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domingo, 27 de marzo de 2011

Robert Plant - "Band Of Joy"

Hoy traigo el 6to disco de esta lista Top álbumes del 2010 (recuerden que no los estoy presentando en orden de preferencia, aunque en el ultimo voy a poner una lista de ellos en orden).


Hoy traigo un artista que está en el corazón de todos los amantes de la música. Es sin duda la voz más increíble de la historia. Es sin duda integrante de la mejor banda de la historia. Es sin duda un artista que luego de tanto éxito con su banda supo crear su propio estilo, al punto que no tiene prácticamente conexión con su pasado y su actual reconocimiento se basa puramente en lo que ha logrado por su cuenta.

Estoy de hablando de Robert Plant. Si, ese hombre increíble cuyos gritos nos hacen estallar el corazón; cuya cabellera larga y rubia, al agitarse, hace que nos queramos mover de un lado para otro; cuya composición tanto como solista como de la mano con su colega Jimmy Page es suficiente para hacernos sentir todos los sentimientos posibles en el Mundo (lo confieso, Led Zeppelin es lo mejor que me ha pasado).

Hay poco para decir de este artista que no sepamos todos….

Robert Anthony Plant nació el 20 de Agosto de 1947 en West Bromwich. Desde pequeño fue amante del Rock and Roll. Solía esconderse detrás de las cortinas y pretender que era Elvis Presley.

Dejo el liceo en la mitad para dedicarse a la música, ya que su pasión por el Blues y grandes como Willie Dixon y Robert Johnson.

Mientras trabajaba en varias cosas, como en construcción, formó parte de varias bandas. Entre ellas, la más conocida (aunque muy poco) fue Band Of Joy, en la cual el baterista era nada más ni nada menos que John Bonham (posteriormente el gran baterista de Led Zeppelin). A su vez, saco algunos singles de temas no escritos por él. Estos tenían un sonido muy de música onda Big Band de los ’60. Aquí se puede notar como su voz estaba evolucionando.

En 1968, la banda The Yardbirds se separa quedando solo Jimmy Page. En busca de nuevos músicos, encontró a John Paul Jones, que tenía ya cierta popularidad como músico de sesiones. En busca de un cantante, su primera opción fue Terry Reid. Pero aunque rechazo la oferta, le recomendó ir a escuchar a un joven en un toque de una universidad. Ahí conoció a Plant.

En el momento Page no lo entendía. Creía que debía ser un loco o una mala persona, ya que no podía ser que una persona con tanta potencia al cantar no fuera una estrella aun. Pero luego de una pequeña reunión, se dio cuenta que él era el indicado (Y SI QUE LO FUE!!!!). Tras esto, Plant recomendó a Bonham como baterista.

La banda dio unos toques muy exitosos bajo el nombre de The New Yardbirds, pero luego de un comentario de Keith Moon, baterista de The Who, en el cual dijo “Tu banda va a caer como un Lead Zeppelin”, la banda cambio su nombre. Omitieron la A para que no hubiera mala pronunciación.

Obviamente la historia de Zeppelin la voy a omitir ya que, además de que no es parte del artículo mismo, me la podría contar hasta un niño de 3 años que recién empieza a hablar.
Si hay que nombrar cosas importantes. Desde sus comienzos en el ’68 hasta su disolución por la muerte de Bonham en el ’80, la banda fue la más importante, más vendida y mas revolucionaria. Todos sus discos hasta su penúltimo “Presence”, son considerados de los mejores de la historia y de los más influyentes.

La banda logro mezclar Folk, Rock, Blues, Rock Progresivo, Funk, etc, creando así una enorme cantidad de caras pero siempre manteniendo su sonido personal. Es más, junto a Deep Purple y Black Sabbath, son parte de los creadores del Heavy Metal.

Además la banda era un caso bastante único en instrumentistas. Jimmy Page es nombrado de los mejores de la historia, llegando a los puestos más altos en muchas listas y en varias en el 1ero. Robert Plant es considerado de los mejores y más influyentes cantantes de la historia y el más importante en la música pesada. John Bonham es también todo esto y es el baterista que ha aparecido en el 1er puesto de mejores bateristas en la historia. John Paul Jones marco todo un nuevo estilo de bajo de acompañamiento y gracias a él, Led Zeppelin fue de las 1eras bandas cuyos arreglos orquestales, de vientos o lo que sea no fueran hechos por alguien que no fuera de la banda y de las 1eras en la cual todos los instrumentos eran tocados por alguien de la banda (fue Jones quien hizo todos los arreglos y toco prácticamente todos los instrumentos que no fueran ni guitarra o batería).

Para finalizar, la banda es de las que más han vendido en la historia, con más de 300 millones de ventas en grabaciones, y su clásico álbum “IV” ha vendido aprox. 37 millones de copias mundialmente, siendo el 12do disco más vendido de la historia.

Luego de la disolución de la banda, Robert Plant arranco una exitosa carrera como solista con el disco “Pictures At Eleven”. Ha sacado 9 discos como solista, entre los cuales se destacan “Principle of Moments” y por sobre todo “Now and Zen”. En ellos, siempre usa su clásico Hard Rock, pero también los mezcla con mucho Folk y sobre todo con influencias de músicas étnicas, al punto que es cabeza en la fusión de Rock con World Music.

También ha tenido varios proyectos en colaboración con otros artistas. Lo primero fue un disco con Jimmy Page y Jeff Beck bajo el nombre de The Honeydrippers. En este, tocaban clásicos de los ’50. Luego en 1994 se juntaría con Page para hacer un concierto unplugged (que luego se editaría) haciendo temas de Led Zeppelin, el cual se llamo “No Quarter”. 4 años después, Page y Plant irían al estudio a crear nuevo material para el disco “Walking Into Clarksdale”, el primero con nuevos temas del dúo desde la ruptura de Led Zeppelin. 

