Janelle Monáe - "The ArchAndroid"

Hoy traigo el penúltimo álbum de este TOP 10 de lo mejor del 2010.

Hoy traigo una artista muy reciente que lanzo su 1er álbum en el 2010 y anteriormente un EP en el 2007.

Es una artista que ha generado mucho aprecio y ha llamado mucho la atención, tanto por su música como por su estética.

Su nombre es Janelle Monáe.

Esta artista nació el 1 de Diciembre de 1985 en Kansas City.

Desde pequeña el arte fue una enorme parte de su vida y en su adolescencia se mudo a New York para estudiar teatro en American Musical and Dramatic Academy. Sin embargo, al tiempo volvió a la música.

Luego de mudarse a Atlanta, conoció a Big Boi de Outkast y participó en un tema del disco “Idelwild” de la banda. ´

Big Boi le contó a su amigo Sean Combs (Puff Daddy) de ella. Este último entró al MySpace de la muchacha y quedando fascinadísimo con toda su música, estilo e imagen, le dio un contrato para su discográfica Bad Boy Records.

Tras esto, en el 2007, Monáe sacó su primer EP llamado “Metropolis: Suite I (The Chase)”. Seria la primera parte de una serie de 4 partes de una fantasía conceptual que tenía en mente: la vida en un mundo futurístico donde el personaje principal es Cindi Mayweather, una androide. Fue bien recibido, aunque no causo mucho impacto (sobre todo porque hoy en día no se le da mucha importancia a los EPs).  Aun así tuvo una nominación en los Grammy para la categoría de Mejor Actuación Urbana/Alternativa.

Pero en el 2010 lanzo su disco debut, del cual voy a hablar hoy, y su popularidad estallo. No solo es un disco increíblemente variado, sino que también recibió muchas galardonaciones.

La música de esta chica es de base R&B, Soul y Funk, pero a su vez hay de todo: Rock, Punk, Rap, Folk, Psicodélica, influencias africanas, etc. Ella cita como influencias Michael Jackson, Prince, OutKast, Erykah Badu, James Brown, Grace Jones, Stevie Wonder, David Bowie, Jimi Hendrix, Bernard Herrmann, Funkadelic e Incredible String Band.

Con todo esto, sin haberla escuchado (y haciendo caso a las sabias palabras de mi persona), podrían imaginarse que con esa base e incluyendo todas esas influencias tan variadas, nos encontramos ante una titana de la música.

El disco del que hablo hoy es su disco LP debut titulado “The ArchAndroid (Suites II and III)” lanzado el 18 de Mayo del 2010.

El disco sigue con la historia conceptual de Metropolis. En este álbum, Cindi Mayweather es vista como un Mesías en forma de androide y es mandada al pasado para salvar a los ciudadanos de Metropolis de La Gran Diferencia (The Great Divide), una sociedad secreta que usa el viaje en el tiempo para suprimir la libertad y el amor (un poco loco, no?).

Cuenta con la enorme cantidad de 18 temas:

01 – Suite II Overture

02 – Dance or Die (feat. Saul Williams)

03 – Faster

04 – Locked Inside

05 – Sir Greendown

06 – Cold War

07 – Tightrope (feat. Big Boi)

08 – Neon Gumbo

09 – Oh, Maker

10 – Come Alive (The War of the Roses)

11 – Mushrooms & Roses

12 – Suite III Overture

13 – Neon Valley Street

14 – Make the Bus (feat. Of Montreal)

15 – Wondaland

16 – 57821 (feat. Deep Cotton)

17 – Say You’ll Go

18 – BaBopByeYa

El disco abre con “Suite II Overture”, que al igual que “Suite III Overture”, consiste en una pieza orquestal de estilo clásico, más bien del estilo del Romanticismo. Este no esta compuesto por Monáe, sino por quien fue su mano derecha en los arreglos y producción de este disco: Dr. Nathaniel Irvin III.

“Dance or Die” contiene como invitado al cantante de Hip-Hop alternativo Saul Williams. El tema ya muestra la mezcla de R&B con algo de Hip-Hop. Excepto el estribillo, toda la melodía es rapeada por Janelle. Son muy interesantes los arreglos vocales del estribillo. Algo interesante es que en algunos momentos se puede sentir una guitarra rítmica que será la del siguiente tema, dándole así un estilo de continuidad al disco

“Faster” es de los mejores temas del disco. Como lo dice su titulo, es un tema bastante rápido y es muy pero muy bailable. Rítmicamente, recuerda mas al R&B de los ’50 que el de ahora. Uno puede imaginarse toda una coreografía con esta canción.

“Locked Incide” nos trae una onda mas Funk, al estilo de Earth Wind & Fire. Empieza como un tema funky algo cósmico. Pero lo interesante es la parte entre esto y el estribillo, donde unos acordes de piano que van cambiando cromáticamente le dan un aire mas a lo Michael Jackson. Y en el estribillo cambia totalmente, volviéndose un tema muy moderno, con una melodía sin relación armónica alguna. Un tema muy bueno.

“Sir Greendown” nos lleva a un tema lento de los ’60 al estilo Supremes. Sin embargo lo que lo hace diferente, entre otras cosas, es el teclado rítmico, ya que este tiene un sonido de órgano espeluznante de película de terror. Aquí la voz de Janelle llega a una gentileza increíble.

“Cold War” nos lleva a una onda mas Afro-Punk. Es un tema como mucha potencia y energía; bueno, es un tema de protesta. La potencia va aumentando, hasta llegar a la explosión en el final, con una guitarra hiper distorsionada y demente. Este fue el 2do videoclip por la artista.

“Tightrope” fue el 1er videoclip. En este participa Big Boi. Este seria otro gran tema bailable. Aquí ya es una mezcla de todo: Funk, R&B, Soul. Los genial son los vientos que acompañan y la melodía que en el verso es casi que de una sola nota. El videoclip muestra exactamente lo que uno podría imaginarse con este tema: una manda de personas bailando al ritmo y cada uno demostrando su potencial.

“Neon Gumbo” es un tema totalmente surreal y psicodélico. Es un tema hecho totalmente con cintas grabas pasadas al revés. Estilísticamente es parecido al resto, pero este hecho técnico la separa de todas. Incluso el solo de guitarra del final, aunque corto, queda alucinaste gracias a esto.

“Oh Maker” va mas por el lado del Pop-R&B a la onda de muchas contemporáneas. Los arreglos de coros, que aparecen poquito y cada tanto, le dan un detalle exquisito. Y lo mejor es el estribillo, en donde los cambios de acordes y melodías, con algunos cromatismos, lo hacen bastante impredecible.

“Come Alive” nos lleva al “pasado” nuevamente. Ya con el comienzo de bajo, nos trae un tema bailable al estilo Big Band de los ’50 y ’60. Pero aquí no hay tal banda, sino un simple cuarteto. Pero la energía de los gritos de Janelle y de la guitarra distorsionada le dan toda una masa de sonido. Y así termina siendo una canción muy rockero y hasta heavy. Es un tema con mucha energía y sexualidad.

“Mushrooms & Roses” abre con una sección de cuerdas y a los segundos se une el resto de la banda. Cuando Janelle empieza a cantar, usa un efecto extraño el cual hace parecer que fuera un estilo de sueño. Aquí nos presenta otra cara, una cara de Rock Alternativo con mucho de Hendrix, sobre todo por las guitarras. El tema cada vez agarra mas potencia a medida que pasa el tiempo, hasta que estalla en coros energizantes y solos de guitarra arrasadores.

“Neon Valley” vuelve al estilo Soul-R&B con gran sonido afro-americano. Aquí nuevamente la voz de Janelle llega a una pureza increíble. Es un tema que suena mucho a la vida citadina (en mi opinión) y podría asemejarse a temas de Alicia Keys. Nuevamente, un excelente solo de guitarra cierra el tema.

“Make the Bus” tiene la participación de la banda de Indie Of Montreal. Es bastante diferente también. Es muchísimo mas electrónico y aquí el artista invitado marca mas presencia. El tema no se asemeja casi en nada a los anteriores. Anda en la onda del Power-Pop electrónico al estilo Mika (pero con muchísima mejor calidad), demostrando que esta artista tiene muchísimas cartas bajo la manga.

