interpretación de voces por la banda.

“Emily’s Song” es el tema tranquilo del álbum. Escrita por Lodge, es cantada a 2 voces, mientras que unos teclados agudos y melosos y unos cellos los acompañan. Es muy tierno. Y aunque la progresión de acordes, de haber sido hecha en una guitarra, sonaría como un tema totalmente ordinario, son los arreglos para piano y cellos que lo hacen tan magnifico.

Con “Alter You Came” la banda se pone rockera. La canción, escrita por Edge, arranca en un volumen bajo. Pero de a poco va subiendo e instrumentos se van uniendo hasta llegar al estribillo, donde todo se vuelve monumental.

“One More Time To Live” es de las mas cambiantes y aventureras del disco. Escrita por Lodge, empieza con unas flautas y unos teclados tranquilos, haciendo una melodía que hacer recordar al sentimiento de cuando uno suspira por conseguir algo. Cuando arranca la voz, la letra describe el sentimiento perfectamente: “Miro por mi ventana el mundo pasar”. Cuando llega el estribillo, otras voces se unen y un teclado produce un sonido que de a poco va aumentando hasta dejar el tema en un estado fuerte. Finalmente llega un cambio total. Los músicos vuelven a cantar las palabras del 1er tema del disco mientras que los instrumentos tocan melodías tristes y de perdicion.

“Nice To Be Here” hace recordar a un grupo de boy-scouts caminando por los bosques en busca de aventuras. Es un tema como mucha alegria e infantilismo.

El penúltimo tema, “You Can Never Go Home”, es uno de los temas que mas crecen en la música. Empieza con un bajo tocado a un volumen casi que inescuchable y la voz de Hayward, quien compuso el tema, cantando con una voz casi que susurrada. Llegada la 2da parte del tema, su voz va creciendo hasta llegar a notas agudas cantadas con una fuerza y pasión inmensa, mientras que los teclados simulan un sonido de orquesta. Llegado el estribillo, el tema se pone rockero. Y nuevamente se puede escuchar un coro increíble y lleno de vida. Aquí la potencia llega casi que al mismo punto del 3er tema del disco.

Finalmente llegamos a la canción más deslumbrante, aventurera, desafiante y compleja del disco, y tal vez de todo el material que ha hecho la banda en su historia. “My Song”, escrita por Pinder, es, en pocas palabras, “un viaje”. Aquí pasamos por varios estilos musicales. Pero es mas increíble como es todo homogéneo y fantástico, es como una historia de ciencia ficción. Empieza con los teclados haciendo sonidos de orquesta. Poquito después Pinder empieza a cantar y a tocar en el piano una melodía algo triste con una onda algo clásica. En el estribillo, los demas instrumentos se unen, tocando una melodía con alegria y fuerza, que rápidamente se entristece de nuevo. En un momento la voz se calla, mientras que una guitarra hace un solo muy simple bajo la misma base. Luego un piano hace una subida que parecería la que hacen las arpas y de repente un teclado con sonido a orquesta hace un fuerte acorde. Extrañamente todo se detiene y queda susurrando un sonido a viento, mientras que una voz respira y un vibráfono hace una melodía muy aguda y de poco volumen. Luego de a poco, el vibráfono y una flauta hacen una melodía que va creciendo de a poco. En momentos se puede escuchar una guitarra. Luego unas cuerdas hechas por el teclado y unos coros celestiales se van uniendo. Todo da a parecer a que algo poderoso se viene. De la nada, la guitarra distorsionada, una batería fuerte y los demas instrumentos arrancan una ritmo fuerte que hace imaginarse a que una bestia gigante esta a punto de ser liberada. Y finalmente llega. Todo explota con una riff muy poderoso y espeluznante, mientras que unas voces hacen un canto de desesperación y pérdida. Se puede sentir como esta bestia va destruyendo todo a su paso y todo a su alrededor cae en llamas. Finalmente todo vuelve a tranquilizarse y vuelve a repetirse el comienzo. Sin duda una composición extremadamente compleja y llena de imaginación.

Este disco es de esos que uno no entiende como no ha llegado a ser tan reconocido como debería serlo. Casi nunca se escuchan discos con canciones en formatos y duraciones típicas pero con tantos arreglos increíbles que terminan siendo nuevos estilos musicales.

Es una banda que, aunque ninguno se destaca por una increíble habilidad en su instrumento, logra canciones con arreglos increíbles que finalmente llegan a ser obras de arte.

Y son tan precisos y complejos estos arreglos que me atrevo a decir a que superan en gran parte los de bandas como The Beatles y Led Zeppelín (lo cual me cuesta decir ya que Led Zeppelín es para mi la mejor banda de la historia).