Finalmente, en el 2007, junto a Alison Krauss, saco el exitosísimo álbum “Rasing Sand”, en donde combinarían el Folk con Country, Rock and Roll y Americana. Este álbum le dio 5 Grammys a Plant, entre ellos “Mejor Álbum del Año”, el más importante de todos.

El álbum que traigo hoy es su ultimo, “Band Of Joy”.

Este fue lanzado el 13 de Setiembre del 2010 y sigue un tanto la línea estilística que presento Plant en su disco anterior en colaboración con Krauss.

El nombre viene de la banda que alguna vez formo parte este cantante, aunque el sonido no tenga nada que ver. Para esta banda llamo a varios músicos y la banda resulto ser la siguiente:
  • Robert Plant – voz principal, coros (1,2,3,5,11)
  • Marco Giovino – batería, percusión, coros (3)
  • Patty Griffin – voz, coros (2,3,4,5,8,10,11)
  • Byron House – bajo, contrabajo
  • Buddy Miller – guitarra eléctrica, guitarra barítona, bajo de 6 cuerdas, mandoguitarra, coros (2,3,6)
  • Darrell Scott – guitarra acústica, mandolina, mandolín octavado, banjo, acordeón, pedal steel guitar y lap steel guitar, coros (1,2,3,4,6,7,10,11)
  • Bekka Bramlett - coros (1,2)

Entre ellos, se destaca Patty Griffin, cantante Folk que ha tenido un gran éxito como solista y Buddy Miller, reconocido guitarrista de este estilo.

En este disco se usa un poco más el Rock and Roll y Americana. Pero siempre hay Folk. Y para reforzar esto, usa un sonido de guitarra muy típico de este combo hoy en día: guitarra poco distorsionada con algo de delay.

El disco cuenta con 12  temas, los cuales son mayoritariamente versiones de canciones de grandes del Country rockanrollizadas y un tema original por Plant. Los covers son siempre arreglos por parte de Plant y Buddy Miller:
  1. "Angel Dance" (David Hidalgo, Louie Perez)
  2. "House of Cards" (Richard Thompson)  
  3. "Central Two-O-Nine" (Robert Plant, Buddy Miller)
  4. "Silver Rider" (Zachary Micheletti, Mimi Parker, Alan Sparhawk)               
  5. "You Can't Buy My Love" (Billy Babineaux, Bobby Babineaux)
  6. "Falling in Love Again" (Dillard Crume, Andrew Kelly)
  7. "The Only Sound That Matters" (Gregory Vanderpool)
  8. "Monkey" (Micheletti, Parker, Sparhawk)
  9. "Cindy, I'll Marry You Someday" (Tradicional, arreglo por Plant, Miller)
  10. "Harm's Swift Way" (Townes Van Zandt)
  11. "Satan Your Kingdom Must Come Down" (Tradicional, arreglo por Plant, Miller)
  12. "Even This Shall Pass Away" (Theodore Tilton, arreglo por Plant, Miller)

El disco empieza con “Angel Dance”. Esta empieza con una guitarra que nos avisa que se viene algo increíble, como el comienzo de una gran travesía. De a poco se van añadiendo los demás instrumentos. El estilo podría ser una mezcla de lo que comente con algo del “Physical Graffiti,” de Led Zeppelin, por la instrumentación sobre todo. Es un tema que da muy buen comienzo al disco. El final es la mejor parte, en el momento donde la banda se cuelga con un acorde.

El 2do tema, “House of Cards”, vuelve mucho al estilo de su disco anterior, sobre todo por la unión de las voces femeninas. Este tema fue compuesto por el gran Richard Thompson, antiguo guitarrista y líder de la banda de Folk-Rock inglés Fairport Convention. El tema es muy alegre y con mucha energía. Aquí la voz de Plant llega a uno de sus puntos máximos. El coro del final refuerza toda esta felicidad.

“Central Two-O-Nine”, el tema original por Plant en el disco, es un Blues-Americana con un aire desértico. Aquí la instrumentación es increíble. La combinación de las guitarras y los banjos le dan un toque Outlaw increíble. Y es aun más bueno cuando todas las voces cantan la melodía juntos. La percusión, que no es para nada fuerte, congenia perfectamente con la onda del tema. Por el final escuchamos un acordeón aparecer. Sin duda el mejor tema del disco.
“Silver Rider” empieza con una guitarra muy bella llena de Reverb. La tranquilidad llena el lugar cuando Plant empieza a cantar con una voz tan baja que parece que susurrara. Esto se mantiene hasta el estribillo, donde no aparecen más instrumentos más que una guitarra mas. Pero esta está llena de distorsión y aumenta la fuerza del tema. Es una combinación extraña: por un lado todo es pasivo y solo por esa guitarra se siente que todo estallara. El solo de guitarra, aunque muy simple, encaja perfecto.

“You Can’t Buy Me Love” es el tema rockanrollero del disco. Es el tema bailable. Y por ende es pura energía. Incluso en el verso principal, donde solo escuchamos un bajo, un bombo de batería y la voz de Plant, la euforia es increíble. Lo mejor del tema es cuando Plant y Griffin cantan “wowow”. Ahí se generan unas melodías excelentes. Como no puede faltar nunca, las guitarras distorsionadas con delay le dan ese toque más moderno pero con la esencia rockanrollera.

“Falling In Love Again” es un tema con aire R&B de los ’50, ya sea por la batería, el aire amoroso o la letra de amor. Esto es reforzado con la ayuda del lap-steel guitar y los coros que simplemente cantan vocales y el estribillo (en el cual lo mas exquisito es una voz que canta con una voz muy muy grave). Excelente solo de lap-steel guitar y guitarra eléctrica por la mitad del tema.