“Wondaland” entra dentro del estilo de los 1eros temas del disco. Aquí la voz de Janelle es mucho más aguda y caricaturesca. Debido a los teclados y los coros femeninos, puede imaginarse un estilo de mundo perfecto bastante imaginario e infantil. Es mas, por el titulo, es probable que esto es lo que quiera transmitir la artista.

“57821” tiene como invitados a Deep Cotton. Esta canción es la que mas se separa de todas. Es un tema Folk de influencias inglesas que tiene muchos parecidos a temas de Simon & Garfunkel. Los arreglos, tanto de la guitarra como de las percusiones, hacen recordar a melodías medievales y a castillos mágicos. Aquí las vocales llegan a su punto máximo. Tanto la melodía, tierna y dulce cantada como si fuera un cuento, como los coros del estribillo, los cuales están armonizados de forma espectacular y con un efecto Reverb, le dan un toque mágico al tema que nos lleva hasta las nubes. Sin duda es un tema increíble y tal vez el mejor del disco.

“Say You’ll Go” es un tema bastante enigmático. No tiene batería ni percusión (aunque un teclado tiene un sonido de percusión con altura) y es llevado por un piano y un teclado que hace acordes largos. La voz de Janelle aquí lleva un aire más de Jazz vocal del estilo de Frank Sinatra (aunque esto no se nota perfectamente hasta llegar cerca del final, donde queda solo la voz y el piano). Un tema precioso que llega su punto máximo en el final donde el piano queda tocando arpegios y un coro pequeño hace una melodía muy bella.

Finalmente tenemos el último tema“Babopbyeya”. Este sigue la onda del anterior, o sea el Jazz Vocal clásico. Pero aquí la instrumentación es más típica: piano, batería lenta y una sección de vientos. Aquí Janelle se despide con las verdaderas raíces de todos los estilos que venia haciendo hasta ahora en este gran álbum. Pero el tema es muy largo. En la mitad, el ritmo se pone más al estilo de Bossa Nova con secciones instrumentales un poco más vanguardistas. Luego sigue una sección hablada como si todo el sistema estuviera por colapsar. Finalmente vuelve al estilo del comienzo y el tema se despide con una sección de cuerdas y un piano que podría sonar a un bar desolado de New York, bien a los principios de Tom Waits.

El disco ha sido alabado enormemente, apareciendo en la mayoría de las listas de los mejores discos de música popular del 2010. Prácticamente todas las revistas de música y criticas le dan el máximo puntaje posible.

También recibió la nominación al Grammy al Mejor álbum de R&B Contemporáneo, aunque no lo llego a ganar. Y ha vendido en cantidades excesivas. Solo en EEUU ha vendido más de 141.000 copias y aproximadamente 21.000 en su 1era semana de lanzamiento.

Sin duda es una artista que va a cambiar la escena. El R&B contemporáneo es visto por muchos aficionados del Rock y de la pureza del Soul y R&B como una acto de comercialismo. Pero aquí se demuestra todo lo contrario.

Hay mezclas de muchísimos estilos de cultura afro-americana: Soul, Jazz, R&B, Funk. También Rock, Punk, Rock Alternativo e incluso música Académica. Y todas fusionadas o en su pureza más cercana a sus raíces.

Los arreglos son impresionantes. Tanto los teclados como guitarras y secciones de cuerdas son de alta complejidad. Pero sin duda que lo mas exquisito son las progresiones de acordes, modulando todo el tiempo, y mas que nada los arreglos de voces y coros.

Este disco sin duda ha impactado. A mi me ha dejado atónito. No me esperaba algo tan increíble para este año, y menos de este estilo. Y se merece un lugar en el Top 10 de lo mejor del 2010 de Black Beauty a toda costa. Y no llega a ser el  nº1 por muuuuy poco.

Espero que les rompa la cabeza como a mi!

Como siempre, dejo los temas para escuchar:

01 – Suite II Ouverture: http://www.youtube.com/watch?v=xsDViDcxVzg

02 – Dance or Die: http://www.youtube.com/watch?v=9dyxNx5NEPU

03 – Faster: http://www.youtube.com/watch?v=AM2Ha7-NxFc

04 – Locked Inside: http://www.youtube.com/watch?v=Y60ldycdsVY

05 – Sir Greendown: http://www.youtube.com/watch?v=sE_LFrmvZ_s

06 – Cold War: http://www.youtube.com/watch?v=YRWp7ihvGjs

07 – Tightrope: http://www.youtube.com/watch?v=jsgCZKASA3s

08 – Neon Gumbo: http://www.youtube.com/watch?v=R9PMrUqMfM4

09 – Oh, Maker: http://www.youtube.com/watch?v=5-55y1Xo-p0

10 – Come Alive (The War of the Roses): http://www.youtube.com/watch?v=IEuPY1Q69QU

11 – Mushrooms & Roses: http://www.youtube.com/watch?v=yTOL-DVW5tA&feature=related

12 – Suite III Ouverture: http://www.youtube.com/watch?v=_NbGXceEchg&feature=related

13 – Neon Valley Street: http://www.youtube.com/watch?v=bZhrBB0FNQ4

14 – Make the Bus: http://www.youtube.com/watch?v=7_PQ1cSo8LU

15 – Wondaland: http://www.youtube.com/watch?v=Iv10t488Zpo&feature=related

16 – 57821: http://www.youtube.com/watch?v=4yQgciCLaWU&feature=related

17 – Say You’ll Go: http://www.youtube.com/watch?v=zsHQgFwUgbg&feature=related

18 – BaBopByeYa: http://www.youtube.com/watch?v=PgQ3j7Mv5a0&feature=related

SOLO QUEDA 1!!!!!!!!

“Music Is The Best” – Frank Zappa

Ali Farka Touré & Toumani Diabaté - "Ali and Toumani"

El disco que traigo hoy es una gema del 2010 proveniente del continente africano, del país Mali.

Estos 2 artistas no son cualquiera. Son sin duda los 2 más grandes de su país y de los más grandes de todo el continente. Su encuentro con las tradiciones folclóricas de su país con mezclas de otras del continente hacen a su música tanto muy original como tradicional.

Estoy hablando de Ali Farka Touré, uno de los mejores guitarristas de la historia con un sonido único, y Toumani Diabaté, artista cuyo instrumento es la kora (un estilo de arpa de 21 cuerdas que es el instrumento más popular del país).

Al ser 2 músicos de gran escala, hablare un poco de cada uno.

Empezando con Touré, este nació el 31 de Octubre de 1939 en un pueblo llamado Kanau en la región noroeste del país. Viniendo de una familia grande y muy pobre, fue el único de 10 hermanos que paso la infancia.

Farka fue un apodo dado por los padres, el cual significa burro, un animal muy admirado por su tenacidad y terquedad.

Casi sin haber tenido educación, trabajo en un cultivo de campo, mientras que su pasión por la música iba creciendo.

Fue en 1956, después de un toque del guitarrista maliense Keita Fodeba que quedo asombrado con la guitarra y opto por este como su instrumento principal.

En un viaje a Bamako por fines de los ’60, fue introducido a la música de Ray Charles, Otis Redding y John Lee Hooker. Fue el ultimo que lo influencio mas, pensando al principio que era un músico de Mali, y al descubrir que no lo era, se dio cuenta que el Blues tenia raíces de la música Africana.

Y así empezó su carrera musical. Primero trabajo en Radio Mali, y fue en esos momentos que grabo su 1er álbum titulado “Farka” en 1976.

A este disco le seguiría “Red” y luego “Green”. Pero estos 3 primeros álbumes eran de baja calidad y no tenían tanta distribución.

Su música era basada en las tradiciones de su país incorporando el Blues al mismo tiempo. 

Algo en lo que llamaba la atención era su capacidad de tocar varios temas tradicionales en su país cantados en 10 lenguas distintas (algo que haría en toda su carrera).

Pero al unirse a la discográfica World Circuit, saco su álbum “Ali Farka Touré” en 1987 y aquí su carrera despegaría.

De ahí saco varios discos, entre ellos el reconocido y galardonado “Talking Timbuktu” junto a Ry Cooder. Otros destacados son “Radio Mali” y su mejor trabajo “The River” (en mi opinión obviamente).

