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miércoles, 21 de abril de 2010

Hawkwind - "In Search Of Space"

Ha habido muchísimas bandas a las cuales se les ha llamado “del futuro”, refiriéndose a que su sonido podría ser actual. Con esto hablamos de bandas como The Who y Ac/Dc. En fin, bandas cuyo sonido encaja perfectamente en el sonido actual; bandas que si su 3er disco lo sacaran hoy en día, a nadie le parecería anticuado. 

Por el lado de The Who, esto se puede ver perfectamente desde “Who’s Next”. Canciones como “Baba O’Riley”, “Dreaming from the Waist” o “Sea and Sand” podrían ser de muchas bandas de hoy en día.

Por el lado de Ac/Dc, diría que toda su discografía suena al presente; es música inoxidable.

Esto se debe más que nada a que son de las bandas más influyentes de la música de hoy en día. The Who es gran parte de la base de toda banda de Rock Alternativo y Rock Inglés de hoy en día, mientras que Ac/Dc es de toda banda de Hard Rock y Metal.

Sin embargo, estas se asemejan al estilo de su época, o sea, no sorprende que a uno le digan que son de los ’70. Su sonido también influenció en esa época.

Pero hay una banda que es de verdad del futuro. Su música no se adaptaba mucho a la su época. No influenció mucho hasta finales de los ’80 y ’90, y con influenciar me refiero a que su estilo se tomara como la base del estilo de una banda.

Aunque si fue muy exitosa, era como algo de otro mundo. Y no fue hasta que llegó el Stoner Rock, estilo muy popular en el Rock de hoy en día por bandas como Queens of the Stone Age, Masters of Reality, Mondo Generator, Kyuss, Fu Manchu, etc, que seria una influencia máxima.

Estamos hablando del conjunto inglés Hawkwind.

Esta banda, iniciada en 1969 y que tuvo su pico de popularidad en los ’70, se le clasificó en varios estilos como Space Rock (el cual es sin duda de los mas acertados), Hard Rock, Proto-Punk, Rock Progresivo, etc.

Aunque todo esto es cierto, nunca fue y dejo de ser todo eso. Pero simplemente no encajaba perfectamente. No podíamos decir que era Rock Progresivo, pero aun así lo era. Y lo mismo con todos los otros estilos.

Al llegar la ola del Stoner Rock, era la mejor descripción: música psicodélica y volada, pero al mismo tiempo pesada y desértica.

Es la banda del pasado más actual que puede haber.

El grupo ha sido siempre liderado por el guitarrista Dave Brock. Sus formaciones han sido siempre muy rotativas, dejando a Brock como un estilo de solista que ha invitado músicos a tocar con él. Se le podría comparar, por esto, con Miles Davis o Frank Zappa.

Entre ellos estuvo uno de los mayores dioses del Rock, el increíble cantante, compositor y bajista Lemmy Kilmister de Motörhead.

La música de Hawkwind es un viaje espacial sin fin. Nunca me he drogado con ninguna droga en mi vida, pero sin duda de hacerlo, lo haría escuchando esta banda.

Sus canciones son, generalmente, como jams pesados y sucios de larga duración con solos de saxofón y guitarra, mientras que los teclados hacen sonidos con ecos muy raros y espaciales que van cambiando su salida en los parlantes (pasan de uno a otro).

Aun así, también tienen temas con algo de Folk y canciones de Rock “comunes y corrientes”.

El disco del que voy a hablar hoy es su 2do, “In Search of Space”

Este salió en 1971 y sería el que marcaría el comienzo del éxito de la banda.

En este, la formación es la siguiente:



  • Dave Brock – Guitarra eléctrica, Guitarra Acústica de 6 y 12 cuerdas, vocales, Armónica, Teclados 
  • Nik Turner - Saxo, Flauta, Vocales 
  • Del Dettmar - Sintetizador 
  • Dik Mik (Michael Davies) - Sintetizador 
  • Dave Anderson - Bajo, Guitarra Acústica y eléctrica 
  • Terry Ollis – Batería 
Como se puede ver, cuentan con varios sintetizadores. Pero lo que le trae un sonido exquisito a la banda es el saxo. Aquí, este instrumento de viento, suena de una forma que nunca se ha escuchado. Es único. Usa mucho el wah-wah y distorsión, creando un sonido muy viajado y espacial. A esto lo ayuda mucho las melodías chirriantes y en espiral que logra el músico Nik Turner.