“The Only Sound That Matters” arranca de una como un tema Folk con una guitarra acústica, pedal-steel guitar y una batería muy suave. El tema es muy bello y gentil, muy honesto. Aquí la melodía de la voz y la voz misma de Plant es increíble, ya que, aunque no hace nada inusual, da una confianza al que lo escucha increíble. La verdad que otra gema del disco.

El 8vo tema, “Monkey”, vuelve al estilo más clásico de Plant: Rock con mezcla de influencias de músicas étnicas. Es sin duda el tema más oscuro del disco, aunque nunca llega a una potencia fuerte. El tema es llevado por el bajo y la percusión, que son los que le dan todo el aire. También es a destacar la guitarra eléctrica algo desenfrenante con mucho feedback y reverb, creando un sonido ruidoso y desgarrador. La melodía, en su contrario, es muy tranquila pero oscura, y es cantada a dúo por Plant y Griffin en diferencia de 5tas. Muy buen tema, pero aun así no es de esos que nos toca mucho.

“Cindy I’ll Marry You Someday” es un tema American que parecería de fogata. El tema es llevado principalmente por el banjo. También acompaña un bajo, una percusión casi que inaudible y una guitarra con el sonido característico del disco. La voz también es muy pasiva. Pero aunque el tema es tocado gentilmente, es un tema con mucha energía y espíritu. Lo interesante de este tema es la interacción de los instrumentos entre sí. Por el final, empezando desde el estribillo, el tema empieza a cargarse, y es aquí donde el antiguo Plant que todos amamos revive, llegando a notas más agudas y cantando los clásicos gemidos que le traen energía y sexualidad a su música.

“Harm’s Swift Way” es un tema más Country-Folk. Es perfecto para ir manejando por la ruta. La progresión de acordes es muy típica, pero los arreglos vocales y la guitarra eléctrica al estilo Neil Young en “Harvest Moon” le dan una calidad excepcional. La voz de Plant transmite mucha sabiduría, mientras que la de Griffin en el estribillo le da un aire más amistoso y Country.

El comienzo de “Satan Your Kingdom Must Come Down” es un tanto extraño. Empieza con un banjo y acordeón. Pero al rato todo se torna en un Blues desértico desolador, lo mas blues posible. Ya el titulo nos da el aire del tema. También se suma una guitarra eléctrica al tema. Pero lo más interesante del tema es un pasaje instrumental, en el cual el banjo y la guitarra eléctrica conversan entre sí, mientras que el contrabajo toca una nota con arco que de a poco va creciendo. Ahí el tema vuelve a su verso principal y se une un batería apenas audible. A la 2da vez de esto, Plant vuelve con la máxima energía para cantar. Son muy interesantes los coros hechos por el cantante y las demás mujeres. Es de verdad un tema con mucha fuerza y es muy desolante, como si fuera una perdición increíble bajo el rayo del sol en el medio del desierto.

Para el final tenemos el 12vo tema, “Even This Shall Pass Away”. El tema empieza con una batería Funky con solo Plant cantando. Ya después de un momento se une un bajo muy raro, pero ese silencio perdura. De a poco se va uniendo una guitarra con wah-wah y la batería va aumentando la energía. Por la mitad del tema, la guitarra hace un solo excelente con wah-wah  que lo eriza a uno. Ya por el final se unen varias guitarras con efectos, pero solo momentáneamente. Una despedida algo inusual. Aunque la mayor parte del tema es solo la batería y la voz, lo cual deja un vacío enorme, el tema tiene mucha energía. Y todo esto es gracias a la fuerza de la voz de Plant, quien al cantar el titulo del tema, llega a una nota que pone los pelos de punta.

Hay muchísimas cosas a destacar en este disco.

Para empezar la calidad musical. Aunque la mayoría de los temas rondan en estilos diferentes, el disco tiene un sonido muy homogéneo, un sonido propio. No importa que tema uno escuche, uno se daría cuenta que es de este disco y no de otro de Plant.

La calidad instrumental también es excelente. Ninguno hace nada virtuoso: no hay solos de guitarra a toda velocidad, ni de batería, ni de bajo, ni gritos a notas destrozantes por parte de ninguno de los cantantes. Pero todos transmiten una energía increíble. Las guitarras hacen solos simples pero totalmente completos. La batería siempre hace el ritmo indicado con la percusión indicada (y me atrevo a decir que hasta con los palillos indicados, sin duda). Y si, Plant no llega a los gritos de “Since I’ve Been Loving You”, pero demuestra que la energía está ahí aun. Y tal vez es más merecedor en este caso, porque no necesita de los gritos para transmitir explosiones en nuestros corazones. Incluso cuando canta susurrando, a uno le estalla el alma.

También es increíble la variedad de temas: temas desoladores, temas felices, temas de pura adrenalina. Es un disco muy completo en este sentido.

Pero lo más importante de todo es que Robert Plant demuestra que no tiene que quedarse sujeto a su pasado. Es más, lo viene demostrando desde su 1er disco solista. Nadie en el mundo, al escuchar este disco, le es necesario saber de que alguna vez formó parte de la banda más grande de los ’70 y de las más importantes de la historia. Uno puede escuchar esto y fascinarle y al mismo tiempo odiar Led Zeppelin.

Y más valeroso aun es que musicalmente no tiene absolutamente nada que ver con su antigua banda, lo cual demuestra una enorme evolución musical  y que es un músico increíble. Pocos pueden deshacerse por completo del sonido que más populares los hizo y crear una gema increíble luego de años.