Este disco tiene algo que casi ningún otro logra. Cuando escuchamos una canción, se puede llegar a sentir que los instrumentos llegan a una potencia increíble. Pero en este disco, todos los temas llegan a algo más. No son los instrumentos los que llegan a esa potencia, sino que toda la música en si. Es música que no tiene una palabra para describirla. Lo mas cercan es a algo que se puede sentir que es gigante, lleno de espacio e iluminación, como una explosión.

Este disco es un verdadero hito, y es, en mi caso, uno de los mejores discos que he escuchado en mi vida. Y me atrevo a decir que es el mejor disco del cual he escrito hasta ahora.

Espero que sientan esa grandeza al escucharlo.

Dejo para escuchar los temas:

"Procession": http://www.youtube.com/watch?v=2K0fbcABS_Y

"The Story In Your Eyes": http://www.youtube.com/watch?v=jAKrbE4Ui1c

"Our Guessing Game": http://www.youtube.com/watch?v=T2Z6H5hnXwU

"Emily's Song": http://www.youtube.com/watch?v=TAWWR7g7vAE&feature=related

"After You Came": http://www.youtube.com/watch?v=Cxh9dm7V3jE&feature=related

"One More Time To Live": http://www.youtube.com/watch?v=9DvIBiaDwDM&feature=related

"Nice To Be Here": http://www.youtube.com/watch?v=xnPUhyZmm4I&feature=related

"You Can Never Go Home": http://www.youtube.com/watch?v=JKX6j5T5fO0&feature=related

"My Song": http://www.youtube.com/watch?v=8EwjQcqCAKU&feature=related

Sigan leyendo!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa

Vincent Vega - "Vincent Vega"

Antes que nada, debido a mi profunda y rigurosa investigación de blogs ajenos, he decidido subir los discos que reseño para bajar. Si les es de interés, todos los discos que he reseñado hasta ahora ya están para bajar en sus respectivas reseñas. Y la verdad es que se los recomiendo, porque sino no gastaría de mi tiempo para escribir tanto...

Hoy vuelvo con algo de mi país: Uruguay.

Lo que traigo hoy es un dúo Folk que hizo su aparición en la escena musical el año pasado, y meses después, a fines del mismo, lanzó su primer álbum.

Vincent Vega (nombre sacado por el personaje del film “Pulp Fiction” de Quentin Tarantino, el cual es interpretado por John Travolta) consiste en 2 guitarras y 2 voces, instrumentos que son tocados por Matías González y Mauricio Sepúlveda (el último siendo un muy buen amigo mío al cual conozco hace mucho tiempo y he podido escuchar evolucionar musicalmente). También, en algunos temas, se une una pandereta, guitarra eléctrica y/o maraca.

Como ya dije, la música es Folk. Pero no es el Folk que se viene escuchando últimamente, o sea, el conocido Folk-Indie. Este Folk tiene un sonido que podría revivir el sonido de los ’60 y ’70, pero obviamente con pizcas de hoy en día. E increíblemente tiene aspectos de grandes del Folk, como Dylan, Simon & Garfunkel, Nick Drake, e incluso cosas de The Beatles. Sin embargo, hay temas que se desprenden casi que totalmente de estas influencias y logran una originalidad casi que pura.

El dúo, aunque cuenta con poca instrumentación, logra crear todo un espacio mágico gracias a melodías y coros enredados y guitarras rasgueadas combinadas con guitarras punteadas.

Como es de imaginarse, la música es tranquila en sí, pero la variación de sentimientos trae varias caras al disco. Hay canciones que son bastante agitadas por los rasgueos fuertes; otras son algo melancólicas; otras son belleza pura.

El disco cuenta con 11 temas, más un bonus, el cual esta especificado en la caja mismo:

1. “Miro a través de la ventana”
2. “Huevo Maraca”
3. “De Piedra”
4. “Hacia el Sol”
5. “Un Pez”
6. “El piso se va a manchar”
7. “Podríamos haber sido amigos”
8. “Un poco más feliz”
9. “Sin Título #1”
10. “Del Campo a la Ciudad”
11. “Folkie” (bonus: “Otoño”)

“Miro a través de la ventana” inicia el disco con un punteo bien country, pero a los pocos segundos inicia otro que es un muy buen ejemplo de su sonido guitarristico: 2 guitarras haciendo melodías en espiral que, juntas, forman una sola voz con varios brillos.

“Huevo Maraca” fue el 1er tema que escuché del dúo, y sigue siendo mi favorito. En este tema, todo sucede de una forma tan rápida y mágica que uno tiene que escucharla una y otra vez. En este tema hay una maraca acompañando, dando un ritmo agil y movido, y luego una pandereta. Es un tema que empieza de una forma muy alegre, como si fuera un campo lleno de flores y luego, de a poco, se va desvaneciendo, haciéndonos ir dejando esa belleza y felicidad. Tal vez es esa la razón de la necesidad de volverla a escuchar una y otra vez.