Más allá de su exitosa carrera y múltiples conciertos alrededor del mundo, Touré nunca dejó su pueblo, y su gran amor por el lugar, sus amigos y tradiciones hicieron que su entonces productor Nick Gold construyera un estudio en una casa abandonada en Nianfunké (en donde vivía Touré). Con esto demuestra que su pasión era la música y nada más que ello. No precisaba de lujos.

Finalmente murió el 7 de Marzo del 2006 después de una larga lucha contra el cáncer de hueso.

Por otro lado tenemos a Toumani Diabaté, nacido el 10 de Agosto de 1965 en Bamako (capital de Mali). Toumani es proveniente de una familia con más de 71 generaciones de tocadores de kora (conocimientos pasados de padre a hijo por generaciones).

Su padre, Sidiki Diabaté, fue quien le enseño y es uno de los tocadores de kora más importantes, habiendo influenciado a todos los que aparecieron luego de él. Sin embargo su hijo es quien ha llevado el instrumento más allá de su continente.

Toumani empezó con la kora a los 5 y a los 13 hizo su debut en vivo junto a un ensamble de Koulikoro.

En 1984 se unió al grupo de Kandia Kouyate, la cantante de tribu más importante en el momento y ahí pudo hacerse algo de nombre.

Fue a partir de este momento en que creó una técnica en la que podría tocar una base y una melodía a la vez, de forma de tocar totalmente solo. Con esto fue que llamo más la atención y 1988 saca su 1er álbum llamado “Kaira”, en el cual demuestra esto. Con esto su popularidad aumento increíblemente y el disco es considerado hoy en día como de los mejores de kora.

Desde entonces ha sacado varios discos solista, tanto con banda acompañante como él totalmente solo. Un gran ejemplo es “Djelika”, lanzado en 1995. Este es en mi opinión su mejor trabajo hasta ahora.

También ha colaborado con numerosos grandes de la música, como Taj Mahal, Ballake Sissoko, Ketama, Danny Thompson, Damon Albarn, etc.

Lo que tenemos acá es un dúo increíble. Las 2 figuras más importantes de la música tradicional de Mali, el cual es un país al cual se le está prestando muchísima atención en los últimos años (musicalmente hablando).

Toumani Diabaté (basándome solo en lo que escucho, ya que desconozco las técnicas de su instrumento) es un increíble tocador de kora (digo tocador de kora porque no creo que se le diga korista). Sus melodías son arpegios a gran velocidad en espirales, pero con una belleza y ternura infinita.

Ali Farka Touré es sin duda de los mejores guitarristas que han tocado en la Tierra. Una técnica muy original, llena de ligados y usando escalas pentatónicas (tanto la del Blues como otras) en las cuales hace melodías con líneas totalmente diferentes a lo que uno está acostumbrado escuchar. Puede estar usando una guitarra acústica o eléctrica y siempre reconoceremos que se trata de él.

El disco de esta vez es una colaboración de estas 2 bestias. Sin embargo no es la 1era colaboración entre estos 2.

Aunque han colaborado en varios discos, este es el 3ero de las sesiones “The Hotel Mandé Sessions”, en el cual ambos toman el rol de protagonistas. El 1ero fue “In The Heart Of The Moon” y el 2do “Savane”.

La diferencia de este (que es lo que lo hace el mejor de los 3) es que aquí no cuentan con otros músicos (solo con un bajo en algunos pocos temas y alguna voz acompañante en algunos otros pocos). La magia es creada por ellos 2, una interacción acústica donde se trae a los oídos la belleza de las tradiciones y paisajes de su país natal.

Este álbum fue compuesto y grabado en la sala de conferencias del Hotel Mandé, dándoles vista al Rio Niger en la ciudad de Bamako, Mali.

Siendo un álbum sacado después de la muerte del gran Touré, nos trae mucha alegría, tanto 

por ser nuevo material como por la felicidad que trae este álbum. Nos hace pensar que el difunto está gozando la vida aun, incluso después de la muerte.

El disco fue lanzado el 23 de Febrero de 2010 bajo el sello “World Circuit Records” y cuenta 

con los siguientes 11 temas:

1. “Ruby”
2. “Sabu Yerkoy “
3. “Be Mankan”
4. “Doudou”
5. “Warbe”
6. “Samba Geladio”
7. “Sina Mory”
8. “56”
9. “Fantasy”
10. “Machengoidi”
11.  “Kala Djula”

El disco arranca con “Ruby”. Un típico punteo de Ali abre el tema, dando inicio a un tema bastante penoso. Es muy tranquilo y de andar lento, pero siempre da a lugar al virtuosismo entrelazado de Toumani. El tema, prácticamente en su totalidad, es una base de guitarra repetitiva pero con variaciones de Ali, mientras que Toumani improvisa. Según Toumani, esto es lo que uno podría escuchar de Ali si lo encontraba solo en una habitación: un toque suave y delicado.

El 2do tema, “Sabu Yerkoy”, es un tema de Ali que tocaba desde los ’60. Es su homenaje a la Salsa Cubana con letras en Songhai, las cuales celebran la independencia de Mali. La traducción del título seria “Gracias a Dios” y la letra dice:

"Como hemos obtenido nuestra tierra nuevamente

Como ahora tenemos esperanza

Como hemos obtenido nuestros ríos nuevamente

Como tenemos todo lo que nos pertenece nuevamente

Estamos orgullosos y estamos en bien"

Aquí la voz es la de Ali. Es un tema muy alegre donde se siente la unión y la comunidad. Sin duda suena a un festejo muy personal lleno de afecto. Aquí nuevamente podemos apreciar una gran improvisación de Toumani. Sin embargo lo más lindo del tema es la base de guitarra, que aunque es una base, es bastante compleja y es quien le da todo el aire y felicidad. Es una base nuevamente “repetitiva” pero esta vez suena a que hay bastante improvisación entre medio. Sin duda un tema hermosísimo.

“Be Mankan” es una antigua canción Mandé que ambos tocaban como un vals. Habla de Alpha Yaya Diallo, un guerrero de Guinea Conarky (y es ahora un himno en ese país). A su vez, Toumani destaca que hay mucha esperanza y amor, como el que se le entrega a una persona cercana. Ya en el principio, Toumani nos introduce con un espiral de notas a máxima velocidad. Sin embargo el tema es muy lento y tranquilo. Más de una vez se puede escuchar con perfecta claridad el ritmo de vals (sobre todo cuando Toumani lo hace evidente con su kora). Es interesantísima la forma en que conversan ambos músicos a lo largo del tema.

“Doudou” tiene la guitarra rítmica más linda de todas: un riff que baja y sube hacia su tónica. Es un tema muy amigable. La idea del tema es el mismo riff a lo largo del tema en la guitarra. A su vez, Toumani hace solos y hace ritmos, ambos entrecruzados, y lo mismo Ali. Uno de los más bellos del disco.

“Warbe” es en honor a esos que pelean para proteger su pueblo. Este nos trae al estilo por el cual mas se conoce a Ali. Aquí podemos escuchar su sonido más bello en solos: un toque con muchos ligados, ataques cortados y punzantes, melodías en escalas salteadas. Además, usa una escala pentatónica que es clásica de él y es la más usada en esas zonas. Esta está formada por la tónica, su 2da, su 4ta, su 5ta y su 7ma menor (en este caso sería Si-Do#-Mi-Fa#-La). También, como típico de la música de estas zonas (también lo pueden escuchar en Tinariwen, banda que recomendé hace mas de 1 año), la base está en el mismo acorde constantemente. El tema es básicamente esta base hecha por Toumani y Ali haciendo los solos (también hay unas maracas acompañando). Para los conocedores de Ali, el tema está basado en “Goye Kur”, tema que abre su disco “The Source”.

“Samba Geladio” es sin duda el que tiene la mejor colaboración. Ambos hacen solos constantemente, pero es como una conversación. Pero lo más increíble es que en este tema la escala es la Pentatónica de Blues y es muy difícil notarlo en una simple escucha. Aquí demuestran una idea muy avanzada de esta técnica. Todos hemos escuchado a los blueseros y rockeros usarla y aunque todos tienen voces diferentes, la metodología y técnica de usarla es igual, o sea, la progresión en que se usa. En cambio aquí hacen sucesiones de notas más impredecibles, no hacen las típicas de blueseros. Sin duda que es un tema a escuchar para todos aquellos amantes de esta conocida escala.