El disco transmite en si una sensación específica y muy especial: un viaje psicodélico muy espacial en el cual nos dan ganas de romper a golpes todo lo que nos rodea. Por ende, es una música muy potente y llena de energía. Es estimulante y eufórica.

Pero, aunque estas sensaciones se pueden conseguir a través de otras músicas, aquí se experimenta de otra forma. Son los ritmos rápidos y las guitarras que tocan a un ritmo de maquina de escribir que nos incitan a la locura. Para que yo, una persona que esta dedicada a la vida saludable, nunca ha fumado, nunca ha tomado ni una sola droga y bebe alcohol 1 vez cada 3 meses o más diga que le incita a tomar la cocaína mas fuerte de la historia y escuchar esto toda la noche…….(nunca lo haría, obviamente).

Por otro lado, tenemos una cara más tranquila y meditativa de la banda, con un par de canciones Folk en las que dejan de lado ese sonido pesado y espacial, o al menos en gran parte.

El disco cuenta con 6 temas:

  1. "You Shouldn't Do That" 
  2. "You Know You're Only Dreaming"
  3. "Master of the Universe" 
  4. "We Took the Wrong Step Years Ago" 
  5. "Adjust Me" 
  6. "Children of the Sun" 
El 1er tema, “You Shouldn’t Do That” no es solo el mejor ejemplo de todo lo que he descrito, sino que es el mejor del disco y con gran ventaja. Es una estimulación destructiva de casi 16 minutos. En este, el ritmo de la batería es veloz y constante, mientras que la guitarra rítmica hace 2 riffs repetitivos a lo largo del tema en base a solo 3 acordes Power-Chord punzantes. La canción se podría dividir en 2 partes: una cantada y otra con solos y mucha improvisación. En la cantada, mientras que unos coros de niño cantan una melodía de 3 notas, la voz canta otra muy envenenada y dopada. En la parte de improvisación, la locura y potencia llega al máximo con sonidos cósmicos por parte de los teclados y solos chirriantes y aullidos por parte del saxo. Es una bomba explosiva llena de euforia.

Casi que conectada, le sigue “You Know You’re Only Dreaming”. Este tema empieza con una melodía en una bajada de a semitonos por parte de los coros de algunos de los integrantes y una guitarra que hace un efecto Wah-Wah en máxima amplitud, mientras que la voz principal canta la melodía principal. Seguido de esto, la canción agarra ritmo y se torna en un desierto lleno de colores, un estilo de perdición y desesperación enorme. Es como si uno perdiera el rumbo y empezara a girar en círculos mientras que la cabeza explota. Aquí lo especial es que ningún instrumento llega a hacer un solo. Es más como un enredo de notas hecha por todos a la vez. Es un tema muy psicodélico.

“Master of the Universe” es el que debe tener la base más Metal y Punk. Es en si el tema que llega a ser “una canción de rock común”, ya que no consta de improvisaciones y tanta locura. Tiene un verso principal y estribillo, aunque un poco difuso. Aquí la voz llega a su punto máximo de psicodelia, con una melodía tan volada que lo deja a uno en un estado de anestesia. También podemos escuchar otro excelente solo de saxo, el cual es más coherente, en el sentido de que no se trata de sonidos dispersados, sino que es más bien una línea, un solo como el que conocemos todos.

“We Took the Wrong Step Years Ago” es el tema Folk del álbum, y sin duda el mejor luego del 1ero del disco. Empieza con una melodía arpegiada de guitarra triste. Un poco después se une una voz emotiva y sabia. En el estribillo, la guitarra cambia y pasa al rasgueo. Es un tema del estilo Folk de cualquier otro canta-autor. Sin embargo, lo que le da el toque especial es un sonido astral hecho por los teclados. Por la mitad del tema, se une una percusión y el bajo, logrando una melodía con influencias de música Hindú.