“De Piedra” es el tema triste del disco. No es lento ni oscuro. Pero la melodía de las guitarras trae tristeza, como si uno hubiera perdido la esperanza. Y en esta tal vez se encuentra lo mejor en guitarra del dúo.

El 4to tema, “Hacia el Sol”, es el tema con la mejor descripción del disco. De verdad se puede sentir como uno va hacia un Sol en atardecer, liberando toda infelicidad y dejando el alma brillar.

“Un Pez” es un tema muy normal. Sin embargo, los cantos que van cayendo le traen un aire diferente.

El tema mas tranquilo y tierno del disco, “El Piso se va a manchar”, es una canción que podría sonar a una canción para niños. Es muy interesante como la melodía de la voz y la guitarra se repiten entre sí. Y más aun lo es el pasaje instrumental en la mitad del tema, en el cual una combinación de acordes incoherentes con otros desesperantes van acercando el tema hacia el final.

“Podríamos haber sido amigos” es el 1er tema del disco en que aparece una guitarra eléctrica. En momentos, puede hacer recordar a Dylan con una combinación de guitarras de David Gilmour de Pink Floyd.

En “Un poco mas feliz” también hay una guitarra electrica. En el verso principal, la combinación de la guitarra electrica con la acústica genera un estilo de trance, el cual se rompe y lleva a un lugar misterioso en el estribillo.

Aunque dudo que haya alguna influencia, el rasgueo de “Sin Título #1” suena al típico de Bruce Springsteen. Pero la guitarra electrica rockera que abre el tema le trae una onda sucia. Y en momentos, la guitarra hace riffs que podrían hacer recordar al “III” de Led Zeppelín. También hay algunas influencias psicodélicas al final del tema, con un enredo de guitarras eléctricas que, entre todas, suenan un poco locas.

“Del campo a la ciudad” es el tema más Dylanesco, tal vez por la harmónica que acompaña el tema. Pero claro, Dylan nunca contó con 2 voces que lograran coros bellos y melosos.

Previo al final, tenemos “Folkie”. Este tema consta de un acorde que es punteado a lo largo de casi todo el tema, mientras que la otra guitarra hace solos poco complejos, pero muy profundos. El tema tiene la capacidad de hacer sentir de que se está flotando, mientras que todo alrededor va cayendo por los costados.

Finalmente se encuentra “Otoño”. Este finaliza el álbum con el sonido característico del dúo: 1 guitarra rasgueando y otra haciendo un riff agudo, mientras que las voces cantan al unísono diferentes melodías. Es un muy buen final para el disco.

Odiaría decir que este dúo es prometedor, porque cuando uno dice eso, suena a que se cree que pueden llegar a algo mejor y que si se quedaran con lo que hay, no seria suficiente. En este caso, Vincent Vega no tiene nada que envidiar. En mi opinión (pero espero que no sea así), si este fuera su único disco en la historia, ya habrían hecho mas que suficiente.

El disco transmite perfectamente un sentimiento a través de varios temas muy diferentes. Sin duda que hay tranquilidad. Pero hay tranquilidades de varios tipos. Al mismo tiempo hay una demostración de que se puede llegar a excelentes y complejos arreglos con pocos instrumentos Es de lo mejor que salió en el 2009, y de lo mejor de la nueva generación de músicos del Uruguay.

Lo he escuchado en varias ocasiones y lugares. Hasta ahora, el mejor ha sido en un viaje en auto por la ruta, en la cual no había más que un paisaje de campo desértico y un cielo azul con algo de nubes en un atardecer brillante. Por ende, si les es posible, escúchenlo en una ocasión similar.

Este disco trae una paz enorme. Pero al mismo tiempo, no nos deja en el lugar en el que estamos. Es capaz de llevarnos a lugares brillantes floreados, llenos de felicidad, alegría compañía.

Vincent Vega no solo me ha sorprendido a mí, sino que también a muchas otras personas, incluyendo críticos de nuestro país. Y esto es porque las melodías rasgueadas combinadas con los punteos de las guitarras, las voces cantando diferentes líneas al unísono, y la unión de estas cosas demuestran que no son un par de muchachos que se juntan a tocar porque si. Hay un gran talento y futuro en este dúo, y esperemos que sigan trayéndonos de la magia de su música.

Para escuchar temas del disco y ver información del dúo, pueden entrar a: http://www.myspace.com/huevomaraca

En este caso, no subiré el disco. Por tratarse de un grupo que recién empieza, la mejor forma de subir su popularidad, además de la palabra de boca a boca, es comprando su disco. Para esto, pueden comunicarse con uno de los miembros del grupo mediante su mail: maurisepulveda@hotmail.com

El disco será subido, pero exclusivamente para extranjeros que no tienen forma de conseguirlo. Para ello, aquellos no-uruguayos que lo deseen escuchar, dejen un post aquí y se los pasaré. Los uruguayos pueden tomarse la delicadeza de hacer un esfuerzo y ayudar a un dúo que puede traernos más de su música si los ayudamos a conseguir fondos para que puedan pagar los costos de una grabación.