“Sina Mory” nos trae de nuevo las vocales de Ali. En el comienzo ya nos encontramos con su voz tranquila y llena de sabiduría. Lo más lindo del tema es el riff y progresión de acordes principal, el cual es hecho a lo largo de todo el tema. Y esto es gracias a la combinación del kora y la guitarra, trayendo un sonido único, como si fuera el sonido del agua. Este es el tema que escucho por 1era vez Ali en la guitarra y Toumani comenta que fue muy lindo para Ali grabarlo cerca del final de su vida. Es uno de los 2 temas más bellos de todo el disco.

“56” completa el dúo de temas más bellos del disco. Es más, es el más bello. Es muy simple en sí: una y otra vez la misma base 3 notas en la guitarra mientras que Toumani y Ali, separadamente, hacen solos y las melodías principales de la canción. Es un tema perfecto para escuchar en la noche. El tema fue grabado previamente en su disco “The Source” (cuya versión es más linda aun). De escucharla, ahí podrán encontrar varias de estas melodías principales (puedo decirles que hay principales ya que son las mismas que las de esta versión). Aquí la kora y la guitarra tocan delicadamente, llenos de pasión y amor. Amor es la palabra de este tema diría yo.

“Fantasy” vuelve al estilo del tema que inicia el disco. Un tema pasivo no tan alegre pero aun así muy gentil. Nuevamente, Ali hace la base de guitarra y Toumani hace varios solos con exquisita precisión.

“Machengoidi” tiene el mejor de los riffs del disco. El tema vuelve a la escala pentatónica típica de Ali que ya les nombre. La guitarra hace a lo largo de todo el tema el riff principal (con alguna variación entre medio) mientras que Toumani hace un solo increíble. Uno puede imaginarse un grupo de hombres en sus camellos a lo largo del desierto, bajo un sol intenso, y cada tanto parando para tomar un té y descansar. Ali ya había grabado este tema 2 veces, entre ellas una con vocales. Pero esta es la 1era vez que aparece la kora y la idea era ver como quedaría en este tema. Y como quedó la verdad…..

El disco cierra con “Kala Djula”. Y sin duda es un cierre muy bello. Parece un tema para niños (ayuda mucho las maracas de fondo). Aquí lo interesante es Toumani haciendo por momentos melodías y por otros quedando en acordes, mientras que a su vez Ali repite una y otra vez el riff principal pero entre medio tira una línea de solo que se acomoda a este riff, haciéndolo parecer que fuera parte del mismo. Una despedida muy cariñosa y entrañable.

Sin duda es algo muy diferente a lo que les vengo trayendo hasta ahora (y tal vez a todo lo que les he traído desde el comienzo del blog).

Tenemos a 2 bestias, 2 grandes, 2 representantes de este gran país con una diversidad y calidad musical increíble llamado Mali.

La ternura, amistad y sonido acogedor que trae este disco es infinito. Ya el toque de la kora por parte de Toumani Diabaté y de la guitarra por parte de Ali Farka Touré basta para esto. 

Pero los temas son además muy puros.

Y lo interesante es que son totalmente de tradición africana y aun así nos suenan tan cercanos. Es que el sentimiento que intentan transmitir aquí es uno universal: fuerza, amor, esperanza y confianza.

Lamentablemente Ali ya no se encuentra entre nosotros. Pero sin duda es una manera increíble para despedirse. Es una despedida como la que todos querríamos tener: haciendo lo que más nos gusta en la vida con la mejor calidad y transmitiendo perfectamente lo que el corazón nos dice. Aquí nos hablan con el corazón y el alma, llegando hasta los nuestros.

Una gema increíble, tanto para la música de Mali, como para la africana, como para la Étnica y como para la música en general. Un disco que me atrevo a decir que es de las cosas más increíbles que han salido en todos los tiempos. Y espero que los toque tanto como a mí

Dejo los temas para escuchar excepto “Fantasy” y “Warbe” que no los encontré:

• “Ruby”: http://www.youtube.com/watch?v=de_0sUQ0GVA
• “Sabu Yerkoy”: http://www.youtube.com/watch?v=y6ajFEKfaZA
• “Be Mankan”: http://www.youtube.com/watch?v=D16wD4yTgqw
• “Doudou”: http://www.youtube.com/watch?v=5JsOIs4iCmQ
•  “Samba Geladio”: http://www.youtube.com/watch?v=T90G1mnxAak
• “Sina Mory”: http://www.youtube.com/watch?v=rsmcFn7O5vw
• “56”: http://www.youtube.com/watch?v=wKumZ5ptXFE
•  “Machengoidi”: http://www.youtube.com/watch?v=pgxl7--VILU
•  “Kala Djula”: http://www.youtube.com/watch?v=1PKdK_68r0A

SALUDOS Y SOLO QUEDAN 2 MAS!!!!

“Music Is The Best” – Frank Zappa

Pat Metheny - "Orchestrion"

Hoy traigo el 7mo álbum de este Top 10 álbumes del 2010.

Sinceramente no se por dónde empezar a hablar de este gran artista. Me ha influenciado tanto y cambiado tanto la vida….

Si hubiera que encasillarlo en algo, seria Jazz. Pero este es de esos artistas que han pasado las barreras estilísticas. No solo ha combinado el Jazz con influencias rockeras, latinas, folk, new age y hasta persas, sino que ha sacado álbumes de estilos totalmente diferentes, como totalmente Folk, discos de guitarra improvisada totalmente dementes, bandas sonoras para películas, dúos con cantantes, etc.

Esta bestia, esta máquina de la música, este genio de la guitarra es conocido como Pat 

Metheny.

Patrick Bruce Metheny nació el 12 de Agosto de 1954 en Lee’s Summit, Missouri, un suburbio al sureste de Kansas.

Luego de terminar el liceo, atendió brevemente la Universidad de Miami para estudiar música, lugar en donde al poco tiempo le ofrecieron un puesto como profesor. Este lo rechazo, ya que se mudo a Boston para estudiar en Berklee School of Music bajo la mano de uno de los más importantes vibrafonistas en la historia del Jazz, Gary Burton.

En 1974 hizo su debut en el estudio. Por un lado en 2 sesiones con Paul Bley, por otro con Carol Gross y por otro con Jaco Pastorius en un disco solista muy desconocido del mismo.

Pero llamaría la atención al unirse a la banda de Gary Burton. Ahí no solo hizo nombre como un prodigio y promesa en la guitarra del Jazz, sino que pudo aprender y absorber muchísimo tanto de Burton como de sus otros acompañantes, sobre todo del increíble contrabajista Eberhard Weber. Junto a Burton grabo 3 álbumes (en esa época, ya que años luego volvería a tocar alguna vez que otra con él).

Como Burton grababa para la discográfica ECM, Metheny logro conocer a su fundador y productor Manfred Eicher (a quien yo considero el mejor productor discográfico de la historia). Con esto, pudo grabar su 1er álbum, llamado “Bright Size Life”. Este álbum nos introducía a un sonido único para el Jazz. Combinaba melodías de Folk con Jazz tradicional y muchas influencias tanto de Burton como el sonido de la ECM. En este disco lo acompañaban 2 grandes: Bob Moses en batería y el mismísimo Jaco Pastorius en bajo (quien logra aquí tal vez sus mejores líneas en su instrumento y obteniendo un sonido que nunca se le ha vuelto a escuchar a esta bestia del bajo). También era interesante el uso de guitarra eléctrica de 12 cuerdas por parte de Metheny, un sonido que sería su identidad en su 1era etapa.

Pero sería su 2do álbum solista donde establecería su sonido personal, “Watercolors”. Y esto 

fue sobre todo porque fue el 1er álbum donde se le uniría su mano derecha, creando así el gran dúo: el pianista Lyle Mays. En este disco también era acompañado Danny Gottlieb en batería y el gran Eberhard Weber (yo lo considero el mejor bajista de la historia junto a Ron Carter). En este disco llegaba a crear bastante de lo que haría en el resto de su carrera: temas de Jazz puro, temas de Jazz con mezcla de Folk, temas más cósmicos, temas totalmente Folk, temas con algo de New Age (y con New Age me refiero al de buena calidad, no al que tiene sonidos de mar y esas cosas horribles). Un disco increíble.