“Adjust Me” empieza con unos acordes muy tristes. Y la canción sigue en este estado. Es el tema instrumental del álbum. Aquí volvemos al estilo psicodélico de los 1eros 2 temas. El tema consta de melodías lentas y muy efusivas, dando un sentimiento de tristeza enorme, como si volviéramos de una guerra perdida. Este también consta de muchos sonidos entrelazados.

Finalmente tenemos “Children of the Sun”. Aquí volvemos al Folk. La canción empieza con un riff de guitarra muy alegre y bello. Pero segundos después se vuelve un riff de Power-Chord bastante pesado. Luego de que la voz hace una melodía bastante evocadora, se une un teclado que no hace mucho y una flauta, creando un espacio, en el cual, aunque es de grandeza, nos sentimos muy pequeños. El tema es guiado prácticamente por la flauta. Lo excelente del tema es que llega a crear el mismo sentimiento con solo 3 instrumentos (aunque con la escasa participación de los teclados, podría decirse que gracias a 2).

El disco tuvo una recepción muy favorable, y como dije, fue el comienzo del éxito de la banda.

Es muy especial. Trae sensaciones que no se encuentran fácilmente. En mi caso, hay algunas que solo las he encontrado aquí.

Y aunque en si todos los álbumes de los ’70 de la banda rondan en el mismo estilo, este tiene los mejores temas en mi opinión.

Nos trae otro concepto de música. No se trata de composiciones rebuscadas, calculadas y complejas, ni tampoco de solos increíble y de virtuoso. Pero el conjunto de sonidos, melodías y efectos volados crean un ambiente lleno de sensaciones extrañas e indescriptibles que nos llenan de una energía increíble.

Sin duda que no es de los mejores discos de la historia, o al menos no entraría seguramente en un top 50, pero si en un listado tan grande como el de 500 discos que propuso la revista Rolling Stone en el 2004.

Pero es una experiencia muy diferente. No se trata de una búsqueda de sentimientos, sino de sensaciones, algo a lo que no estamos acostumbrados a escuchar y esperar de la música.

Es un disco que, aunque musicalmente a uno no le pueda gustar, sin duda llega a crear todas esas sensaciones a cualquiera que lo escuche.

Con esto logra su objetivo. Y es esto lo que lo hace un disco tan asombroso.



Dejo links para escuchar los temas en Youtube a excepción de "Adjust Me":




"You Shouldn't Do That": Parte 1 - http://www.youtube.com/watch?v=JdmB7qQjjvg    
                                             Parte 2 - http://www.youtube.com/watch?v=ew-ZkECBeX8&feature=related
"You Know You're Only Dreaming": http://www.youtube.com/watch?v=2gDSICAj80c
"We Took the Wrong Step Years Ago": http://www.youtube.com/watch?v=od0mpBewKbk


Saludos!!!


"Music is the Best" - Frank Zappa


miércoles, 14 de abril de 2010

Electric Light Orchestra - "Electric Light Orchestra"





Antes que nada, he borrado todos los links para bajar discos y ya no pondré mas de aquí en adelante. Esto se debe a una advertencia por los que manejan este sitio. De no hacerlo, me lo darian de baja. 
Ademas, siempre me he sentido mal por esto. No creo en la pirateria.
Lo bueno de esto es que si me ha llegado una advertencia, es porque el blog esta empezando a ser popular (o al menos eso quiero creer jajajajaja)



DEBIDO A COMENTARIOS DE OTROS BLOGGEROS, DECIDÍ BORRAR LA 1er PARTE DEL POST YA QUE ALGUNOS SE SENTIAN INSULTADOS POR MI OPINION SOBRE LA MUSICA DISCO Y OTROS ESTILOS DE POP COMERCIAL. NO ERA MI INTENCIÓN. MI FALTA DE SENTIDO COMÚN A VECES ME HACE DECIR COSAS QUE NO DEBO.