Saludos!!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa

Ghazal - "The Rain"

El 31 de Diciembre del 2009 escribí una reseña de un disco de la banda Tinariwen. El estilo de la banda es música tradicional Tamasheq, que está categorizada como música Étnica (lo cual es extremadamente ambiguo, ya que incluye cualquier música tradicional de un país mientras que no sea Rock, Folk, Jazz, Pop y todas las músicas populares). Sin embargo, por el uso de guitarras eléctricas, algunas personas no lo sienten como un abandono total de la música occidental.

Esta vez sí se logra. Lo que traigo hoy es música del mundo oriental, música que nos lleva al interior de mundos lejanos.

El conjunto musical se llama Ghazal. Este trata de la unión de 3 músicos de diferentes orígenes que cada uno es un maestro en el estilo musical que toca.

Por un lado tenemos a Kayhan Kalhor. Este músico nacido en Kermanshah, Iran, se especializa en la música tradicional Persa, la cual tiene sus orígenes hace centenas de años en el antiguo Imperio Persa. Su instrumento es el kamancheh, un instrumento de cuerdas que se toca con arco. Su sonido es parecido al del violín, ya que comparte su ancestro con el mismo. Sin embargo, al no ser tan agudo, chillante y limpio, a veces se puede parecer al violoncello. Este músico, además de este conjunto, forma parte de Masters of Persian Music, un conjunto que, como dice su nombre, se dedica a tocar música tradicional Persa.

Luego tenemos a Shujaat Khan. Este músico de India se destaca por su uso tan original e increíble del sitar, el instrumento más popular del país. Este instrumento es de cuerda también. Las cuerdas pasan por debajo de los trastes, a diferencia de la guitarra que pasan por encima. Además de las cuerdas que se pueden tocar con los dedos, tiene varias cuerdas de “simpatía”, las cuales vibran cuando se toca con las cuerdas tocables la misma nota en la que esta afinada alguna de ellas. Si una esta afinada en Re y en una de las tocables se toca Re, esta vibrará. El canto de Khan es muy aclamado también, el cual esta incluído en esta banda. Su discografía es extensa, con más de 60 álbumes

Finalmente tenemos a Swapan Chaudhuri. También proveniente de India, su instrumento es la Tabla, que, aunque su nombre es singular, es un par de instrumentos de percusión. Este instrumento de percusión es el más popular del país. Su forma (a diferencia de lo que toda persona de lengua española pensaría) es como un tambor pequeño y redondo. Pero a diferencia de la mayoría de instrumentos de percusión que marcan el ritmo, este puede afinarse en notas.

Este álbum nos lleva no solo al mundo de estos músicos, sino a uno nuevo creado por la combinación de la música tradicional Hindú con la Persa. Esto se transforma en un viaje místico; una aventura por paisajes enormes.

Este disco salió en el 2003 a través de la discográfica alemana ECM, y es su 4to disco. Es un disco en vivo que cuenta con 3 canciones:

1. Fire
2. Dawn
3. Eternity

Como en ambos estilos musicales la improvisación es tal vez el elemento más importante, los 3 temas se basan en la improvisación. Y como también es común en ambos estilos, los temas son largos, durando 18:18, 14:58 y 19:50 minutos.

Cada tema tiene en si una temática, o sea, tiene su propio sentimiento. Sin embargo, al ser tan duraderas, cada una nos lleva por varios lugares.

Pero en fin es todo un viaje, una misma historia. La homogeneidad se siente en parte porque todos los temas están hechos en Re. Con esto me refiero que, aunque hay variaciones de escalas a lo largo de los temas, son todas escalas de Re. Y la nota pedal (la nota que da como base a la música) es Re. De esta forma se puede sentir que siempre estamos en la misma historia.

Fire y Dawn están en escalas menores, mientras que Eternity está en escalas mayores.

El disco empieza con Fire. El tema empieza con poco volumen, pero con melodías muy trágicas. En el correr del tema el volumen va aumentando hasta que llega un momento en que explota.

Se puede imaginar como un pueblo que, bajo un cielo oscuro, es acechado por el terror. Empieza todo con un caso trágico muy inusual, hasta que todo el pueblo se ve afectado por el mismo incidente.

Se puede sentir como si esta comunidad se viera atacada

por destrozos del planeta: volcanes empiezan a explotar, la tierra se quiebra, empiezan a contraer enfermedades letales, lluvias y truenos increíbles. Solo un grupo de 4 o 5 están a salvo y deciden ir en una búsqueda para solucionar el problema.

Mientras que van haciendo su recorrido, tienen que intentar sobrevivir a varios ataques causados por un planeta que sufre destrozos. La ayuda mutua es necesaria. Mientras que algunos son esenciales por su destreza física, otros lo son por su destreza intelectual. Esta vez, la naturaleza no está de su lado.