Sin duda es un trabajo excepcional de este artista que todos amamos. Y me enorgullece mucho, ya que gracias a él y sus colegas, llegue a amar la música aun más. Y el saber de que esta persona que tanto admiro aun sigue con su energía repleta y al máximo, me hace sentir de que el fuego no tiene porque apagarse.

Y este gran cantante y compositor, llamado Robert Anthony Plant, ha logrado no solo sacar uno de los mejores álbumes del 2010, sino seguramente su mejor trabajo en toda su carrera como solista. ARRIBA ROBERT PLANT!!!!!

Como siempre dejo los temas del disco y para “Angel Dance” dejo el video oficial:
  1. "Angel Dance": http://www.youtube.com/watch?v=9dPwd9JgbT0
  2. "House of Cards": http://www.youtube.com/watch?v=iPGamXprhwQ 
  3. "Central Two-O-Nine": http://www.youtube.com/watch?v=OdCXgkzTorY&feature=related
  4. "Silver Rider": http://www.youtube.com/watch?v=MxPrwol5lJE
  5. "You Can't Buy My Love": http://www.youtube.com/watch?v=BeG9Iisncvc
  6. "Falling in Love Again": http://www.youtube.com/watch?v=cRoJYScKZx0&feature=related
  7. "The Only Sound That Matters": http://www.youtube.com/watch?v=ObRY1ZA8hfY&feature=related
  8. "Monkey": http://www.youtube.com/watch?v=TqCqFyptovI&feature=related
  9. "Cindy, I'll Marry You Someday": http://www.youtube.com/watch?v=eUbwo-6J5Yg
  10. "Harm's Swift Way": http://www.youtube.com/watch?v=Nqgn_8jVl-E&feature=related
  11. "Satan Your Kingdom Must Come Down”: http://www.youtube.com/watch?v=_1n2JLbrgo8&feature=related
  12. "Even This Shall Pass Away": http://www.youtube.com/watch?v=5vPQptRNn-Y&feature=related


SIGAN LEYENDO QUE VOY A SEGUIR TRAYENDO GRANDES DISCOS!!!

Saludos!!!





“Music Is The Best” – Frank Zappa


sábado, 19 de marzo de 2011

Cosa Brava - "Ragged Atlas"

Siguiendo con la propuesta, hoy les traigo el 5to disco que conforma parte de este Top álbumes del 2010.

Lo que traigo hoy es de esas cosas que rompen las barreras estilísticas al punto de que no se puede definir que genero es. Una mezcla de tantas cosas pero llevadas a un límite en donde la música se transforma en algo surrealista.

De lo que voy a hablar hoy es de Cosa Brava, una banda que lanzo su disco debut en el 2010.

Aunque en si la banda es nueva, Cosa Brava forma parte de una larga lista de proyectos por el genio guitarrista y multi-instrumentalista, compositor y improvisador Fred Frith. Por ende, para hablar de esta banda, hay que hablar de este músico tan increíble.

Fred Frith nació el 17 de Febrero de 1949 en Heathfield, Inglaterra. De chico empezó a tocar el violín, pero a los 13 agarró la guitarra y empezó a ser autodidacta.

Primero tuvo una banda que imitaba una banda instrumental del momento, luego una que hacia covers de los Beatles. Pero esta última, tras el descubrimiento de Frith del Blues, pasó a ser una de Blues.

Al mismo tiempo buscaba músicas diferentes, cualquier cosa que tuviera guitarra: Clásica, Jazz, Folk, Flamenco, etc. Y también se intereso en la música Hindú, Balinesa y tradicionales del este de Europa. Tiempo después, sus mayores influencias serian John Cage, por su filosofía musical, y Frank Zappa, por su manipulación tan extravagante del Rock y la música en general.

En 1967 fue a la Universidad de Cambridge, donde estudio Literatura Inglesa. Pero lo más importante en su vida en este lugar fue formar Henry Cow.

La banda consistía de una instrumentación típica de Rock, pero con vientos más tradicionales, como flautas y clarinetes, y también instrumentos de arco. Su sonido era una mezcla de Rock Progresivo con Jazz, Clásica, Folk Inglés y muchísimo de Avant-Garde e Improvisación Libre. 

Todo esto entraba dentro de la escena del Canterbury Scene y el sonido resultante era muy basado en el de finales de los ’60 de Zappa con los originales Mothers of Invention en discos como “Burnt Weeny Sandwich”, “Weasels Ripped My Flesh” y por sobre todo “Uncle Meat”.

Aunque no tuvieron un éxito masivo, fueron tal vez la más importante dentro de toda esta movida musical y hoy en día son considerados un pilar importante dentro del Avant-Garde Rock y la Libre Improvisación grupal.

Luego de esta banda, Frith, a lo largo de los años ha sido líder de varias bandas como Art Bears, Massacre, Skeleton Crew, Naked City y otras, todas ellas siguiendo la línea del Avant-Garde Rock

Sin embargo, sus más reconocidos trabajos son como solista. Por un lado tenemos a Frith compositor de Rock loco con mucho movimiento, casi que bailable, pero con arreglos demenciales. Por otro tenemos a Frith el compositor serio, habiendo compuesto cuartetos de cuerda, ballets, etc. Todos estos proyectos siempre siguiendo su clásico sonido Avant-Garde, obviamente.