Todos conocemos temas clásicos de la era Disco como, por ejemplo, “Last Train to London”. Este y otros mas que por titulo no son tan conocidos pero si lo son al oírlos, pertenecieron a la banda Electric Light Orchestra.

Hoy en día, gente joven, asi como gente que vivio en esa época, tiene a esta banda como una de la movida Disco. Mi padre, un enorme conocedor y coleccionista de la música, conoce a esta banda por esa época oscura y tenebrosa.

Sin embargo no fue siempre asi. Hasta su 4to disco, cuando aun no llegaba al éxito que sabria saborear, fue una banda increíble, una banda de Art Rock. En ese momento SI se le podía llamar una orquesta.

Esta banda se formó en 1970, liderada por Roy Wood, proveniente de la banda The Move, y Jeff Lynne, proveniente de The Idle Race y también de The Move (que también formaría parte de la exitosa súper-banda The Traveling Wilburys, junto a George Harrison, Bob Dylan, Tom Petty y Roy Orbison).

La idea de ellos era crear una música con base rockera, yendo en el estilo de The Beatles, pero usando cellos, violines, violas, contrabajos, vientos y otros instrumentos orquestales, asi como los típicos del Rock como guitarra, bajo, batería y teclados.

Con esto se formaría la verdadera 1era orquesta del Rock. Por el número de integrantes seria más una orquesta de cámara que una orquesta grande de sinfonía.

Unos meses después, ya en 1971, sacarían su 1er disco, “Electric Light Orchestra”, también conocido como “No Answer”.

Aunque tuvo éxito, este seria moderado.

Ya para su 2do álbum, “ELO 2”, Roy Word dejaría la banda, dejando a cargo a Jeff Lynne.

El éxito de la banda iría creciendo de a poco, pero fue en su 6to álbum, “A New World Record”, donde llegarían a convertirse en una de las bandas mas vendidas de la historia.

Pero fue aquí donde el estilo cambiaria drásticamente, yéndose mas al lado de la música Disco. La banda seguiría tocando hasta 1983, luego se juntarían de nuevo de 1985 a 1986 y finalmente del 2000 al 2001. Su último disco fue “Zoom”, lanzado en el 2001.

El disco del que voy a hablar hoy es su 1er y mejor álbum, “Electric Light Orchestra”.

Como dije, fue lanzado en 1971 y no tuvo tanto éxito. Sin embargo, es en este disco donde se puede escuchar el mejor ejemplo del concepto original: una verdadera orquesta de Rock.

El disco tiene muchísimos arreglos, varios pasajes instrumentales, una gran gama de instrumentos y composiciones que llegan a un nivel de complejidad, no tanto técnica pero si conceptual, increíble.

En este disco, los músicos que participaron fueron los siguientes:



  • Roy Wood: Guitarras, Bajo, Cello, Oboe, Fagot, Clarinete, otros instrumentos de viento, vocales 
  • Jeff Lynne: Guitarras, Bajo, Piano, Teclados, Vocales. 
  • Bev Bevan: Batería, Percusión, Vocales. 
  • Bill Hunt: Corneta Francesa, Corneta. 
  • Steve Woolam: Violín. 
Como se puede ver, no eran muchos integrantes. Por ende, ¿dónde está la orquesta?

Pues gracias a la tecnología, se creó la multipista. Con esto, los músicos podrían grabar cuantas pistas de cello, violín, vientos, etc quisieran y asi crear la “orquesta”. Aun asi, cuando empezaran el tour, añadirían varios músicos más y resultaría una orquesta “viviente” más que tecnológica.

Esto demuestra también que los lideres y compositores Wood y Lynne no eran músicos corrientes. Tenian una buena idea de lo que podian llegar a crear gracias a su multi-instrumentalismo.

El disco cuenta con 9 temas, cada uno especificando su compositor:



  1. "10538 Overture" (Lynne) 
  2. "Look at Me Now" (Wood) 
  3. "Nellie Takes Her Bow" (Lynne) 
  4. "The Battle of Marston Moor (July 2nd 1644)" (Wood) 
  5. "First Movement (Jumping Biz)" (Wood) 
  6. "Mr. Radio" (Lynne) 
  7. "Manhattan Rumble (49th Street Massacre)" (Lynne) 
  8. "Queen of the Hours" (Lynne) 
  9. "Whisper in The Night" (Wood) 
El primer tema, “10538 Overture”, fue el 1er single sacado por la banda y por ello fue el mayor éxito del disco y de los temas mas recordados de la 1er época de la banda. El sonido es bastante futurista. Podría ser una canción de Rock de hoy en día. Aquí ya se pueden ver los detalles y arreglos que traen los varios instrumentos atípicos del Rock. Aun así, el sonido y estilo básico es Rock.

“Look at Me Now” es de los temas mas desafiantes del disco. Es una canción como cualquier otra, en el sentido de que tiene verso, estribillo y todo el formato típico. Sin embargo la base musical son instrumentos de cuerdas y algún viento que otro. Además, el estilo musical va variando a lo largo del tema. Empieza con una onda clásica, un estilo de la época de los piratas. Por la mitad del tema, hay un pasaje muy oriental que muestra la versatilidad de Wood como compositor.

“Nellie Takes Her Bow” es uno de los temas mas Beatle-influenciados del disco. La progresión de acordes y la melodía, hechas por la voz y el piano, son muy parecidos a los que usaban The Beatles, sobre todo en los temas de McCartney. Pero aquí se incluye algo que los Fab-Four no hicieron: un pasaje instrumental neo-clasicista que demuestra que eran mucho pero mucho más que músicos de Rock.

El 4to tema, “The Battle of Marston Moor (July 2nd 1644)” es el tema mas complejo del disco, y seguramente el mejor. Este, a diferencia de los demás, tiene 0 influencias de Rock. Es un tema de música clásica con enormes influencias de compositores del SXX como Stravinsky y Tchaikovsky. Como tal, tiene un principio y fin, o sea, no repite partes y ni melodías prácticamente. Lo asombroso del tema es que uno esperaría un tema no tan complejo y algo ambiguo por tratarse de música Neo-Clasicista hecha por un rockero. Pero esta composición no tiene nada que envidiarle a cualquier otra que ronda por este estilo.

“First Movement (Jumping Biz)” es otro tema instrumental, pero este si es Rock. Este está guiado por una guitarra española, la cual, por la melodía, trae un aire de Flamenco.

“Mr. Radio”, el 6to tema, es un tema bastante fantástico. Tiene también muchas influencias de The Beatles, pero también cuenta con influencias del Jazz vocal de los ’50 a lo Sinatra. Este es guiado por un piano con varios arreglos y acordes muy graves. Este es otro tema con excelente arreglos, los cuales se pueden notar más por los últimos 2 minutos. Aquí se puede escuchar tal vez el mejor ejemplo de lo que querían lograr.

Como Wood tiene “The Battle...”, Lynne tiene el 7mo tema del disco, “Manhattan Rumble (49th Street Massacre)”. Este instrumental, aunque no es tan complejo como “The Battle…”, tiene una enorme imaginación. Las melodías oscuras y tétricas hechas por los vientos, cuerdas y piano nos llevan a lugares muy tenebrosos, llenos de personajes malévolos y asquerosos. Pero al mismo tiempo, es un miedo bastante infantil, como el de Disney. Parecería un circo grotesco. Esto se nota más en un pasaje en la mitad del tema, donde se puede sentir más esas melodías parecidas a este lugar.

“Queen of the Hours” tiene un comienzo que podría ser perfectamente de un tema de Nu-Metal de hoy en día. Es un tema muy versátil, que pasa de momentos alegres a otros de desesperación rápidamente. Suena muy actual, sobre todo por la melodía guiada por el Cello, el instrumento que mas se escucha en la canción.

“Whisper in the Night” no podía ser otro tema mas que el final, ya que toda la melodía suena a una despedida. Guiada por unas guitarras acústicas y unas cuerdas, las influencias de The Beatles se pueden oír nuevamente. Es un tema muy delicado y bello. Un verdadero tema de amor.

Esto demuestra que una banda no es siempre lo que uno mas conoce.

Aquí tenemos una banda que nos trajo un tema totalmente Disco como “Last Train to London” pero que demuestra que alguna vez supo de verdad crear música más seria.

Y en este caso no es cualquier música. Es tal vez de los discos más ambiciosos del Rock. No solo porque crearon temas excelente, sino que la complejidad instrumental y de composición va mas allá de lo que cualquier otro músico de Rock podría haber logrado. Y estoy muy seguro que otros grandes del Rock, como Led Zeppelín, The Who, Pink Floyd, etc, nunca lo podrían haber logrado, o tal vez si pero no con la misma calidad. Hasta The Beatles, quienes intentaron lograr esto en temas como “Eleanor Rugby”, ya que la instrumentación no llega ni a los talones de la ambición y meticulosidad de las de este disco, no lo pudieron hacer ellos mismos, sino que lo hizo el “5to Beatle”, George Martin.

Lo que tenemos aquí es una demostración de que ser músico de Rock no te hace menos profundo y sabio musicalmente.

Muchos compositores y amantes de la Música Clásica hablan del Rock como un juego de niños. Aquí se demuestra que hay genios que pueden utilizar lo mejor del Rock y combinarlo con el estilo musical más complejo que hay.

Pero más que nada, nos demuestra que una banda no es siempre lo que uno cree.

Podremos decir “Esta banda tuvo una mala época” o "tuvo una época más comercial" tal vez, pero hablaremos con honor de su mejor momento, un momento que sirve de ejemplo para cualquier músico que quiera llevar la música mas allá de lo que se conoce o se cree poder.


Dejo para escuchar los temas en Youtube (eso aparentemente no es ilegal):


"10538 Overture": http://www.youtube.com/watch?v=PC02EnshI5U
"Look at Me Now": 
http://www.youtube.com/watch?v=HWFhL3Kgbig
"Nellie Takes Her Bow": 
http://www.youtube.com/watch?v=MaUD0BcyEUM
"The Battle of Marston Moor (July 2nd 1644)": 
http://www.youtube.com/watch?v=hWjXOt3UM78   (está seguido por el comienzo del 1er tema)
"Manhattan Rumble (49th Street Massacre)": http://www.youtube.com/watch?v=0N82JOf8sy8
"Queen of the Hours" (en vivo): 
http://www.youtube.com/watch?v=VF9BjBXKX10 

Gracias por leer!!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa

martes, 6 de abril de 2010

Avishai Cohen - "Continuo"

Como siempre, esta vez intento traer algo diferente.

El músico que traigo hoy se llama Avishai Cohen, un bajista israelí cuya música va hacia el lado del Jazz. Sin embargo, por encontrarse en una zona llena de diversos estilos folklóricos, su Jazz tiene un sonido único, mezclando sonidos del Medio Oriente, al igual que música Clásica y Rock Clásico como Contemporáneo.

Este bajista, nacido el 20 de Abril de 1970, empezó su carrera estudiando en Mannes College en New York, donde fue solicitado a unirse al trío del pianista Danilo Pérez de Panamá. Pero su carrera seria impulsada al formar parte del sexteto “Origin” liderado por el increíble pianista Chick Corea.

Con este lazo pudo grabar sus 1eros cuatro álbumes bajo el sello “Stretch”, el cual pertenece al mismo Corea.

En el 2003 creó su propio sello, “Razdaz Recordz”, en el cual lanzaría todos sus próximos álbumes, empezando con uno de sus más aclamados, “Layla”.

Hasta el 2009, ha lanzado 11 álbumes como solista, acompañado de diversas formaciones como tríos, cuartetos, quintetos hasta mini big bands, y participado en varios discos más.

Este músico, como la mayoría en el Jazz, usa tanto el bajo eléctrico como el contrabajo. Sin embargo, su sonido personal se ve más reflejado en el último, habiendo logrado sonidos y melodías que no se han escuchado ni en los más grandes como Ron Carter y Charles Mingus.

Pero es además un increíble compositor. Aunque su sonido encaja perfectamente en el estilo del Jazz Moderno (este tiene bastantes influencias de Rock Alternativo y otros estilos mas actuales), junto a otros “jóvenes” de este estilo como Brad Mehldau, Mathias Eick, Joshua Redman, Christian McBride y Roy Hargrove, este tiene algo que lo separa de la mayoría: una combinación de estilos increíblemente amplia con composiciones que se basan mas en la progresión y cambios de ambiente que en los solos extensos sobre una base repetida como en la mayor parte del Jazz.

El disco que traigo hoy es su 7mo y en mi opinión, su mejor álbum; el mas personal. Aunque no he escuchado todos sus discos, la satisfacción que obtengo al escuchar este es enorme, llegando a ser de mis discos preferidos en el Jazz (aunque, con todo lo que dije, no sea de las mejores opciones para darlo como un ejemplo máximo del mismo).

Tal vez esto sea por haber sido lo 1ero que escuche del músico y porque fue en un momento muy especial: en el Festival De Jazz de Lapataia 2007, bajo las estrellas en el medio del campo, junto a uno de mis amigos más cercanos e irremplazables.

Este álbum, lanzado en el 2006, es de verdad una travesía, lo cual se me ha hecho difícil de encontrar en la mayoría de los discos del Jazz, ya que siempre he asociado este estilo con las zonas urbanas y las ciudades en la noche, sobre todo bajo lluvia.

Al tener grandes influencias de músicas del Medio Oriente, parece un viaje a través del desierto, lo cual se ve plasmado en la foto de la tapa.

Aquí la formación es la siguiente: 



- Avishai Cohen: Contrabajo y Bajo eléctrico

- Sam Barsh: Piano

- Mark Guiliana: Batería y percusiones

- Amos Hoffman: Oud

Por ende, la formación es el clásico trío de Jazz con la adición del Oud, el instrumento que le da ese sonido del Medio Oriente.

En cuanto al estilo, es Jazz puro. Pero aquí Cohen se las ha ingeniado para crear melodías basadas en escalas de música Clásica y Música Oriental, y al mismo tiempo, crear varios pasajes en cada tema.

Muchas melodías son repetidas, con pequeñas variaciones, a lo largo del disco. Esto es lo que le da cierta continuidad al disco (por eso es que el disco tiene su nombre, supongo).

El álbum cuenta con 10 canciones: 




  1. "Nu Nu" 
  2. "Elli” 
  3. "One for Mark" 
  4. "Ani Maamin" 
  5. "Samuel" 
  6. "Emotional Storm” 
  7. "Calm" 
  8. "Arava" 
  9. "Smash"
  10. "Continuo" 

El tema que abre el disco, “Nu Nu”, ya nos transporta a zonas desérticas. Empieza con un Re constante tocado por el piano y el contrabajo con arco, mientras que el oud hace un solo en escala oriental. Unos segundos después, el piano toca la melodía que transmite la historia del disco, melodía que se repetirá varias veces a lo largo del disco con diferentes variaciones. Cuando la canción llega a un ritmo más marcado, entra en una melodía menos misteriosa, con una onda más moderna.

“Elli” es el tema mas hermoso del disco. Empieza con una melodía del piano bastante triste con enormes influencias de música Clásica, hasta llegar a un momento mas mágico, seguido por uno mas feliz. Luego esto se repite, pero se queda en la parte mágica, en donde el contrabajo y el piano harán solos llenos de pasión.

El tema con el mejor ritmo es “One for Mark”, el cual es tocado por el contrabajo y la batería. Acá se puede notar mejor el estilo jazzero del músico. Lo interesante del tema son los diversos cambios y pasajes que tiene, pasando de partes orientales a variaciones de la melodía principal del disco.

“Ani Maamin” muestra las influencias mas clásicas del disco. Es una melodía no triste, pero contemplativa. Parecería un baile desolado en un palacio gigante. Aquí podemos encontrar el mejor solo de contrabajo de Cohen. Al mismo tiempo, seguramente gracias a la batería y por la falta del oud, es el tema más jazzero del disco.

“Samuel” empieza con un solo muy melódico por el piano de casi 2 minutos hasta llegar a un riff con notas en bajada que se repetirá todo el tiempo a lo largo del tema. Obviamente que este va a ir teniendo variaciones, sobre todo cuando aparecen solos por el piano y el contrabajo y cambios de tiempo y fuerza en la batería. Al igual que el tema anterior, es también de los más jazzeros por las mismas razones.

Con “Emocional Storm” escuchamos el regreso del oud. El tema empieza muy calmo, con el riff principal casi que inaudible. Pero ya cerca de los 4 minutos, el contrabajo, piano y oud hacen, al unísono, este riff, el cual muestra las influencias de Rock. En un momento del tema, se puede, nuevamente escuchar una variación de la melodía principal del disco.

Como lo dice el titulo, “Calm” es el tema mas tranquilo del disco, en el cual, el piano toma el papel principal. Musicalmente, debe ser de los mas extraordinarios, ya que en si no es una composición con melodías repetitivas, sino que es una obra con comienzo y fin. Aquí se pueden notar excelentes combinaciones de Jazz con música Clásica y Rock, sobre todo Soft Rock. Aquí la melodía es hecha también por el contrabajo, aunque es casi inaudible.

“Arava” presenta de nuevo las influencias del Medio Oriente, con un tema mas fuerte melódicamente y con una batería mas marcada y con muchos mas juegos en el toque. Este tema da una sensación de escapatoria. Y una vez más, Cohen nos brinda un excelente solo de contrabajo. Tal vez este tema tenga la mejor performancia por el baterista Mark Guiliana.

Con “Smash”, los músicos se van a un lado mas potente y pesado. El riff principal, de ser hecho por una banda de Rock, podría ser perfectamente un tema de Hard Rock. Lo interesante de este tema, es que el riff se repite una y otra vez, pero entre cada repetición hay pasajes instrumentales con mucha imaginación y fantasía y también solos de muy poca duración. Un tema asombroso.

Finalmente tenemos “Continuo”, que arranca con un extenso solo de bajo eléctrico. El mismo sigue luego con el oud acompañándolo. Cerca del minuto 3, se vuelve una danza desértica, con palmas y ritmos movidos. Aunque el piano está ausente, el tema es excelente, ya que con el largo solo muestra una enorme influencia de música Clásica, casi que dejando el Jazz de lado, y con el final nos trae el desierto al máximo.

Como verán, se trata de un disco muy especial en el Jazz. Nunca va a llegar a ser considerado una obra maestra, ni tampoco creo que lo sea. Y tampoco es que haya superado a muchos discos del Jazz.

Viéndolo de un punto de vista de critico de música, es un disco que tal vez no levante tanto la cabeza entre los demás discos de Jazz Contemporáneo.

Viéndolo de un punto de vista mas personal, es un disco que no solo puede ser una excelente introducción al Jazz para aquellos que no conozcan tanto del mismo, ya que no se presenta en su formato mas puro, sino que también nos muestra otros estilos musicales, sobre todo del Medio Oriente (ojala hubiera algún sinónimo para esto porque ya me he cansado de repetirlo), y también demuestra que tan bien se puede llegar a combinarlos, manteniendo siempre lo mas puro de los mismos y dejando la duda de que estilo musical es realmente.

Pero lo más increíble del disco es como un instrumento sin relación alguna al Jazz puede encajar perfectamente (hablando obviamente del oud), y como poder hacer que un estilo que se basa mucho en la improvisación se vuelva una música totalmente planificada y tornarse en una obra más que en una canción.

Para todos aquellos que se refieren siempre al pasado del Jazz como lo mas grande, aquí tenemos un ejemplo de que este estilo aun evoluciona y puede llegar a ser, para algunos, mas innovador y desafiante que cualquier otro disco de este increíble estilo musical.







Dejo aquí para escuchar algunos temas del disco:









SALUDOS!!!!


"Music is the Best" - Frank Zappa