Dawn contiene también melodías trágicas, pero es más misteriosa. Es sin duda más tranquila y menos voluminosa. Incluso las partes más veloces se sienten tranquilas. Pero esta vez el sentimiento que ronda es el del misterio y la búsqueda en lugares desconocidos, aunque el miedo y la tragedia se asoman. Son melodías con versos largos y enigmáticos.

Aquí podemos imaginar a los viajeros vagando por el desierto en un atardecer increíble. Hay mucho viento y la arena golpea sus cuerpos con gran fuerza. En un momento llegan a un templo escondido, con muchos árboles y fuentes. Pero es un lugar muy misterioso y lleno de enigmas. Saben que la respuesta está ahí.

La música, por sus melodías largas y su tono bajo, nos hace sentir como si fuera un puzzle, un acertijo que hay que descifrar. De esta forma podemos imaginar a los viajeros buscando la respuesta mientras que resuelven miles de acertijos del templo. Aquí cada uno es puesto a prueba.

Finalmente está Eternity. Como está en escalas mayores, el tema es inevitablemente feliz. Empieza muy pasiva, como si fuera una paz infinita. En esta parte se puede sentir claramente las cuerdas de “simpatía” de las cuales les hablaba. Son aquellas notas que suenan casi que constantes. En un momento agarra ritmo y se pone movida. Por la mitad del tema, el volumen y energía llega a un punto gigante y explota. Y ahí empieza a mostrarnos como el final se va viniendo, adoptando un ritmo más potente y mágico. Finalmente llega al momento más potente de todos. Aquí se puede sentir como si el alma fuera brillando en destellos.

Con esto, los viajeros encontraron la solución, y de a poco van volviendo con felicidad y esperanza a su hogar. Cuando la solución es traída al pueblo, todo empieza a mejorar. Y de esta forma se dan cuenta de que el problema era en si su culpa y deciden cambiar. Rápidamente hacen un giro de 180 grados, y su respeto a la tierra es más grande que nunca. Con esto, todo el paisaje que los rodea empieza a florecer y a hacerse más maravilloso. Varios colores tapan el cielo, mientras que un atardecer anaranjado les trae esperanza y felicidad a todos.

En el disco es increíble la destreza que los músicos logran con sus instrumentos. Todos logran velocidades increíbles y melodías muy expresivas.

También muestran una enorme comunicación. Los 3 van yendo por el mismo camino durante todo el concierto. Es interesante como a veces uno canta una melodía y otro le responde con otra, como si fuera una conversación.

El cambio de paisajes, sentimientos y espectros es logrado con la habilidad de improvisar, cambio de tiempos y cambio de escalas y melodías.

Este disco fue nominado al Grammy Mejor Disco de World Music Tradicional. Lamentablemente no lo gano, habiendo perdido contra “Sacred Tibetan Chant” de los monjes del Monasterio Sherab Ling.

Aunque toda la música de este estilo logra llevarnos a otros lugares, este disco tiene la cualidad de llevarnos por una historia. Y aunque todos los discos TIENEN que ser escuchados como discos y no en temas sueltos, este merece serlo escuchado como disco aún más, ya que no son temas por separado, sino que es todo un relato dividido en partes.

Con este disco podemos llenarnos con la habilidad de grandes músicos, con los sonidos de instrumentos a los cuales no estamos tan acostumbrados, y a estilos musicales que no solo expanden nuestros conocimientos, sino que también pueden ayudarnos a descubrir nuevos mundos que sean tal vez los que hemos estado buscando por mucho tiempo.

Es un disco que nos llena de imágenes desde un principio que es perfecto como tal hasta un final que también lo es perfecto como tal.

Y nuevamente espero que los emocione tanto como lo hace conmigo.

No incluí temas para escuchar porque, además de que no encontré, pienso que la música hay que escucharla como los músicos la presentan y quieren que sea escuchada. Por algo los músicos, cuando quieren que se escuche un tema por sí solo sacan singles, y cuando quieren que se escuche un disco entero, sacan discos. Los discos reflejan todo un momento por el cual pasó el músico y son siempre una historia que solo se puede entender cuando se escuchan todos los temas juntos y en el orden en el que el artista los presenta.

Saludos!

“Music is the Best” – Frank Zappa

Gordon Lightfoot - "If You Could Read My Mind"

Siguiendo con Folk, hoy les traigo un músico que en su momento fue muy conocido, pero que hoy a veces suena como una leyenda. Sin embargo, es uno de los mejores cantantes Folk que ha habido, y también de los mas influyentes.

Gordon Lightfoot es un cantante canadiense que supo tener su éxito en los ’60 y ’70 (el cual no fue menor).