Ya para su 3er álbum, armaría una banda que hasta el día de hoy sigue vigente y es de las más respetadas del Jazz: Pat Metheny Group. En este disco seguía evolucionando este sonido que estaba creando.

Hasta ese momento, aunque había mezclado e incorporado varios estilos, aun seguía bajo la rama del Jazz (mas allá de que en muchísimos momentos ya no lo era y era otra cosa). Pero fue en 1979 donde iría en un viaje como solista, creando una obra increíble, la cual yo considero el mejor álbum de toda la historia junto al “III” de Led Zeppelin, llamada “New Chautauqua”. En este, el músico deja de lado al Jazz casi que por completo y nos lleva en un viaje con mucho Folk, misticismo y cosas que son indefinibles. Gracias a una gama de multipistas de guitarra eléctricas y acústicas, bajos y unas guitarras-harpa, creo un sonido único y gracias a esto, fue galardonado enormemente y pudo salir de la denominación de “increíble artista jazz” a “increíble músico y compositor”. (Ya llegara el momento en que hablare de este disco tan increíble, solo tengo que esperar al momento justo donde tenga varios lectores que pongan sus comentarios ya que es un álbum que de verdad quiero transmitir a la gente)

Discos y años después, sacaría su galardonado álbum “First Circle” en 1984. Este era un cambio para la banda de Metheny. Por 1era vez mezclaban influencias latinas a su Jazz, creando así un sonido que se volvería su marcar registrada y por el cual ha sido más aclamado. Aunque esto ya lo venía haciendo desde su disco “Offramp” (en el cual era acompañado por el gran percusionista brasilero Nana Vasconcelos y fue su 2da obtención de un Grammy), fue aquí donde marco un antes y después. También es en este disco donde se formaría lo que se considera el clásico Pat Metheny Group, con Steve Rodby en bajo y Paul Wertico en batería (además de Metheny y Mays).

A partir de “Offramp”, la banda y Metheny como solista se volverían una mega maquina absorbente de Grammys.

Como líder de la banda, ha sacado otros grandes proyectos. Uno de sus más destacados es “The Way Up”, una obra de 68 minutos de corrido en donde la improvisación y la partitura se fusionan en un nivel increíble.

Como solista, ha sacado varias bandas sonoras muy reconocidas y trabajos como solista. Uno de sus más destacados es “One Quiet Night”, en donde Metheny toca la guitarra acústica y nada más, y así realizando una música pacifica e inspiradora, perfecta para la noche. Y también ha logrado cosas totalmente fuera de su sonido. Esto se ve en “Zero Tolerance For Silence”, un disco donde graba multipistas de guitarras eléctricas desaforadas llenas de ruido e influencias avant-garde y de improvisación libre, al punto en que muchos de sus mayores admiradores lo consideran una basura en la música (sin embargo Thurston Moore, líder de Sonic Youth y genio dentro de este estilo lo considera una de las mayores obras maestras en la historia).

Además, ha colaborado en discos extremadamente aclamados, como “Song X” junto a Ornette Coleman, “80/81” junto a Dewey Redman, Michael Brecker, Charlie Haden y Jack DeJohnette, “Like Minds” junto a Chick Corea, Gary Burton, Roy Haynes y Dave Holland, y muchos más.

Metheny es reconocido por 2 grandes cosas. Por un lado como compositor. Ha creado temas con mezclas estilísticas enormes y un repertorio extremadamente extenso. Su sonido es tan grande que hay Metheny para cualquier persona, desde cosas sumamente Jazzeras, a cosas totalmente Folk, cosas rockeras, etc.

Pero es además uno de los mejores guitarristas de la historia. No solo para el Jazz, sino para la música en gral. Su forma de tocar es única. No hace falta escuchar más de 3 segundos para identificarlo sin saber lo que uno está escuchando. Técnica increíble e única, mezcla tanto escalas jazzeras como de otras formas musicales. Y ha llevado también la guitarra acústica a lugares únicos. Su forma de tocar es única, como si hablara. Puede mandarse un solo a toda velocidad y volverte loco como tocar solo 5 notas y llenar de vida el alma de uno. Sin duda es de los mejores de la historia (yo lo considero el mejor junto a Jimmy Page de Led Zeppelin).

El disco del que voy a hablar hoy se llama “Orchestrion”. Fue lanzado el 26 de Enero del 2010.

Este disco no es solo un gran cambio en el modo de pensar la música para Metheny, sino para la música entera.

Muchos deben conocer la pianola, un piano al cual se le inserta un rollo con agujeros que, al 

este pasar, hace que el piano toque ciertas notas y así una obra entera. Por ende, es como si fuera una grabación. Y lo fue en cierta manera antes de que existieran los reproductores de música.

Metheny, cuando era chico, siempre iba a visitar a su abuelo. Y siempre su 1er parada en su casa era una pianola muy vieja. Le llamaba mucho la atención este instrumento que era viejo, pero en si era algo futurista.

Por mucho tiempo el estuvo con esa idea. Y el año pasado, junto a varios técnicos, logro armar lo que él llama “Orchestrionics”. Esto es toda una serie de instrumentos (piano, marimbas, percusión, bajos, guitarras, platillos, vibráfono, etc) los cuales están, por un lado, mecanizados para tocar ciertas cosas y por otro para tocar lo que Metheny quiere en el momento.

Esto último se logra mediante unos dispositivos conectados a varias pedaleras, las cuales terminan en su guitarra. Cuando Metheny toca algo en su guitarra, los instrumentos seleccionados por él en el momento, tocaran algo (ya sea la mismas notas u notas, como 3ras o 5tas, que estén mecanizadas para tocarse respondiendo a lo que se toco).

Para entender mejor de lo que hablo, les dejo esta entrevista de 7 mins de Metheny explicando técnicamente todo el proyecto: http://www.youtube.com/watch?v=9VymAn8QJNQ

Como verán entonces, esto es innovador, pues detrás de este gran ensamble casi que orquestal, hay solo un hombre. Claro muchos dirán que esto es todo mecanizado y no es valeroso porque pierde toda la interpretación de algún instrumentista, pero como dije, todo es controlado por Metheny. Por ende, tenemos un intérprete, uno que interpreta por varios a la vez.

Para este disco, este artista incluyo en su Orchestrionics los siguientes instrumentos:

• Guitarra Eléctrica (tocada directamente por Metheny)
• Piano
• Marimba
• Vibráfono
• Campanas orquestales
• Bajo
• Guitarra
• Percusión
• Timbales
• Batería
• Botellas sopladas
• Teclados
• Instrumentos acústicos creados para el proyecto mismo

Por ende, un arsenal de instrumentos

En este disco, Metheny vuelve a usar su sonido clásico, pero vuelve a tomar influencias como Steve Reich (el cual había sido de gran inspiración para su álbum “The Way Up” con su banda). Hay variedad de ambientes en el disco, lo cual lo hace bastante heterogéneo, pero siempre manteniendo un mismo estilo.

El disco cuenta con 5 temas:

1. “Orchestrion”
2. “Entry Point”
3. “Expansion”
4. “Soul Search”
5. “Spirit Of The Air”

El 1ero es en mi opinión de los mayores logros de este gran artista. No solo porque el tema en 

si es increíble, sino por la cantidad de detalles, la forma en que todo encaja, y como la improvisación se fusiona con lo escrito tan perfectamente que es extremadamente difícil diferenciarlos (algo también logrado aun mejor tal vez en “The Way Up”. El tema, por ser tan arreglado, por no tener versos sino secciones (o sea comienzo y final) y por su fusión con Jazz, Minimalismo y algo de Progresivo, termina siendo un tema inclasificable estilísticamente. Es muy magia e imaginativa, con mucho movimiento. Es como una aventura. En su mayor parte parece mucho a la música de los últimos tiempos de Koji Kondo (compositor excepcional para los videojuegos de Nintendo). Es un tema épico la verdad y es tal vez el mejor ejemplo de lo que se puede lograr con este mecanismo (por algo le ha dado el nombre del proyecto). Se puede escuchar cómo funciona todo a la perfección, tanto las partes programadas como las que son controladas por Metheny (sobre todo cuando se toca al unísono la guitarra eléctrica y los demás instrumentos). El tema es también muy impredecible. Esta en constantes cambios y es lo que lo hace tan energizante. Nunca se está quieto. La verdad que una majestuosidad de la música, una innovación total.

El 2do tema, "Entry Ponit", empieza lentamente con una melodía muy misteriosa pero algo triste, como si fuera un invierno en una cabaña. Aquí ya no hay tanto de lo anterior. Aquí se puede notar como todo esta mas arreglado. Las partes de los instrumentos son algo preestablecido y no hechos en el momento por Metheny (aunque en momentos algunos instrumentos parecen hacer cosas por parte de Metheny directamente). Estilísticamente, aunque no instrumentalmente, va mucho por el lado de las composiciones acústicas de Metheny (sobre todo por el arpegiado de la guitarra acústica del comienzo). Aquí la crema es la guitarra eléctrica de Metheny. No hay velocidad, no hay virtuosismo. Pero es aquí donde se demuestra gran parte de lo que comentaba. Es puro sentimiento el toque, viene del alma. Nos habla. Se siente la pasión y eso es lo que define a un guitarrista. No es increíble por su manejo de las escalas o por su técnica del dominio del idioma, sino porque con simples toques a uno le llega a lo más profundo. Lo mejor del tema es cuando los instrumentos aumentan la potencia y el solo combina perfecto con esto.

“Expansion” es la mas jazzera del disco. Ya desde el principio nos introduce a las típicas melodías más tradicionales de este grande. Si alguno quería escuchar un ejemplo de lo mas Jazz de este artista, acá esta. Pero aquí fusiona lo pre-escrito (base rítmica automatizada para ciertos instrumentos) como la combinación de los improvisado y tocado directamente por Metheny. En momentos, los instrumentos tocan a la par con la guitarra, y en otros la guitarra no suena y los otros instrumentos sí. Por ende, Metheny toca, por ejemplo, el vibráfono con su guitarra. Aquí también encontramos improvisación con aire Jazz al máximo. Al principio por la guitarra sola, luego con instrumentos fusionados. Lo interesante es un pasaje en el cual el piano y la guitarra se fusionan haciendo acordes excepcionales.

“Soul Search” empieza con un delicado piano, al cual se le une una guitarra que le sigue su onda. Aquí podemos escuchar un sonido más personal. Es un tema bastante desolador en momentos, pero muy gentil y romántico en otros. En muchos momentos, por la progresión de acordes, se puede sentir las influencias latinas, sobre todo brasileras. Estilísticamente es Jazz, pero la progresión de acordes no lo es. Pero de la nada hay un cambio repentino y el tema se vuelve un Jazz puro y clásico. Momentos luego vuelve al clima inicial, pero con más pasión (esto es logrado por los platillos seguramente).

Finalmente tenemos “Spirit Of The Air”. Esta es un gran final. Ya desde el principio uno se da cuenta que es el final de esta gran través gracias a la melodía del bajo y el acorde repetido del piano. Luego de un rato, aparece la guitarra de Metheny con su clásica voz.  Entre medio nos encontramos con un pasaje súper jazzero. Pero al volver al clima inicial, todo viene con mayor potencia, dejando toda la energía y pasión del disco entero en este gran final. En el último momento, todo va desapareciendo de a poco, hasta que todo termina en un realentando de todos los instrumentos y en un acorde final. La onda del tema es como dije: un final que nos dice que habrá más. No es feliz, pero tampoco triste. Es diciéndonos que seguirá y nos deja con toda la energía y ganas.

Como podrán ver, un disco excepcional.

Hay de todo: desde Jazz clásico hasta estilos totalmente inclasificables. Desde tranquilidad pura a adrenalina al máximo.

Tenemos también un concepto nuevo: una banda entera manejada en el momento por un solo músico. Y digo en el momento porque TODAS las pistas fueron grabadas al mismo tiempo. No sé si habrá habido cortes y pegues (lo cual, conociendo la forma de grabación de este músico, lo dudo), pero todas las líneas musicales, ya sea del piano, percusión, bajo o lo que sea, fueron grabadas al mismo tiempo.

También podemos ver la calidad guitarrística de Metheny. Hay un dominio perfecto del idioma Jazz, pero también encontramos melodías totalmente alejadas de esto. Hay tecnicismo puro y en muchos momentos simplicidad básica, pero cualquiera de los 2 cuenta con la máxima expresión, pasión y corazón posible, demostrando ser uno de los mayores ases de este instrumento.

Y como compositor…pues con solo escuchar el 1er tema no se precisa decir nada.

Sin duda uno de los mejores discos del año, el cual los sorprenderá, ya sea por la calidad, por el concepto, por la expresividad, por el descubrimiento de un enorme artista (de los mejores que hay para mí por lejos) o por el hecho de estar (para varios) totalmente desconectado de este enorme mundo del Jazz y podes descubrir su puerta hacia él.

Como siempre dejo los temas para escuchar:

1. “Orchestrion”: http://www.youtube.com/watch?v=U19N839XaTI
2. “Entry Point”: http://www.youtube.com/watch?v=ao6mqp4jfoc
3. “Expansion”: http://www.youtube.com/watch?v=1fovoziJx2Y
4. “Soul Search”: http://www.youtube.com/watch?v=JbG4aKFUjco
5. “Spirit Of The Air”: http://www.youtube.com/watch?v=rQmMGyzo2iw

SIGAN LEYENDO QUE FALTAN LOS ULTIMOS 3!!!!

“Music Is The Best” – Frank Zappa

Robert Plant - "Band Of Joy"

Hoy traigo el 6to disco de esta lista Top álbumes del 2010 (recuerden que no los estoy presentando en orden de preferencia, aunque en el ultimo voy a poner una lista de ellos en orden).

Hoy traigo un artista que está en el corazón de todos los amantes de la música. Es sin duda la voz más increíble de la historia. Es sin duda integrante de la mejor banda de la historia. Es sin duda un artista que luego de tanto éxito con su banda supo crear su propio estilo, al punto que no tiene prácticamente conexión con su pasado y su actual reconocimiento se basa puramente en lo que ha logrado por su cuenta.

Estoy de hablando de Robert Plant. Si, ese hombre increíble cuyos gritos nos hacen estallar el corazón; cuya cabellera larga y rubia, al agitarse, hace que nos queramos mover de un lado para otro; cuya composición tanto como solista como de la mano con su colega Jimmy Page es suficiente para hacernos sentir todos los sentimientos posibles en el Mundo (lo confieso, Led Zeppelin es lo mejor que me ha pasado).

Hay poco para decir de este artista que no sepamos todos….

Robert Anthony Plant nació el 20 de Agosto de 1947 en West Bromwich. Desde pequeño fue amante del Rock and Roll. Solía esconderse detrás de las cortinas y pretender que era Elvis Presley.

Dejo el liceo en la mitad para dedicarse a la música, ya que su pasión por el Blues y grandes como Willie Dixon y Robert Johnson.

Mientras trabajaba en varias cosas, como en construcción, formó parte de varias bandas. Entre ellas, la más conocida (aunque muy poco) fue Band Of Joy, en la cual el baterista era nada más ni nada menos que John Bonham (posteriormente el gran baterista de Led Zeppelin). A su vez, saco algunos singles de temas no escritos por él. Estos tenían un sonido muy de música onda Big Band de los ’60. Aquí se puede notar como su voz estaba evolucionando.

En 1968, la banda The Yardbirds se separa quedando solo Jimmy Page. En busca de nuevos músicos, encontró a John Paul Jones, que tenía ya cierta popularidad como músico de sesiones. En busca de un cantante, su primera opción fue Terry Reid. Pero aunque rechazo la oferta, le recomendó ir a escuchar a un joven en un toque de una universidad. Ahí conoció a Plant.

En el momento Page no lo entendía. Creía que debía ser un loco o una mala persona, ya que no podía ser que una persona con tanta potencia al cantar no fuera una estrella aun. Pero luego de una pequeña reunión, se dio cuenta que él era el indicado (Y SI QUE LO FUE!!!!). Tras esto, Plant recomendó a Bonham como baterista.