Pero su más reconocido trabajo, por los cuales se ha ganado el título de uno de los mejores guitarristas (personalmente lo pongo entre los mejores sin lugar a duda) y pionero en la guitarra de libre improvisación, son sus trabajos de Guitar Solos. Estos discos y conciertos consisten en Frith tocando guitarras preparadas (son guitarras a las cuales uno le añade lo que quiera, ya sea una banda elástica, una regla, o lo que se te venga a la mente), usando miles de pedaleras y a veces hasta arcos de cuerda, todo esto en una improvisación totalmente libre; una improvisación que puede carecer de tempo y congruencia y que es totalmente aleatorio e impredecible. Es todo hecho en el momento y no tiene ninguna barrera, ni escala ni métrica ni nada. Es lo que sale en el momento. Y las guitarras preparadas logran sacar sonidos únicos totalmente inimaginables. Aquí les dejo un video de lo que se trata esto: http://www.youtube.com/watch?v=M2WSeZZV6iQ

En fin, un verdadero genio cuya música rebasa todo concepto de música occidental y tradicional al punto de que uno lo ama o puede pensar que no es música en absoluto y es una total mierda.

En el 2008, en Oakland, California, Frith recluta a 4 músicos para formar un quinteto de 

Rock Experimental y Libre Improvisación. La banda resultante termino siendo la siguiente:
  • Fred Frith – guitarra, bajo, vocales
  • Carla Kihlstedt (de Sleepytime Gorilla Museum)– violín, nyckelharpa, harmónica baja, vocales
  • Zeena Parkins (de Skeleton Crew, Keep the Dog) – acordeón, teclados, objetos varios, vocales
  • Matthias Bossi (de Sleepytime Gorilla Museum) – batería, percusión, vocales
  • The Norman Conquest – manipulación sonora
El objetivo era formar una banda de Rock mezclando varios estilos como Folk Ingles, Música Celta, Música Clásica, Avant-Garde, Improvisación, Funk, Música Latina y algo de Progresivo. 

Por ende, un popurrí de cosas donde lo único que se puede descifrar de alguna manera es que es Rock.

La idea venia de la melancolía rockera del líder, diciendo el mismo que extrañaba la colectividad, los cambios de cada tema al usar varios estilos y lo que lleva a crear una identidad a una banda en fin.

Luego de varias presentaciones por Europa, entraron en el estudio y el 5 de Marzo del 2010, lanzaron su primer álbum titulado “Ragged Atlas”. Este fue mayoritariamente bien recibido por las criticas, llamándolo uno de los debuts mas especiales del año pasado. El disco resulto ser mayoritariamente instrumental (como lo suele ser el trabajo de Fred Frith)

El disco cuenta con 13 temas, todos compuestos por Fred Frith:

1.     "Snake Eating Its Tail"
2.     "Round Dance"
3.     "Pour Albert"
4.     "R. D. Burman"
5.     "Falling Up (for Amanda)"
6.     "Out on the Town with Rusty, 1967"
7.     "Lucky Thirteen"
8.     "Blimey, Einstein"
9.     "The New World"
10. "Tall Story"
11. "For Tom Zé"
12. "A Song About Love"
13. "Market Day"

Ya el 1er tema, “Snake Eating Its Tail” es media loca. Consiste en una melodía hecha por el bajo, guitarra y violín al unisonó con tiempos muy raros, y la melodía es cortada por golpes abruptos de percusión. Cada tanto, el bajo toca una nota pedal para esa melodía que queda sonando por un tiempo. Para hacerse una idea, podría ser una música para un videojuego (uno muy loco también)

“Round Dance” empieza con una percusión y unos sonidos medio extraños. Al arrancar el verso principal, nos encontramos con una guitarra y un violín. El tema tiene pasajes movidos y en momentos se tranquiliza. Es un tema muy lindo con influencias celtas. Pero nunca faltan los pasajes totalmente irreales entre tanto.

“Pour Albert” es el 1er tema cantado del disco. Empieza bastante tranqui pero como intrigante. En el estribillo se pone más potente con una guitarra apocalíptica. Este tema recuerda bastante al sonido del Canterbury Scene.

“R.D. Burman” empieza con un ritmo de bajo al funky. Pero ya cuando aparece el violín y un teclado se transforma en algo totalmente tenebroso, estilo terror de película vieja. Aun así nunca pierde el ritmo. El tema es muy cambiante, saltando de la parte mencionada a una con influencias más clásicas y volviendo de nuevo a la melodía principal. Es sin duda un tema armado y muy complejo. También tiene influencias hindú, ya que cerca del final encontramos un pequeño solo de tabla y en si la melodía y la forma de tocar el violín tiene un aire a la música hindú.

El 5to tema, “Falling Up (for Amanda)”, empieza con un acordeón hasta que se une el resto de los instrumentos. Es un Rock algo triste que estilísticamente no es nada de otro mundo, pero tiene varios arreglos. Pero lo que es más llamativo es el estar en este disco, ya que es otra cara más dentro de las decenas que tiene esta banda.

Conectado al anterior, arranca "Out on the Town with Rusty, 1967". Aquí vuelve con el tema instrumental y aplica nuevamente la técnica de melodía al unisonó en ciertos momentos. El bajo en momentos tiene un aire Funk. Lo más interesante son los acompañamientos de acordeón y teclados que, mientras que la guitarra hace un solo muy matemático, atacan en sincopa (ataques que caen en el pulso a tierra).

“Lucky Thirteen” nos trae otra cara de la banda. Es un tema muy tranquilo cantado por Carla Kihlstedt. Al principio es ella, su violín y una guitarra casi que inaudible. Cuando entra la percusión, el tema empieza a tomar una dirección más oscura y triste. Hasta que llega la batería y ahí se torna en un tema desolador, logrado por un solo de guitarra muy simple pero que perfectamente transmite lo que se quiere. Muy interesante la forma en que está armado.

“Blimey, Einstein” empieza siendo una conversación entre acordeón y violín con una percusión de acompañamiento. De la nada, aparece Frith y la banda cantando en una temática más potente algo arabesca, un cambio totalmente inesperado. Es muy interesante en esta parte un riff súper rápido del teclado y la guitarra haciendo también una melodía muy arabesca. De esta forma, el tema va a haciendo un fade-out.

“The New World” nos trae de nuevo a las influencias celtas, y como tal, el líder melódico de la canción es el violín. Lo lindo de esta clase de temas de la banda (aunque lo hace también en muchos otros) es que muchas veces el violín está tocando y hay como un vacio. El tema no tiene esa cosa de “Wall of Sound” de varios discos. Es más cada instrumento por sí solo y sin mucho ruido y lo hace mucho más personal. En fin es un tema muy lindo con un aire de aventura infantil.

El 10mo tema, “Tall Story” empieza con una melodía muy clásica al unisonó de violín, acordeón y guitarra. En un momento el bajo empieza a hacer una nota pedal y de a poco va entrando la percusión. Mientras tanto los otros 3 instrumentos siguen haciendo una melodía. En un momento se torna en un tema muy loco e incoherente, pero siguiendo la misma línea rítmica. Nuevamente cambia y esta vez a una parte más misteriosa y mágica. Finalmente vuelve a la segunda parte y termina de esta forma. Seguramente sea el mejor tema del disco.

“For Tom Ze” es un tema dedicado al mismo Tom Ze, cantante brasilero. Es un tema con mucho vacio nuevamente. En muchos momentos solo se escucha al violín y la percusión. E incluso cuando se unen los otros instrumentos, también hay algo de silencio. Al unirse la guitarra, nos trae un aire más brasilero, haciendo honor a su dedicatoria. En este tanto, no faltan los toques dementes.

“A Song About Love” no es lo que uno esperaría de este título. Es un tema con tempos muy raros y melodías con muchas sincopas. También tiene muchos cambios temáticos, pasando de partes muy locas a partes con influencias de Música Italiana. Lo interesante es un teclado que aparece cerca del minuto 2 que nos lleva a un lugar más intenso y que por momentos puede hacernos recordar a Música Persa. Nuevamente, un tema muy armado que puede que contenga improvisación, pero esta también está rigurosamente calculada.

Para finalizar tenemos “Market Day”, un tema que nos despide con vocales. Empieza como un tema muy normal, con algo de misterio. La melodía es cantada a 2 voces por Frith y Kihlstedt. De a poco, se van uniendo mas instrumentos, incluso una marimba, haciendo el tema más complejo y arreglado. El estribillo es un cambio muy abrupto, cambiando de ritmo, estilo e incluso cantan como de forma de protesta. Pero nuevamente de la nada vuelve al ambiente inicial, esta vez dominado por un violín con wah-wah.  Esto se vuelve a repetir, despidiéndose tranquilamente con la primer parte.

La verdad que es un disco increíble con una mezcla de estilos y un sonido único que seguramente deje impresionado cualquiera.

Para empezar tiene los detalles de arreglos, que además de la instrumentación, revive de nuevo un concepto dejado allá por los ’70: banda de Rock con canciones con muchos pasajes y súper estructurados, llenos de arreglos.

Pero lo diferente aquí que con muchos arreglos no buscan crear esa pared de sonido que parezca una sinfonía. Incluso como mencione, en muchos momentos solo puede haber 2 instrumentos. Pero también cuando están todos no se llega a crear un sonido orquestal. Es más, el silencio y el vacio se siente. Pero es que esto es un instrumento más de la banda. Le trae un sonido más personal, como si estuvieran tocando al lado nuestro o en un teatro pequeño.

Es también interesante como cada parte está bien conectada pero muchas veces no tienen un hilo estilístico que los una. Puede saltar de algo bien Avant-Garde a algo bien Celta o Funky.

Reviven la estructuración. No se trata de mostrar un virtuosismo solista mientras que los demás hacen una base de 2x2. Aquí todos van de la mano. El virtuosismo es colectivo. Es un virtuosismo más conceptual. A uno no lo asombra lo rápido que tocan, sino lo calculado y armado que esta cada tema, logrando llevarnos en un carrusel impredecible.

Fred Frith demuestra nuevamente que es de esos genios que siempre traen algo bajo la manga. Nunca habiendo defraudado a ninguno de sus seguidores y nunca teniendo que llevarse por las masas, este gran guitarrista, compositor e improvisador trae otra obra maestra para deleitarnos y logrando así uno de los mejores discos del 2010.



Dejo los temas para escuchar:
No encontré todos los temas, pero igual les dejo aquí un video de excelente calidad de aprox. 
40 mins de la banda tocando en vivo:


SIGAN LEYENDO!!!!





“Music is the Best” – Frank Zappa

sábado, 12 de marzo de 2011

Johnny Cash - "American VI: Ain't No Grave"

Para el 4to álbum del Top 10 del 2010, traigo a un artista que ya todos conocemos y al que todos tenemos cariño.  Un artista que, aunque ha sido siempre puesto dentro de la categoría del Country, más preciso con el Outlaw Country, ha trascendido en otros estilos como un grande, como en Folk, Gospel y Rock. Un hombre que siempre ha realzado las tradiciones estadounidenses con mucha crítica y rebeldía.


Estoy hablando del gran John R. “Johnny” Cash.

Este artista, nacido el 26 de Febrero de 1932 y fallecido el 12 de Setiembre de 2003, empezó su trabajo en la conocida discográfica Sun Records. Su primer álbum, lanzado en 1957, se titulo “Johnny Cash With His Hot and Blue Guitar”. Este álbum contenía su más grande clásico, “Folsom Prison Blues”, con el cual empezaría casi todos sus conciertos en su carrera entera.