Desde un principio, aunque tocaba un Folk cuyas progresiones de acordes eran las típicas del estilo, supo crear un sonido muy original y distinguible. Y tal vez esto fue lo que lo llevó a la popularidad, ya que a muchos les gustaba el Folk clásico, pero tal vez les podía sonar un poco repetitivo.

Sus canciones siempre fueron interpretadas por su voz y su guitarra. Pero como gran músico que es, supo añadirle instrumentos como bajo, batería, etc, y en unos cuantos álbumes orquestas, las cuales eran muy bien usadas ya que no transformaban a las canciones en canciones melosas y patéticas, sino que en obras más profundas y sentimentales.

Una de las cosas más increíbles es su voz. En mi caso, lo considero uno de mis cantantes favoritos. Lightfoot no llega nunca a notas agudas, ni hace efectos como gritos, chillidos o lo que sea. Siempre canta con su voz tal cual es. Sin embargo este cantante barítono tiene una forma de crear melodías y cantar con una voz profunda y llena de vida que logra transmitir cada sentimiento de forma perfecta.

Este cantante fue no solo un gran interprete de temas que no le eran propios, sino que también fue creador de temas que tal vez pueden llegar a ser tradicionales del Folk. Y estos, y otros, han sido interpretados por grandes de la música, como Elvis Presley, Johnny Cash, Jerry Lee Lewis, Bob Dylan, Judy Collins, Barbra Streisand, Richie Havens y Fairport Convention.

El disco que les traigo hoy es no solo el más popular de sus discos, sino que su mejor también. Por ende, fue una popularidad bien merecida.

En este disco combina su Folk con orquesta y otros instrumentos, logrando así mantener el Folk intacto, pero dándole un giro diferente debido a sus arreglos. Y como el disco de Joni Mitchell que presente en mi post anterior, es perfecto para escuchar en un lugar tranquilo o cuando se está en paz.

El disco salió en Abril de 1970. Originalmente se iba a llamar “Sit Down Young Stranger”. Sin embargo, como el tema "If You Could Read My Mind" estaba teniendo mucho éxito, se tomó la decisión de cambiarle el título al disco por el nombre de esta canción (tal vez una decisión un poco comercial).

El disco cuenta con 11 temas:

1. "Minstrel of the Dawn”
2. "Me and Bobby McGee"
3. "Approaching Lavender”
4. "Saturday Clothes”
5. "Cobwebs & Dust"
6. "Poor Little Allison"
7. "Sit Down Young Stranger"
8. "If You Could Read My Mind”
9. "Baby It's Alright"
10. "Your Love's Return (Song for Stephen Foster)"
11. "The Pony Man"

“Minstrel of the Dawn” ya es un perfecto ejemplo de la capacidad de Lightfoot para combinar Folk con orquesta. Si uno escucha atentamente, se puede dar cuenta que la base musical es totalmente Folk: la progresión de acordes, las melodías. Pero la orquesta le da ese toque pasional que la hace más compleja y profunda. Sin duda se siente amor en este tema.

“Me and Bobby McGee” es un clásico de clásicos. Este tema fue compuesto por uno de los reyes del Country: Kris Kristofferson. Pero otros músicos lograron versiones más conocidas, como Johnny Cash. Y aún más lo es la versión de Janis Joplin en su último disco “Pearl” sacado en 1971. Sin embargo, de todas las versiones, la de Lightfoot es la mejor de todas. Aquí Lightfoot la canta con pasión y alegría. Y solo en esta versión se siente de verdad el sentimiento que intenta transmitir la canción. Y nada es mejor que el tarareo final del tema.

"Approaching Lavender” es de los pocos temas movidos del disco, tal vez el único. Esta tiene un rasgueo bastante rápido. Con este tema uno puede imaginarse una linda cabalgata con el viento en la cara. Es un tema muy alegre con mucha esperanza.

“Saturday Clothes” es el tema que difiere en estilo en el disco. Aunque es Folk, el estilo es muy parecido a las Folk con combinación eléctrica de The Rolling Stones.

El tema mas Country del disco es “Cobwebs & Dust”. Parecería una canción de niños. Pero una vez mas, aquí usa orquesta. Y lo más interesante es el acordeón que acompaña en la canción.

“Poor Little Allison” es otra gema en el disco. Es el tema más pasional. En este, la voz de Lightfoot llega a su pico. Cuando canta las notas agudas (en comparación al resto, ya que en si no son tan agudas), transmite una fuerza increíble. Lo hace aún mas increíble al tema los acordes del principio, que es en realidad el mismo acorde todo el tiempo, lo único que en cada cambio baja una de las notas un semitono.

Con “Sit Down Young Stranger” se puede sentir la tranquilidad que brinda el estar en el campo o una zona muy natural. Es tranquila, pero al mismo tiempo movida. La forma de cantar de Lightfoot aquí parece para una canción para niños también.