La banda dio unos toques muy exitosos bajo el nombre de The New Yardbirds, pero luego de un comentario de Keith Moon, baterista de The Who, en el cual dijo “Tu banda va a caer como un Lead Zeppelin”, la banda cambio su nombre. Omitieron la A para que no hubiera mala pronunciación.

Obviamente la historia de Zeppelin la voy a omitir ya que, además de que no es parte del artículo mismo, me la podría contar hasta un niño de 3 años que recién empieza a hablar.

Si hay que nombrar cosas importantes. Desde sus comienzos en el ’68 hasta su disolución por la muerte de Bonham en el ’80, la banda fue la más importante, más vendida y mas revolucionaria. Todos sus discos hasta su penúltimo “Presence”, son considerados de los mejores de la historia y de los más influyentes.

La banda logro mezclar Folk, Rock, Blues, Rock Progresivo, Funk, etc, creando así una enorme cantidad de caras pero siempre manteniendo su sonido personal. Es más, junto a Deep Purple y Black Sabbath, son parte de los creadores del Heavy Metal.

Además la banda era un caso bastante único en instrumentistas. Jimmy Page es nombrado de los mejores de la historia, llegando a los puestos más altos en muchas listas y en varias en el 1ero. Robert Plant es considerado de los mejores y más influyentes cantantes de la historia y el más importante en la música pesada. John Bonham es también todo esto y es el baterista que ha aparecido en el 1er puesto de mejores bateristas en la historia. John Paul Jones marco todo un nuevo estilo de bajo de acompañamiento y gracias a él, Led Zeppelin fue de las 1eras bandas cuyos arreglos orquestales, de vientos o lo que sea no fueran hechos por alguien que no fuera de la banda y de las 1eras en la cual todos los instrumentos eran tocados por alguien de la banda (fue Jones quien hizo todos los arreglos y toco prácticamente todos los instrumentos que no fueran ni guitarra o batería).

Para finalizar, la banda es de las que más han vendido en la historia, con más de 300 millones de ventas en grabaciones, y su clásico álbum “IV” ha vendido aprox. 37 millones de copias mundialmente, siendo el 12do disco más vendido de la historia.

Luego de la disolución de la banda, Robert Plant arranco una exitosa carrera como solista con el disco “Pictures At Eleven”. Ha sacado 9 discos como solista, entre los cuales se destacan “Principle of Moments” y por sobre todo “Now and Zen”. En ellos, siempre usa su clásico Hard Rock, pero también los mezcla con mucho Folk y sobre todo con influencias de músicas étnicas, al punto que es cabeza en la fusión de Rock con World Music.

También ha tenido varios proyectos en colaboración con otros artistas. Lo primero fue un disco con Jimmy Page y Jeff Beck bajo el nombre de The Honeydrippers. En este, tocaban clásicos de los ’50. Luego en 1994 se juntaría con Page para hacer un concierto unplugged (que luego se editaría) haciendo temas de Led Zeppelin, el cual se llamo “No Quarter”. 4 años después, Page y Plant irían al estudio a crear nuevo material para el disco “Walking Into Clarksdale”, el primero con nuevos temas del dúo desde la ruptura de Led Zeppelin. 

Finalmente, en el 2007, junto a Alison Krauss, saco el exitosísimo álbum “Rasing Sand”, en donde combinarían el Folk con Country, Rock and Roll y Americana. Este álbum le dio 5 Grammys a Plant, entre ellos “Mejor Álbum del Año”, el más importante de todos.

El álbum que traigo hoy es su ultimo, “Band Of Joy”.

Este fue lanzado el 13 de Setiembre del 2010 y sigue un tanto la línea estilística que presento Plant en su disco anterior en colaboración con Krauss.

El nombre viene de la banda que alguna vez formo parte este cantante, aunque el sonido no tenga nada que ver. Para esta banda llamo a varios músicos y la banda resulto ser la siguiente:

• Robert Plant – voz principal, coros (1,2,3,5,11)
• Marco Giovino – batería, percusión, coros (3)
• Patty Griffin – voz, coros (2,3,4,5,8,10,11)
• Byron House – bajo, contrabajo
• Buddy Miller – guitarra eléctrica, guitarra barítona, bajo de 6 cuerdas, mandoguitarra, coros (2,3,6)
• Darrell Scott – guitarra acústica, mandolina, mandolín octavado, banjo, acordeón, pedal steel guitar y lap steel guitar, coros (1,2,3,4,6,7,10,11)
• Bekka Bramlett - coros (1,2)

Entre ellos, se destaca Patty Griffin, cantante Folk que ha tenido un gran éxito como solista y Buddy Miller, reconocido guitarrista de este estilo.

En este disco se usa un poco más el Rock and Roll y Americana. Pero siempre hay Folk. Y para reforzar esto, usa un sonido de guitarra muy típico de este combo hoy en día: guitarra poco distorsionada con algo de delay.

El disco cuenta con 12  temas, los cuales son mayoritariamente versiones de canciones de grandes del Country rockanrollizadas y un tema original por Plant. Los covers son siempre arreglos por parte de Plant y Buddy Miller:

1. "Angel Dance" (David Hidalgo, Louie Perez)
2. "House of Cards" (Richard Thompson)  
3. "Central Two-O-Nine" (Robert Plant, Buddy Miller)
4. "Silver Rider" (Zachary Micheletti, Mimi Parker, Alan Sparhawk)               
5. "You Can't Buy My Love" (Billy Babineaux, Bobby Babineaux)
6. "Falling in Love Again" (Dillard Crume, Andrew Kelly)
7. "The Only Sound That Matters" (Gregory Vanderpool)
8. "Monkey" (Micheletti, Parker, Sparhawk)
9. "Cindy, I'll Marry You Someday" (Tradicional, arreglo por Plant, Miller)
10. "Harm's Swift Way" (Townes Van Zandt)
11. "Satan Your Kingdom Must Come Down" (Tradicional, arreglo por Plant, Miller)
12. "Even This Shall Pass Away" (Theodore Tilton, arreglo por Plant, Miller)

El disco empieza con “Angel Dance”. Esta empieza con una guitarra que nos avisa que se viene algo increíble, como el comienzo de una gran travesía. De a poco se van añadiendo los demás instrumentos. El estilo podría ser una mezcla de lo que comente con algo del “Physical Graffiti,” de Led Zeppelin, por la instrumentación sobre todo. Es un tema que da muy buen comienzo al disco. El final es la mejor parte, en el momento donde la banda se cuelga con un acorde.

El 2do tema, “House of Cards”, vuelve mucho al estilo de su disco anterior, sobre todo por la unión de las voces femeninas. Este tema fue compuesto por el gran Richard Thompson, antiguo guitarrista y líder de la banda de Folk-Rock inglés Fairport Convention. El tema es muy alegre y con mucha energía. Aquí la voz de Plant llega a uno de sus puntos máximos. El coro del final refuerza toda esta felicidad.

“Central Two-O-Nine”, el tema original por Plant en el disco, es un Blues-Americana con un aire desértico. Aquí la instrumentación es increíble. La combinación de las guitarras y los banjos le dan un toque Outlaw increíble. Y es aun más bueno cuando todas las voces cantan la melodía juntos. La percusión, que no es para nada fuerte, congenia perfectamente con la onda del tema. Por el final escuchamos un acordeón aparecer. Sin duda el mejor tema del disco.

“Silver Rider” empieza con una guitarra muy bella llena de Reverb. La tranquilidad llena el lugar cuando Plant empieza a cantar con una voz tan baja que parece que susurrara. Esto se mantiene hasta el estribillo, donde no aparecen más instrumentos más que una guitarra mas. Pero esta está llena de distorsión y aumenta la fuerza del tema. Es una combinación extraña: por un lado todo es pasivo y solo por esa guitarra se siente que todo estallara. El solo de guitarra, aunque muy simple, encaja perfecto.

“You Can’t Buy Me Love” es el tema rockanrollero del disco. Es el tema bailable. Y por ende es pura energía. Incluso en el verso principal, donde solo escuchamos un bajo, un bombo de batería y la voz de Plant, la euforia es increíble. Lo mejor del tema es cuando Plant y Griffin cantan “wowow”. Ahí se generan unas melodías excelentes. Como no puede faltar nunca, las guitarras distorsionadas con delay le dan ese toque más moderno pero con la esencia rockanrollera.

“Falling In Love Again” es un tema con aire R&B de los ’50, ya sea por la batería, el aire amoroso o la letra de amor. Esto es reforzado con la ayuda del lap-steel guitar y los coros que simplemente cantan vocales y el estribillo (en el cual lo mas exquisito es una voz que canta con una voz muy muy grave). Excelente solo de lap-steel guitar y guitarra eléctrica por la mitad del tema.

“The Only Sound That Matters” arranca de una como un tema Folk con una guitarra acústica, pedal-steel guitar y una batería muy suave. El tema es muy bello y gentil, muy honesto. Aquí la melodía de la voz y la voz misma de Plant es increíble, ya que, aunque no hace nada inusual, da una confianza al que lo escucha increíble. La verdad que otra gema del disco.

El 8vo tema, “Monkey”, vuelve al estilo más clásico de Plant: Rock con mezcla de influencias de músicas étnicas. Es sin duda el tema más oscuro del disco, aunque nunca llega a una potencia fuerte. El tema es llevado por el bajo y la percusión, que son los que le dan todo el aire. También es a destacar la guitarra eléctrica algo desenfrenante con mucho feedback y reverb, creando un sonido ruidoso y desgarrador. La melodía, en su contrario, es muy tranquila pero oscura, y es cantada a dúo por Plant y Griffin en diferencia de 5tas. Muy buen tema, pero aun así no es de esos que nos toca mucho.

“Cindy I’ll Marry You Someday” es un tema American que parecería de fogata. El tema es llevado principalmente por el banjo. También acompaña un bajo, una percusión casi que inaudible y una guitarra con el sonido característico del disco. La voz también es muy pasiva. Pero aunque el tema es tocado gentilmente, es un tema con mucha energía y espíritu. Lo interesante de este tema es la interacción de los instrumentos entre sí. Por el final, empezando desde el estribillo, el tema empieza a cargarse, y es aquí donde el antiguo Plant que todos amamos revive, llegando a notas más agudas y cantando los clásicos gemidos que le traen energía y sexualidad a su música.

“Harm’s Swift Way” es un tema más Country-Folk. Es perfecto para ir manejando por la ruta. La progresión de acordes es muy típica, pero los arreglos vocales y la guitarra eléctrica al estilo Neil Young en “Harvest Moon” le dan una calidad excepcional. La voz de Plant transmite mucha sabiduría, mientras que la de Griffin en el estribillo le da un aire más amistoso y Country.

El comienzo de “Satan Your Kingdom Must Come Down” es un tanto extraño. Empieza con un banjo y acordeón. Pero al rato todo se torna en un Blues desértico desolador, lo mas blues posible. Ya el titulo nos da el aire del tema. También se suma una guitarra eléctrica al tema. Pero lo más interesante del tema es un pasaje instrumental, en el cual el banjo y la guitarra eléctrica conversan entre sí, mientras que el contrabajo toca una nota con arco que de a poco va creciendo. Ahí el tema vuelve a su verso principal y se une un batería apenas audible. A la 2da vez de esto, Plant vuelve con la máxima energía para cantar. Son muy interesantes los coros hechos por el cantante y las demás mujeres. Es de verdad un tema con mucha fuerza y es muy desolante, como si fuera una perdición increíble bajo el rayo del sol en el medio del desierto.

Para el final tenemos el 12vo tema, “Even This Shall Pass Away”. El tema empieza con una batería Funky con solo Plant cantando. Ya después de un momento se une un bajo muy raro, pero ese silencio perdura. De a poco se va uniendo una guitarra con wah-wah y la batería va aumentando la energía. Por la mitad del tema, la guitarra hace un solo excelente con wah-wah  que lo eriza a uno. Ya por el final se unen varias guitarras con efectos, pero solo momentáneamente. Una despedida algo inusual. Aunque la mayor parte del tema es solo la batería y la voz, lo cual deja un vacío enorme, el tema tiene mucha energía. Y todo esto es gracias a la fuerza de la voz de Plant, quien al cantar el titulo del tema, llega a una nota que pone los pelos de punta.

Hay muchísimas cosas a destacar en este disco.

Para empezar la calidad musical. Aunque la mayoría de los temas rondan en estilos diferentes, el disco tiene un sonido muy homogéneo, un sonido propio. No importa que tema uno escuche, uno se daría cuenta que es de este disco y no de otro de Plant.

La calidad instrumental también es excelente. Ninguno hace nada virtuoso: no hay solos de guitarra a toda velocidad, ni de batería, ni de bajo, ni gritos a notas destrozantes por parte de ninguno de los cantantes. Pero todos transmiten una energía increíble. Las guitarras hacen solos simples pero totalmente completos. La batería siempre hace el ritmo indicado con la percusión indicada (y me atrevo a decir que hasta con los palillos indicados, sin duda). Y si, Plant no llega a los gritos de “Since I’ve Been Loving You”, pero demuestra que la energía está ahí aun. Y tal vez es más merecedor en este caso, porque no necesita de los gritos para transmitir explosiones en nuestros corazones. Incluso cuando canta susurrando, a uno le estalla el alma.

También es increíble la variedad de temas: temas desoladores, temas felices, temas de pura adrenalina. Es un disco muy completo en este sentido.

Pero lo más importante de todo es que Robert Plant demuestra que no tiene que quedarse sujeto a su pasado. Es más, lo viene demostrando desde su 1er disco solista. Nadie en el mundo, al escuchar este disco, le es necesario saber de que alguna vez formó parte de la banda más grande de los ’70 y de las más importantes de la historia. Uno puede escuchar esto y fascinarle y al mismo tiempo odiar Led Zeppelin.

Y más valeroso aun es que musicalmente no tiene absolutamente nada que ver con su antigua banda, lo cual demuestra una enorme evolución musical  y que es un músico increíble. Pocos pueden deshacerse por completo del sonido que más populares los hizo y crear una gema increíble luego de años.

Sin duda es un trabajo excepcional de este artista que todos amamos. Y me enorgullece mucho, ya que gracias a él y sus colegas, llegue a amar la música aun más. Y el saber de que esta persona que tanto admiro aun sigue con su energía repleta y al máximo, me hace sentir de que el fuego no tiene porque apagarse.

Y este gran cantante y compositor, llamado Robert Anthony Plant, ha logrado no solo sacar uno de los mejores álbumes del 2010, sino seguramente su mejor trabajo en toda su carrera como solista. ARRIBA ROBERT PLANT!!!!!

Como siempre dejo los temas del disco y para “Angel Dance” dejo el video oficial:

1. "Angel Dance": http://www.youtube.com/watch?v=9dPwd9JgbT0
2. "House of Cards": http://www.youtube.com/watch?v=iPGamXprhwQ 
3. "Central Two-O-Nine": http://www.youtube.com/watch?v=OdCXgkzTorY&feature=related
4. "Silver Rider": http://www.youtube.com/watch?v=MxPrwol5lJE
5. "You Can't Buy My Love": http://www.youtube.com/watch?v=BeG9Iisncvc
6. "Falling in Love Again": http://www.youtube.com/watch?v=cRoJYScKZx0&feature=related
7. "The Only Sound That Matters": http://www.youtube.com/watch?v=ObRY1ZA8hfY&feature=related
8. "Monkey": http://www.youtube.com/watch?v=TqCqFyptovI&feature=related
9. "Cindy, I'll Marry You Someday": http://www.youtube.com/watch?v=eUbwo-6J5Yg
10. "Harm's Swift Way": http://www.youtube.com/watch?v=Nqgn_8jVl-E&feature=related
11. "Satan Your Kingdom Must Come Down”: http://www.youtube.com/watch?v=_1n2JLbrgo8&feature=related
12. "Even This Shall Pass Away": http://www.youtube.com/watch?v=5vPQptRNn-Y&feature=related

SIGAN LEYENDO QUE VOY A SEGUIR TRAYENDO GRANDES DISCOS!!!

Saludos!!!

“Music Is The Best” – Frank Zappa