A finales de los ’50, cuando su carrera estaba despegando, se volvió adicto al alcohol y a toda droga que hubiera. Con esto empezaría a crear una imagen más oscura y de rebeldía con la cual se identificaría toda su vida. Esto además era realzado con su constante uso de trajes negros (lo llamarían “El Hombre de Negro”) y su amor por crear y cantar canciones sobre prisiones y convictos, aunque nunca tuvo una sentencia de prisión.

Su pico artístico para muchos llegaría en 1968, con el lanzamiento de su más clásico álbum, “Johnny Cash at Folsom Prison”. En este toque en vivo había algo que rompía las barreras de todo: era un concierto tocado en una prisión frente a miles de convictos. Esto no solo trajo una gran polémica, sino que ayudo a marcar aun mas su música con la rebeldía y al mismo tiempo traía esperanza para todos estos criminales, quienes entre paredes de concreto grises, podían escuchar los temas que más les gustaba y con los cuales mas se identificaban.

Esta idea se repetiría en varios álbumes, como “At San Quentin”, “pä Osteraker” y “A Concert Behind Prison Walls”.

Fue también en 1968 cuando se casaría con su esposa hasta la muerte, June Carter. Este matrimonio también toco casi toda su duración junto y fue muy conocido, al punto que cuando se hablaba de Johnny, también se hablaba de June.

También tuvo su programa de televisión, el cual fue extremadamente exitoso.  Este, que debuto en Junio de 1969, consistía en un programa en el cual había mucha música y muchos invitados que iban a tocar solos y a dúo con Cash. A este fueron invitados grandes como Joni Mitchell, Bob Dylan, Linda Ronstadt, Kris Kristofferson, Mickey Newbury, Neil Young, Gordon Lightfoot, Merle Haggard y James Taylor.

Otro gran punto de su carrera fue formando parte del súper grupo de Country, The Highwaymen. Este grupo consistía de 4 grandes del Country: Johnny Cash, Kris Kristofferson, Waylon Jennings y Willie Nelson. Con ellos saco 3 álbumes: “Highwayman” en 1985, “Highwayman 2” en 1990 y “The Road Goes on Forever” en 1995, un poco antes de la muerte de Waylon Jennings. Todos los álbumes, sobre todo el 1ero, tuvieron un éxito masivo. Y claro, si unes a los probablemente 4 más grandes del género, ¿qué más quieres?

A finales de los ’80 y comienzos de los ’90, su carrera no fue muy apreciada. Sin embargo, fue en 1994 donde su popularidad estallaría nuevamente con el lanzamiento del 1ero de una serie de discos titulado “American Recordings”. Este consistía en grabaciones de canciones por otros autores hechas por Cash en su living. El álbum le otorgo el Grammy al Mejor Disco de Folk Contemporáneo.

En 1997, fue diagnosticado con una enfermedad neurodegenerativa llamada Síndrome de Shy-Drager, un tipo de Parkinson. Por esto, tuvo que deja de hacer conciertos. Aun así, siguió grabando discos de la serie American Recordings, en los cuales el III y IV reflejan mucho de las vivencias del artista generadas por esta enfermedad. El IV contenía su cover del tema “Hurt” de Nine Inch Nails, el cual tuvo un videoclip muy oscuro, triste y duro que se volvió casi que un himno para Cash.

A Las 2 am del 12 de Setiembre de 2003, Cash murió de complicaciones de diabetes, 4 meses luego de la muerte de su esposa June Carter. Aunque esta fue la razón medica, muchos creen que murió de un corazón roto, pues la muerte de su esposa fue muy dura para él.

Luego de su muerte, se siguieron editando discos, siendo los más populares el V y el VI de los American Recordings.

El disco que traigo hoy es el 6to de los American Recordings y el 2do sacado luego de su muerte, llamado “American VI: Ain't No Grave”.

Este fue lanzado el 23 de Febrero, 3 días antes de lo que habría sido el cumpleaños 78 de Cash.

Fue grabado en las mismas sesiones que “American V: A Hundred Highways”, por ende, fueron grabaciones hechas específicamente para un disco entero, que es este ahora. Por ende, en referencia a mi comentario sobre si el de Hendrix entraría o no por ser grabaciones sin conexión alguna sacadas años después, este si entra por haberse grabado todo en un mismo momento. Es un álbum hecho en un momento específico, teniendo así homogeneidad y no siendo un popurrí de temas tirados por ahí en algún momento en la carrera del artista.

Aquí el personal es:
  • Johnny Cash – vocales, guitarra
  • Scott Avett – banjo en "Ain't No Grave"
  • Seth Avett – pasos y cadenas en "Ain't No Grave"
  • Mike Campbell – guitarra
  • Smokey Hormel – guitarra
  • Jonny Polonsky – guitarra
  • Matt Sweeney – guitarra
  • Benmont Tench – piano, clavicordio, órgano

Siguiendo el concepto de los American Recordings, el disco cuenta con versiones Cash-eadas de temas de otros artistas, al punto en que muchos son prácticamente temas nuevos. El disco cuenta con los siguientes 10 temas:
  1. “Ain’t No Grave” (Tradicional)
  2. “Redemption Day” (Sheryl Crow)
  3. “For The Good Times” (Kris Kristofferson)
  4. “I Corinthians 15:55” (Johnny Cash)
  5. “Can’t Help But Wonder Where I’m Bound” (Tom Paxton)
  6. “A Satisfied Mind” (Joe "Red" Hayes y Jack Rhodes)
  7. “I Don’t Hurt Anymore” (Hank Snow)
  8. “Cool Water” (Bob Nolan)
  9. "Last Night I Had the Strangest Dream" (Ed McCurdy)
  10. "Aloha Oe" (Reina Lili'uokalani de Hawaii)

El disco arranca con la canción que le da nombre al disco. Es un Blues muy oscuro y con mucha pena. Este toque es realzado por una percusión lograda con cadenas. Da para imaginarse un grupo de hombres llenos de penas trabajando en el medio del desierto sin nada que les de esperanza.

Mientras que la versión original “Redemption Day”  por Sheryl Crow es muy parecida, a esta se le ha quitado ese ritmo andante de ruta y ha quedado como un Folk desolador con muchísima tristeza. Aquí la voz de Cash llega a un punto de tristeza increíble. El piano con acordes súper graves es el toque mágico del tema.

El 3er tema, “For The Good Times”, mantiene el toque gentil de la original. Pero seguramente el dúo de guitarras y el órgano traen muchísima más belleza. Es perfecta como para estar en el campo. Es un tema con progresiones de acordes muy típicas de canciones de amor.

“I Corinthians 15:55” fue escrita por Cash en base a 1 Corinthians 15 del libro del apóstol Pablo. Es un tema Country muy tranquilo. La voz es acompañada por un piano, guitarra y un grupo de cuerdas. La letra habla de temas de ese capítulo del libro.

“Can’t Help But Wonder Where I’m Bound” sigue con la tranquilidad, pero esta vez un poco mas Folk. Acompañado por guitarra acústica, una eléctrica, piano y un órgano, el tema musicalmente acompaña perfectamente a la letra, ya que esta habla de las vivencias que ha tenido el autor del tema (que tal vez Cash puede sentirlas como propias o como las de la vida misma).

“I Don’t Hurt Anymore” es un Country clásico. Estilísticamente no llama la atención y podría pasar desapercibida, pero los arreglos que Cash ha logrado en este tema ayudan a que une le guste y mucho. La voz aquí no está en su mejor estado, a veces suena un poco podrida, sobre todo en los graves, pero aun así es perfecta para esto.

“Cool Water” parece un tema de fogón. Y como tal, lo único que se escucha aquí es la voz del artista y su guitarra. La progresión de acordes es la típica de Country, pero el rasgueo es una mezcla entre este estilo y su hermano, el Folk.

"Last Night I Had the Strangest Dream" empieza con un gentil slide guitar acompañado de un dúo de guitarras agudas y un set de cuerdas. Es un tema muy bello, con un tempo de ¾ que lo hace un estilo de vals bailable. El piano grave de una sensación de tranquilidad increíble, como si uno estuviera flotando bajo la luz de la luna bailando con quien uno ama. Por la mitad del tema, unas flautas hacen una melodía muy bella. La voz grave de Cash en este tema de una sensación de seguridad tal como la que se siente cuando se canta una canción de cuna. Tal vez el mejor tema del disco junto a “Redemption Day”.

El estilo de "Aloha Oe" es muy predecible ya con el título. Es un tema de estilo hawaiano, pero con las guitarras acústicas y el canto de Cash se transforma en un tema Country. Aun así, una guitarra eléctrica intenta imitar el sonido típico de las guitarras hawaianas. Una muy bella forma de terminar el disco.

Este disco trae un lado muy gentil y tranquilo del artista, algo que hacía tiempo que no se escuchaba. Los 2 primeros temas del disco nos llevan a un lugar oscuro y triste, pero ya en el 3er tema todo esto da un giro de 180° y podemos estar felices durante el resto del disco.

Algo que es muy interesante y que le trae un sonido único al disco la falta de percusión 
(excepto en el 1er tema) y los arreglos simples pero exquisitos, como los dúos de guitarras y los sets de cuerdas.

Aunque grabada hace varios años atrás, estas grabaciones muestran la calidad vocal de Johnny Cash. Nada de aullidos o gritos, ningún espiral de notas. Pero la voz barítona y llena de pasión del cantante, que décadas después de su inicio, sigue siendo admirado por su presente como cantante y no por lo que alguna vez fue. Sin duda de los mejores cantantes de la historia.

La verdad que este disco es un jema. Estilísticamente no llama la atención. Es Country y Folk del clásico, del bueno, de Johnny Cash. Pero no cualquiera puede llegar a transmitir tanto con algo tan predecible.

Este disco sin duda merece un lugar en el Top 10 de los mejores discos del 2010. Y espero que todos lo escuchen y a todos les encante (aunque seguramente muchos de uds ya lo deben haber escuchado más de una vez).

Como siempre, dejo los temas para escuchar:

  1. “Ain’t No Grave”: http://www.youtube.com/watch?v=WwNVlNt9iDk
  2. “Redemption Day”: http://www.youtube.com/watch?v=LoSkjdquxlw
  3. “For The Good Times”: http://www.youtube.com/watch?v=tvlJygCubmI
  4. “I Corinthians 15:55”: http://www.youtube.com/watch?v=6qsntpdv390
  5. “Can’t Help But Wonder Where I’m Bound”: http://www.youtube.com/watch?v=OXowP1Ss5kA&feature=related
  6. “A Satisfied Mind”: http://www.youtube.com/watch?v=EUCuBVJs_14
  7. “I Don’t Hurt Anymore”: http://www.youtube.com/watch?v=-JoCdPq3lE8
  8. “Cool Water”: http://www.youtube.com/watch?v=ZccIm5SDxJU&feature=related
  9. "Last Night I Had the Strangest Dream": http://www.youtube.com/watch?v=Os9LGbF8lbM
  10. "Aloha Oe": http://www.youtube.com/watch?v=oQCNXtI5nNg

Sigan leyendo que voy a seguir trayendo discos increíbles del 2010!!!


Saludos!!!!




“Music is the Best” – Frank Zappa