“If You Could Read My Mind” es el tope en arreglos del disco. La cantidad de cambios que tiene sin cambiar el sentimiento es increíble. Es un tema meloso y muy tierno, con mucho amor. La pasión que transmite la voz aquí de verdad hace que uno sienta el amor que tiene la canción. Y la melodía principal de la guitarra, que es con la que arranca el tema, es la clave a la magia que transmite esta canción.

Ya con el titulo, uno se puede imaginar de que se tratará "Baby It's Alright". El estilo ronda en el Outlaw Country. Y como lo hace siempre este estilo, uno puede imaginarse un vaquero despiadado que va de pueblo en pueblo. Aquí Gordon Lightfoot incluye percusión.

“Your Love’s Return” es el tema mas mágico del disco. Es una canción muy linda que va preparando al oyente a la despedida. Con este tema la belleza llega a su extremo. Los violines tocan líneas preciosas que complementan todo el espacio que crea el tema. Perfecta para cuando uno esta con el corazón lleno de vida.

“The Pony Man” despide el disco con Lightfoot cantando y tocando su guitarra y una harmónica. Solamente él está en esta canción. Es una despedida muy feliz que nos recuerda los lindos momentos que uno paso con este disco. Y una vez mas se puede recordar la belleza de la naturaleza. Y por alguna razón el tema también transmite la felicidad que trae una amistad.

Con este disco una vez mas se puede lograr un estado de paz y felicidad enorme. Pero por suerte, de una forma muy diferente al disco anterior. Mientras que el de Mitchell era más como para contemplar la belleza que lo rodea a uno, con este disco se puede usar esta belleza para hacer más satisfactoria actividades calmas que realicemos.

Es un disco increíble en todos los sentidos. Y aunque a uno no le guste mucho la música en sí (lo cual lo veo difícil), solo con la voz de Gordon Lightfoot da para escucharlo más de una vez.

Nuevamente, espero que les transmita los mismos sentimientos que me transmite a mí cada vez que lo escucho.

Lamentablemente, de nuevo fue escaso el material para escuchar. Pero con estos temas ya alcanza para convencerse de que vale la pena escucharlo:

"Me and Bobby McGee": http://www.youtube.com/watch?v=N8O0GgcenVU

"Saturday Clothes" (en vivo): http://www.youtube.com/watch?v=F4anOSSGm6U

"If You Could Read My Mind" : http://www.youtube.com/watch?v=jqMG3VR5PP4&feature=related

"Music is the Best" - Frank Zappa

Joni Mitchell - "Song to a Seagull"

Hola a todos. Hoy les vuelvo a escribir ya que he vuelto de mi largo viaje.

Como mi idea de vacaciones es estar en lugares tranquilos con mucha naturaleza rodeándome, hoy les traigo un disco que siempre me acompaña en mis vacaciones ya que considero perfecto para esto a este estilo de música llamado Folk.

Todos los que conocen algo de música conoces a Joni Mitchell. Esta cantante que empezó con Folk y terminó añadiéndole algo de jazz, creando así una música inigualable, es de las más importantes en la historia de la música popular. Fue una enorme imagen en la escena musical de fines de los ’60 y todo los ’70. Casi toda cantante que apareció luego de ella fue influenciada por su voz y su música.

El disco de hoy, “Song to a Seagull”, fue su disco debut y es uno de los mejores discos que han salido en la historia. En mi caso, lo colocaría en mi Top 10. Salió en Marzo de 1968 y fue producido por el reconocido David Crosby, conocido por haber sido miembro de The Byrds y Crosby, Stills, Nash & Young, 2 de las bandas mas importantes de la historia. Sin embargo, es un disco muy olvidado, incluso por los fanáticos de la cantante.

Como aún era una cantante puramente folk, el disco consiste solamente de la voz de Joni Mitchell, que fue cantada al lado de la caja de un piano para crear un sonido con algo de eco, lo cual le da más profundidad, espacio y tranquilidad, y la guitarra tocada por ella misma. Pero estos son 2 instrumentos muy potentes.

Para empezar, la voz de Joni Mitchell es en mi opinión la mejor voz femenina que ha habido y que hay. Su gentileza y tranquilidad, combinada con las notas agudas a las que llega, crea unos paisajes de paz increíbles.

Aún más potente es su guitarra. Ella es también para mi una de las mejores guitarristas de la historia. Su guitarra no consiste en solos a velocidades increíbles, sino que son simples rasgueos. Pero su forma de rasguear es muy original. Y lo que le da el sonido tan original a la guitarra son las afinaciones raras, las cuales son inventadas por ella misma.

Como ya dije, el estilo de la música es Folk. Pero no es el típico Folk a lo Dylan. Y no usa cambios de acordes tan predecibles. Es un Folk mas profundo, meditativo y mágico.

Joni Mitchell también es una pintora. Es mas, ella se considera primero una pintora, luego una música. En este caso, como en la mayoría, la tapa del disco fue diseñada por ella.

El disco cuenta con 10 temas:

1. 1. I Had A King
2. 2. Michael From Mountains
3. 3. Night In The City
4. 4. Marcie
5. 5. Nathan La Franeer
6. 6. Sisotowbell Lane
7. 7. The Dawntreader
8. 8. The Pirate Of Penance
9. 9. Song To A Seagull
10. 10. Cactus Tree

A su vez, el disco esta dividido en 2 partes: "I Came to the City", que va desde el 1er hasta el 5to tema, y "Out of the City and Down to the Seaside", que va desde el 6to hasta el ultimo tema. En la edición vinilo seria el lado 1 y el lado 2.

El disco empieza con “I Had A King”. Esta habla del matrimonio fallido de la cantante, el cual había terminado recientemente. Es un tema misterioso, que en el estribillo logra aclararse. Este logra ser uno de los mejores temas de la cantante.

“Michael From Mountains” habla de si uno puede de verdad amara a alguien sin conocerlo lo suficiente. Aquí se puede ver como la temática del matrimonio sigue. La guitarra en este caso es llamativa, ya que logra combinar rasgueos raros con una serie de arpegios que varían en velocidad. El tema podría crear la imaginación de unas aves volando por el cielo.

“Night in the City” es el tema más movido del disco. Aquí Joni toca guitarra y piano, mientras que es acompañada por Stephen Stills en el bajo, quien a logrado ser un gran guitarrista y cantante formando parte de Buffalo Springfield y también del cuarteto Crosby, Stills, Nash & Young. Como dice el titulo, puede llegar a recordar a una noche muy alegre en la ciudad.

“Marcie” habla de una mujer solitaria y su vida. Es un tema muy tranquilo donde la voz de Joni canta con fuerza y en muchos casos en notas súper agudas.

“Nathan La Franeer” tiene algo de influencias celta. A veces parece una canción de un relato fantástico.

En “Sisotowobell Lane” la voz de Mitchell es muy suave, lenta y melosa, una forma que parecería un canto a un bebe.

“The Dawntreader” tiene de interesante como el rasgueo de la guitarra lleva el mismo ritmo que la voz en muchas veces. Y la fuerza que toma el canto de Mitchell en el estribillo es increíble. El tema habla de un pirata que la invita a irse con él

“The Pirate of Penace” sigue con la temática del pirata, lo único que esta vez es un pirata asesino. Aquí la cantante usa un poco de arábico y graba varias pistas de voz, las cuales se entrelazan y cantan rápidamente, dando una sensación de desesperación.

La canción que da titulo al disco, “Song to a Seagull”, es una canción que hace recordar a los tiempos medievales. Este tema, al igual que el último, habla de la libertad.

Finalmente está “Cactus Tree”. Aquí se puede de verdad sentir la tranquilidad. Es una excelente despedida al disco y uno de los mejores finales para un disco que hay en la música.

El disco es una joya. Es perfecto para escuchar cuando uno está en las afueras de la ciudad, en un lugar pasivo, lleno de naturaleza. Es aún mejor si se escucha cerca del mar en un atardecer o en un bosque lleno de árboles.

Con este disco uno puede sentir la música de otra forma. Es un disco muy tranquilo, pero con gran fuerza. La voz de Joni es preciosa, y de verdad llena el alma. Y su guitarra crea todo un ambiente lleno de paz y belleza. Este disco es capaz de llevarte a lugares con una belleza infinita. Ayuda a darse cuenta de la belleza que nos rodea y de que las cosas que lucen como las más simples son las de mayor valor.

Es sin duda uno de los mejores discos que han salido. Sin duda el mejor en lo que es Folk. Es un disco muy puro y lleno de vida, y espero que les llene el alma como lo hace conmigo.

Aquí les dejo links para escuchar los temas. Lamentablemente, solo encontré versiones en vivo, porque en mi opinión se pierde bastante el sentimiento que transmite la versión de estudio. Igual siempre lo pueden encontrar por otros lados:

"I Had A King"ç:http://www.youtube.com/watch?v=MVRCigmkbDk

"Night in the City":http://www.youtube.com/watch?v=zYtePEMfDLM&feature=PlayList&p=E195E5882351ACE0&playnext=1&playnext_from=PL&index=3

"Marcie":http://www.youtube.com/watch?v=FMdKH0MVMLI

"Nathan La Franeer":http://www.youtube.com/watch?v=nScy5F6XNjA

"Sisotowbell Lane":http://www.youtube.com/watch?v=pyEQgci5Jzg

"Song to a Seagull":http://www.youtube.com/watch?v=iJ2Ecq_VwUM

"Cactus Tree":http://www.youtube.com/watch?v=kLNF32bKed0

Gracias por haber leído nuevamente mis reseñas. Ahora vuelvo a trabajar en este blog y mis publicaciones serán mas frecuentes.

Saludos!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa