Cosa Brava - "Ragged Atlas"

Siguiendo con la propuesta, hoy les traigo el 5to disco que conforma parte de este Top álbumes del 2010.

Lo que traigo hoy es de esas cosas que rompen las barreras estilísticas al punto de que no se puede definir que genero es. Una mezcla de tantas cosas pero llevadas a un límite en donde la música se transforma en algo surrealista.

De lo que voy a hablar hoy es de Cosa Brava, una banda que lanzo su disco debut en el 2010.

Aunque en si la banda es nueva, Cosa Brava forma parte de una larga lista de proyectos por el genio guitarrista y multi-instrumentalista, compositor y improvisador Fred Frith. Por ende, para hablar de esta banda, hay que hablar de este músico tan increíble.

Fred Frith nació el 17 de Febrero de 1949 en Heathfield, Inglaterra. De chico empezó a tocar el violín, pero a los 13 agarró la guitarra y empezó a ser autodidacta.

Primero tuvo una banda que imitaba una banda instrumental del momento, luego una que hacia covers de los Beatles. Pero esta última, tras el descubrimiento de Frith del Blues, pasó a ser una de Blues.

Al mismo tiempo buscaba músicas diferentes, cualquier cosa que tuviera guitarra: Clásica, Jazz, Folk, Flamenco, etc. Y también se intereso en la música Hindú, Balinesa y tradicionales del este de Europa. Tiempo después, sus mayores influencias serian John Cage, por su filosofía musical, y Frank Zappa, por su manipulación tan extravagante del Rock y la música en general.

En 1967 fue a la Universidad de Cambridge, donde estudio Literatura Inglesa. Pero lo más importante en su vida en este lugar fue formar Henry Cow.

La banda consistía de una instrumentación típica de Rock, pero con vientos más tradicionales, como flautas y clarinetes, y también instrumentos de arco. Su sonido era una mezcla de Rock Progresivo con Jazz, Clásica, Folk Inglés y muchísimo de Avant-Garde e Improvisación Libre. 

Todo esto entraba dentro de la escena del Canterbury Scene y el sonido resultante era muy basado en el de finales de los ’60 de Zappa con los originales Mothers of Invention en discos como “Burnt Weeny Sandwich”, “Weasels Ripped My Flesh” y por sobre todo “Uncle Meat”.

Aunque no tuvieron un éxito masivo, fueron tal vez la más importante dentro de toda esta movida musical y hoy en día son considerados un pilar importante dentro del Avant-Garde Rock y la Libre Improvisación grupal.

Luego de esta banda, Frith, a lo largo de los años ha sido líder de varias bandas como Art Bears, Massacre, Skeleton Crew, Naked City y otras, todas ellas siguiendo la línea del Avant-Garde Rock

Sin embargo, sus más reconocidos trabajos son como solista. Por un lado tenemos a Frith compositor de Rock loco con mucho movimiento, casi que bailable, pero con arreglos demenciales. Por otro tenemos a Frith el compositor serio, habiendo compuesto cuartetos de cuerda, ballets, etc. Todos estos proyectos siempre siguiendo su clásico sonido Avant-Garde, obviamente.

Pero su más reconocido trabajo, por los cuales se ha ganado el título de uno de los mejores guitarristas (personalmente lo pongo entre los mejores sin lugar a duda) y pionero en la guitarra de libre improvisación, son sus trabajos de Guitar Solos. Estos discos y conciertos consisten en Frith tocando guitarras preparadas (son guitarras a las cuales uno le añade lo que quiera, ya sea una banda elástica, una regla, o lo que se te venga a la mente), usando miles de pedaleras y a veces hasta arcos de cuerda, todo esto en una improvisación totalmente libre; una improvisación que puede carecer de tempo y congruencia y que es totalmente aleatorio e impredecible. Es todo hecho en el momento y no tiene ninguna barrera, ni escala ni métrica ni nada. Es lo que sale en el momento. Y las guitarras preparadas logran sacar sonidos únicos totalmente inimaginables. Aquí les dejo un video de lo que se trata esto: http://www.youtube.com/watch?v=M2WSeZZV6iQ

En fin, un verdadero genio cuya música rebasa todo concepto de música occidental y tradicional al punto de que uno lo ama o puede pensar que no es música en absoluto y es una total mierda.

En el 2008, en Oakland, California, Frith recluta a 4 músicos para formar un quinteto de 

Rock Experimental y Libre Improvisación. La banda resultante termino siendo la siguiente:

• Fred Frith – guitarra, bajo, vocales
• Carla Kihlstedt (de Sleepytime Gorilla Museum)– violín, nyckelharpa, harmónica baja, vocales
• Zeena Parkins (de Skeleton Crew, Keep the Dog) – acordeón, teclados, objetos varios, vocales
• Matthias Bossi (de Sleepytime Gorilla Museum) – batería, percusión, vocales
• The Norman Conquest – manipulación sonora

El objetivo era formar una banda de Rock mezclando varios estilos como Folk Ingles, Música Celta, Música Clásica, Avant-Garde, Improvisación, Funk, Música Latina y algo de Progresivo. 

Por ende, un popurrí de cosas donde lo único que se puede descifrar de alguna manera es que es Rock.

La idea venia de la melancolía rockera del líder, diciendo el mismo que extrañaba la colectividad, los cambios de cada tema al usar varios estilos y lo que lleva a crear una identidad a una banda en fin.

Luego de varias presentaciones por Europa, entraron en el estudio y el 5 de Marzo del 2010, lanzaron su primer álbum titulado “Ragged Atlas”. Este fue mayoritariamente bien recibido por las criticas, llamándolo uno de los debuts mas especiales del año pasado. El disco resulto ser mayoritariamente instrumental (como lo suele ser el trabajo de Fred Frith)

El disco cuenta con 13 temas, todos compuestos por Fred Frith:

1.     "Snake Eating Its Tail"

2.     "Round Dance"

3.     "Pour Albert"

4.     "R. D. Burman"

5.     "Falling Up (for Amanda)"

6.     "Out on the Town with Rusty, 1967"

7.     "Lucky Thirteen"

8.     "Blimey, Einstein"

9.     "The New World"

10. "Tall Story"

11. "For Tom Zé"

12. "A Song About Love"

13. "Market Day"

Ya el 1er tema, “Snake Eating Its Tail” es media loca. Consiste en una melodía hecha por el bajo, guitarra y violín al unisonó con tiempos muy raros, y la melodía es cortada por golpes abruptos de percusión. Cada tanto, el bajo toca una nota pedal para esa melodía que queda sonando por un tiempo. Para hacerse una idea, podría ser una música para un videojuego (uno muy loco también)

“Round Dance” empieza con una percusión y unos sonidos medio extraños. Al arrancar el verso principal, nos encontramos con una guitarra y un violín. El tema tiene pasajes movidos y en momentos se tranquiliza. Es un tema muy lindo con influencias celtas. Pero nunca faltan los pasajes totalmente irreales entre tanto.

“Pour Albert” es el 1er tema cantado del disco. Empieza bastante tranqui pero como intrigante. En el estribillo se pone más potente con una guitarra apocalíptica. Este tema recuerda bastante al sonido del Canterbury Scene.

“R.D. Burman” empieza con un ritmo de bajo al funky. Pero ya cuando aparece el violín y un teclado se transforma en algo totalmente tenebroso, estilo terror de película vieja. Aun así nunca pierde el ritmo. El tema es muy cambiante, saltando de la parte mencionada a una con influencias más clásicas y volviendo de nuevo a la melodía principal. Es sin duda un tema armado y muy complejo. También tiene influencias hindú, ya que cerca del final encontramos un pequeño solo de tabla y en si la melodía y la forma de tocar el violín tiene un aire a la música hindú.

El 5to tema, “Falling Up (for Amanda)”, empieza con un acordeón hasta que se une el resto de los instrumentos. Es un Rock algo triste que estilísticamente no es nada de otro mundo, pero tiene varios arreglos. Pero lo que es más llamativo es el estar en este disco, ya que es otra cara más dentro de las decenas que tiene esta banda.

Conectado al anterior, arranca "Out on the Town with Rusty, 1967". Aquí vuelve con el tema instrumental y aplica nuevamente la técnica de melodía al unisonó en ciertos momentos. El bajo en momentos tiene un aire Funk. Lo más interesante son los acompañamientos de acordeón y teclados que, mientras que la guitarra hace un solo muy matemático, atacan en sincopa (ataques que caen en el pulso a tierra).

“Lucky Thirteen” nos trae otra cara de la banda. Es un tema muy tranquilo cantado por Carla Kihlstedt. Al principio es ella, su violín y una guitarra casi que inaudible. Cuando entra la percusión, el tema empieza a tomar una dirección más oscura y triste. Hasta que llega la batería y ahí se torna en un tema desolador, logrado por un solo de guitarra muy simple pero que perfectamente transmite lo que se quiere. Muy interesante la forma en que está armado.

“Blimey, Einstein” empieza siendo una conversación entre acordeón y violín con una percusión de acompañamiento. De la nada, aparece Frith y la banda cantando en una temática más potente algo arabesca, un cambio totalmente inesperado. Es muy interesante en esta parte un riff súper rápido del teclado y la guitarra haciendo también una melodía muy arabesca. De esta forma, el tema va a haciendo un fade-out.

“The New World” nos trae de nuevo a las influencias celtas, y como tal, el líder melódico de la canción es el violín. Lo lindo de esta clase de temas de la banda (aunque lo hace también en muchos otros) es que muchas veces el violín está tocando y hay como un vacio. El tema no tiene esa cosa de “Wall of Sound” de varios discos. Es más cada instrumento por sí solo y sin mucho ruido y lo hace mucho más personal. En fin es un tema muy lindo con un aire de aventura infantil.

El 10mo tema, “Tall Story” empieza con una melodía muy clásica al unisonó de violín, acordeón y guitarra. En un momento el bajo empieza a hacer una nota pedal y de a poco va entrando la percusión. Mientras tanto los otros 3 instrumentos siguen haciendo una melodía. En un momento se torna en un tema muy loco e incoherente, pero siguiendo la misma línea rítmica. Nuevamente cambia y esta vez a una parte más misteriosa y mágica. Finalmente vuelve a la segunda parte y termina de esta forma. Seguramente sea el mejor tema del disco.

“For Tom Ze” es un tema dedicado al mismo Tom Ze, cantante brasilero. Es un tema con mucho vacio nuevamente. En muchos momentos solo se escucha al violín y la percusión. E incluso cuando se unen los otros instrumentos, también hay algo de silencio. Al unirse la guitarra, nos trae un aire más brasilero, haciendo honor a su dedicatoria. En este tanto, no faltan los toques dementes.

“A Song About Love” no es lo que uno esperaría de este título. Es un tema con tempos muy raros y melodías con muchas sincopas. También tiene muchos cambios temáticos, pasando de partes muy locas a partes con influencias de Música Italiana. Lo interesante es un teclado que aparece cerca del minuto 2 que nos lleva a un lugar más intenso y que por momentos puede hacernos recordar a Música Persa. Nuevamente, un tema muy armado que puede que contenga improvisación, pero esta también está rigurosamente calculada.

Para finalizar tenemos “Market Day”, un tema que nos despide con vocales. Empieza como un tema muy normal, con algo de misterio. La melodía es cantada a 2 voces por Frith y Kihlstedt. De a poco, se van uniendo mas instrumentos, incluso una marimba, haciendo el tema más complejo y arreglado. El estribillo es un cambio muy abrupto, cambiando de ritmo, estilo e incluso cantan como de forma de protesta. Pero nuevamente de la nada vuelve al ambiente inicial, esta vez dominado por un violín con wah-wah.  Esto se vuelve a repetir, despidiéndose tranquilamente con la primer parte.

La verdad que es un disco increíble con una mezcla de estilos y un sonido único que seguramente deje impresionado cualquiera.

Para empezar tiene los detalles de arreglos, que además de la instrumentación, revive de nuevo un concepto dejado allá por los ’70: banda de Rock con canciones con muchos pasajes y súper estructurados, llenos de arreglos.

Pero lo diferente aquí que con muchos arreglos no buscan crear esa pared de sonido que parezca una sinfonía. Incluso como mencione, en muchos momentos solo puede haber 2 instrumentos. Pero también cuando están todos no se llega a crear un sonido orquestal. Es más, el silencio y el vacio se siente. Pero es que esto es un instrumento más de la banda. Le trae un sonido más personal, como si estuvieran tocando al lado nuestro o en un teatro pequeño.

Es también interesante como cada parte está bien conectada pero muchas veces no tienen un hilo estilístico que los una. Puede saltar de algo bien Avant-Garde a algo bien Celta o Funky.

Reviven la estructuración. No se trata de mostrar un virtuosismo solista mientras que los demás hacen una base de 2x2. Aquí todos van de la mano. El virtuosismo es colectivo. Es un virtuosismo más conceptual. A uno no lo asombra lo rápido que tocan, sino lo calculado y armado que esta cada tema, logrando llevarnos en un carrusel impredecible.

Fred Frith demuestra nuevamente que es de esos genios que siempre traen algo bajo la manga. Nunca habiendo defraudado a ninguno de sus seguidores y nunca teniendo que llevarse por las masas, este gran guitarrista, compositor e improvisador trae otra obra maestra para deleitarnos y logrando así uno de los mejores discos del 2010.

Dejo los temas para escuchar:

• "Pour Albert" : http://www.youtube.com/watch?v=9fx2orxKdog
• "R. D. Burman" : http://www.youtube.com/watch?v=8yh9CIA7IAs"Falling Up (for Amanda)"
• "Blimey, Einstein": http://www.youtube.com/watch?v=b8Q6cuqMHZk
• "For Tom Zé": http://www.youtube.com/watch?v=k3bHzx0TW6Q&feature=related

No encontré todos los temas, pero igual les dejo aquí un video de excelente calidad de aprox. 

40 mins de la banda tocando en vivo:

• Parte 1: http://www.youtube.com/watch?v=2mirDkTNN78
• Parte 2: http://www.youtube.com/watch?v=U2ICTTLpygw
• Parte 3: http://www.youtube.com/watch?v=bq2dtXiAA5E&feature=related
• Parte 4: http://www.youtube.com/watch?v=wtZYuk4RsIA&feature=related

SIGAN LEYENDO!!!!

“Music is the Best” – Frank Zappa

Johnny Cash - "American VI: Ain't No Grave"

Para el 4to álbum del Top 10 del 2010, traigo a un artista que ya todos conocemos y al que todos tenemos cariño.  Un artista que, aunque ha sido siempre puesto dentro de la categoría del Country, más preciso con el Outlaw Country, ha trascendido en otros estilos como un grande, como en Folk, Gospel y Rock. Un hombre que siempre ha realzado las tradiciones estadounidenses con mucha crítica y rebeldía.

Estoy hablando del gran John R. “Johnny” Cash.

Este artista, nacido el 26 de Febrero de 1932 y fallecido el 12 de Setiembre de 2003, empezó su trabajo en la conocida discográfica Sun Records. Su primer álbum, lanzado en 1957, se titulo “Johnny Cash With His Hot and Blue Guitar”. Este álbum contenía su más grande clásico, “Folsom Prison Blues”, con el cual empezaría casi todos sus conciertos en su carrera entera.

A finales de los ’50, cuando su carrera estaba despegando, se volvió adicto al alcohol y a toda droga que hubiera. Con esto empezaría a crear una imagen más oscura y de rebeldía con la cual se identificaría toda su vida. Esto además era realzado con su constante uso de trajes negros (lo llamarían “El Hombre de Negro”) y su amor por crear y cantar canciones sobre prisiones y convictos, aunque nunca tuvo una sentencia de prisión.

Su pico artístico para muchos llegaría en 1968, con el lanzamiento de su más clásico álbum, “Johnny Cash at Folsom Prison”. En este toque en vivo había algo que rompía las barreras de todo: era un concierto tocado en una prisión frente a miles de convictos. Esto no solo trajo una gran polémica, sino que ayudo a marcar aun mas su música con la rebeldía y al mismo tiempo traía esperanza para todos estos criminales, quienes entre paredes de concreto grises, podían escuchar los temas que más les gustaba y con los cuales mas se identificaban.

Esta idea se repetiría en varios álbumes, como “At San Quentin”, “pä Osteraker” y “A Concert Behind Prison Walls”.

Fue también en 1968 cuando se casaría con su esposa hasta la muerte, June Carter. Este matrimonio también toco casi toda su duración junto y fue muy conocido, al punto que cuando se hablaba de Johnny, también se hablaba de June.

También tuvo su programa de televisión, el cual fue extremadamente exitoso.  Este, que debuto en Junio de 1969, consistía en un programa en el cual había mucha música y muchos invitados que iban a tocar solos y a dúo con Cash. A este fueron invitados grandes como Joni Mitchell, Bob Dylan, Linda Ronstadt, Kris Kristofferson, Mickey Newbury, Neil Young, Gordon Lightfoot, Merle Haggard y James Taylor.

Otro gran punto de su carrera fue formando parte del súper grupo de Country, The Highwaymen. Este grupo consistía de 4 grandes del Country: Johnny Cash, Kris Kristofferson, Waylon Jennings y Willie Nelson. Con ellos saco 3 álbumes: “Highwayman” en 1985, “Highwayman 2” en 1990 y “The Road Goes on Forever” en 1995, un poco antes de la muerte de Waylon Jennings. Todos los álbumes, sobre todo el 1ero, tuvieron un éxito masivo. Y claro, si unes a los probablemente 4 más grandes del género, ¿qué más quieres?

A finales de los ’80 y comienzos de los ’90, su carrera no fue muy apreciada. Sin embargo, fue en 1994 donde su popularidad estallaría nuevamente con el lanzamiento del 1ero de una serie de discos titulado “American Recordings”. Este consistía en grabaciones de canciones por otros autores hechas por Cash en su living. El álbum le otorgo el Grammy al Mejor Disco de Folk Contemporáneo.

En 1997, fue diagnosticado con una enfermedad neurodegenerativa llamada Síndrome de Shy-Drager, un tipo de Parkinson. Por esto, tuvo que deja de hacer conciertos. Aun así, siguió grabando discos de la serie American Recordings, en los cuales el III y IV reflejan mucho de las vivencias del artista generadas por esta enfermedad. El IV contenía su cover del tema “Hurt” de Nine Inch Nails, el cual tuvo un videoclip muy oscuro, triste y duro que se volvió casi que un himno para Cash.

A Las 2 am del 12 de Setiembre de 2003, Cash murió de complicaciones de diabetes, 4 meses luego de la muerte de su esposa June Carter. Aunque esta fue la razón medica, muchos creen que murió de un corazón roto, pues la muerte de su esposa fue muy dura para él.

Luego de su muerte, se siguieron editando discos, siendo los más populares el V y el VI de los American Recordings.

El disco que traigo hoy es el 6to de los American Recordings y el 2do sacado luego de su muerte, llamado “American VI: Ain't No Grave”.

Este fue lanzado el 23 de Febrero, 3 días antes de lo que habría sido el cumpleaños 78 de Cash.

Fue grabado en las mismas sesiones que “American V: A Hundred Highways”, por ende, fueron grabaciones hechas específicamente para un disco entero, que es este ahora. Por ende, en referencia a mi comentario sobre si el de Hendrix entraría o no por ser grabaciones sin conexión alguna sacadas años después, este si entra por haberse grabado todo en un mismo momento. Es un álbum hecho en un momento específico, teniendo así homogeneidad y no siendo un popurrí de temas tirados por ahí en algún momento en la carrera del artista.

Aquí el personal es:

• Johnny Cash – vocales, guitarra
• Scott Avett – banjo en "Ain't No Grave"
• Seth Avett – pasos y cadenas en "Ain't No Grave"
• Mike Campbell – guitarra
• Smokey Hormel – guitarra
• Jonny Polonsky – guitarra
• Matt Sweeney – guitarra
• Benmont Tench – piano, clavicordio, órgano

Siguiendo el concepto de los American Recordings, el disco cuenta con versiones Cash-eadas de temas de otros artistas, al punto en que muchos son prácticamente temas nuevos. El disco cuenta con los siguientes 10 temas:

1. “Ain’t No Grave” (Tradicional)
2. “Redemption Day” (Sheryl Crow)
3. “For The Good Times” (Kris Kristofferson)
4. “I Corinthians 15:55” (Johnny Cash)
5. “Can’t Help But Wonder Where I’m Bound” (Tom Paxton)
6. “A Satisfied Mind” (Joe "Red" Hayes y Jack Rhodes)
7. “I Don’t Hurt Anymore” (Hank Snow)
8. “Cool Water” (Bob Nolan)
9. "Last Night I Had the Strangest Dream" (Ed McCurdy)
10. "Aloha Oe" (Reina Lili'uokalani de Hawaii)

El disco arranca con la canción que le da nombre al disco. Es un Blues muy oscuro y con mucha pena. Este toque es realzado por una percusión lograda con cadenas. Da para imaginarse un grupo de hombres llenos de penas trabajando en el medio del desierto sin nada que les de esperanza.

Mientras que la versión original “Redemption Day”  por Sheryl Crow es muy parecida, a esta se le ha quitado ese ritmo andante de ruta y ha quedado como un Folk desolador con muchísima tristeza. Aquí la voz de Cash llega a un punto de tristeza increíble. El piano con acordes súper graves es el toque mágico del tema.

El 3er tema, “For The Good Times”, mantiene el toque gentil de la original. Pero seguramente el dúo de guitarras y el órgano traen muchísima más belleza. Es perfecta como para estar en el campo. Es un tema con progresiones de acordes muy típicas de canciones de amor.

“I Corinthians 15:55” fue escrita por Cash en base a 1 Corinthians 15 del libro del apóstol Pablo. Es un tema Country muy tranquilo. La voz es acompañada por un piano, guitarra y un grupo de cuerdas. La letra habla de temas de ese capítulo del libro.

“Can’t Help But Wonder Where I’m Bound” sigue con la tranquilidad, pero esta vez un poco mas Folk. Acompañado por guitarra acústica, una eléctrica, piano y un órgano, el tema musicalmente acompaña perfectamente a la letra, ya que esta habla de las vivencias que ha tenido el autor del tema (que tal vez Cash puede sentirlas como propias o como las de la vida misma).

“I Don’t Hurt Anymore” es un Country clásico. Estilísticamente no llama la atención y podría pasar desapercibida, pero los arreglos que Cash ha logrado en este tema ayudan a que une le guste y mucho. La voz aquí no está en su mejor estado, a veces suena un poco podrida, sobre todo en los graves, pero aun así es perfecta para esto.

“Cool Water” parece un tema de fogón. Y como tal, lo único que se escucha aquí es la voz del artista y su guitarra. La progresión de acordes es la típica de Country, pero el rasgueo es una mezcla entre este estilo y su hermano, el Folk.

"Last Night I Had the Strangest Dream" empieza con un gentil slide guitar acompañado de un dúo de guitarras agudas y un set de cuerdas. Es un tema muy bello, con un tempo de ¾ que lo hace un estilo de vals bailable. El piano grave de una sensación de tranquilidad increíble, como si uno estuviera flotando bajo la luz de la luna bailando con quien uno ama. Por la mitad del tema, unas flautas hacen una melodía muy bella. La voz grave de Cash en este tema de una sensación de seguridad tal como la que se siente cuando se canta una canción de cuna. Tal vez el mejor tema del disco junto a “Redemption Day”.

El estilo de "Aloha Oe" es muy predecible ya con el título. Es un tema de estilo hawaiano, pero con las guitarras acústicas y el canto de Cash se transforma en un tema Country. Aun así, una guitarra eléctrica intenta imitar el sonido típico de las guitarras hawaianas. Una muy bella forma de terminar el disco.

Este disco trae un lado muy gentil y tranquilo del artista, algo que hacía tiempo que no se escuchaba. Los 2 primeros temas del disco nos llevan a un lugar oscuro y triste, pero ya en el 3er tema todo esto da un giro de 180° y podemos estar felices durante el resto del disco.

Algo que es muy interesante y que le trae un sonido único al disco la falta de percusión 

(excepto en el 1er tema) y los arreglos simples pero exquisitos, como los dúos de guitarras y los sets de cuerdas.

Aunque grabada hace varios años atrás, estas grabaciones muestran la calidad vocal de Johnny Cash. Nada de aullidos o gritos, ningún espiral de notas. Pero la voz barítona y llena de pasión del cantante, que décadas después de su inicio, sigue siendo admirado por su presente como cantante y no por lo que alguna vez fue. Sin duda de los mejores cantantes de la historia.

La verdad que este disco es un jema. Estilísticamente no llama la atención. Es Country y Folk del clásico, del bueno, de Johnny Cash. Pero no cualquiera puede llegar a transmitir tanto con algo tan predecible.

Este disco sin duda merece un lugar en el Top 10 de los mejores discos del 2010. Y espero que todos lo escuchen y a todos les encante (aunque seguramente muchos de uds ya lo deben haber escuchado más de una vez).

Como siempre, dejo los temas para escuchar:

1. “Ain’t No Grave”: http://www.youtube.com/watch?v=WwNVlNt9iDk
2. “Redemption Day”: http://www.youtube.com/watch?v=LoSkjdquxlw
3. “For The Good Times”: http://www.youtube.com/watch?v=tvlJygCubmI
4. “I Corinthians 15:55”: http://www.youtube.com/watch?v=6qsntpdv390
5. “Can’t Help But Wonder Where I’m Bound”: http://www.youtube.com/watch?v=OXowP1Ss5kA&feature=related
6. “A Satisfied Mind”: http://www.youtube.com/watch?v=EUCuBVJs_14
7. “I Don’t Hurt Anymore”: http://www.youtube.com/watch?v=-JoCdPq3lE8
8. “Cool Water”: http://www.youtube.com/watch?v=ZccIm5SDxJU&feature=related
9. "Last Night I Had the Strangest Dream": http://www.youtube.com/watch?v=Os9LGbF8lbM
10. "Aloha Oe": http://www.youtube.com/watch?v=oQCNXtI5nNg

Sigan leyendo que voy a seguir trayendo discos increíbles del 2010!!!

Saludos!!!!

“Music is the Best” – Frank Zappa

Stephan Micus - "Bold As Light"

El disco que traigo hoy es otra de las joyas del 2010. Como el músico anterior era mas rockero, hoy les traigo un estilo muuuuuy diferente para seguir con la idea de intercalar los estilos.

El músico de hoy es uno de esos grandes cuya vida se basa en la búsqueda constante. El viaje y la música van de la mano. Es un músico alemán que ha logrado encuentros entre estilos musicales de países que nunca se habrían mezclado, como hindú y egipcia, o celta y china. Es uno de los que más aprecio en la música, cuyo arte siempre me hace viajar a los lugares más exóticos y/o pasivos que puede haber.

Este gran artista se llama Stephan Micus.

Para ahorrarme palabras y trabajo, aquellos que quieran saber de la vida de este artista pueden visitar un post ya realizado en este blog de un disco del mismo (el cual es su mejor y es de las cosas más increíbles que he escuchado en mi vida): http://rv-blackbeauty.blogspot.com/2010/03/stephan-micus-wings-over-water.html

Luego de 2 años sin entrar al estudio (su último trabajo había sido “Snow” en el 2008), Micus vuelve con un disco muy potente, lleno de sentimiento y pureza.

Como es típico en sus discos, aquí encontraremos instrumentos de diferentes lugares del mundo, y como es típico también, nos introduce a 2 nuevos instrumentos: el raj nplaim y el nohkan

Los instrumentos que usa en el disco, en su totalidad, son:

• ·         Raj Nplaim: Instrumento de viento de lengüeta libre proveniente de Laos
• ·         Nohkan: Flauta de bamboo proveniente de Japón
• ·         Zither Bajo: Instrumento con cuerdas cuyas extensiones no van más allá que la de la caja de sonido (esto es para cualquier zither) con sonido más grave al del resto de sus familiares
• ·         Zither de Acordes: De la familia de los zither. Este es generalmente denominado Autoharpa. Es igual que un zither, lo único que contiene unas barras que al presionarlas, silencia ciertas cuerdas para que se formen acordes
• ·         Zither Bavarico: Zither de origen Alemán
• ·         Shô: Instrumento de viento de lengüeta libre de origen japonés, parecido a un órgano de boca
• ·         Voz
• ·         Kalimba: Instrumento de percusión africano con altura definida que se toca pellizcando unas barras pequeñas (también conocido como piano de pulgar)
• ·         Shakuhachi: Flauta japonesa
• ·         Sinding: Instrumento de viento de lengüeta de origen balines, parecido a la flauta inglesa

En este disco, a diferencia del ya posteado, no es tanto un viaje, sino como una vivencia en un lugar fijo. En este el sentimiento más dominante es la reflexión, como si algo malo hubiera sucedido y hubiera que mejorar la situación. Al mismo tiempo, se pueden encontrar cosas más alegres y de paz pura.

El disco cuenta con 10 partes:

1. 1.       Part 1 - Rain
2. 2.      Part 2 - Spring Dance
3. 3.      Part 3 - Flying Swans
4. 4.      Part 4 - Wide River
5. 5.      Part 5 - Autumn Dance
6. 6.      Part 6 - Golden Ginkgo Tree
7. 7.      Part 7 - The Shrine
8. 8.      Part 8 - Winter Dance
9. 9.      Part 9 - The Child
10. 10.   Part 10 - Seven Roses

El disco, por su estilo, nos ubica en una tierra oriental. Sonaría mucho como a las montañas de China en otoño. Como dije, no es un viaje, sino una larga meditación.

Antes de empezar, quiero decir que, como desconozco la diferencia entre cada flauta, no voy a poder decir con exactitud cual flauta toca en cada parte. PERO BASTANTE QUE LOS INTENTO RECONOCER DE OIDO, TENGAME PIEDAD!!!

La primer parte consiste en el sho y el Raj Npalim, el cual es tocado en forma de multipista, dando la sensación de un sonido más amplio. Aquí podemos sentir la salida del sol, apareciendo poco a poco entre las montañas tapadas por algunas nubes. Una briza un poco fresca corre por nuestra piel y el pasto húmedo moja un poco nuestra ropa. Es una mañana bella, pero el sentimiento que domina no es tan alegre.

La segunda parte, y la mejor junto a la 8va, usa el shakuhachi, el zither bajo y el zither bavarico. Este es tal vez el más pasivo de todos. El de cada cuerda de los zithers da una paz infinita, llena de suavidad y gentileza. Al mismo tiempo la flauta, con toques sostenidos por largo tiempo refuerza esta expresión. Aquí se llega a un punto de tranquilidad increíble, en el cual, incluso con los ojos cerrados, se puede sentir la belleza que nos rodea en este paisaje imaginario. Se puede sentir como la briza nos acaricia lentamente y como cada respiro es tan fresco como el que le sigue. Es interesante como la melodía de la flauta siempre se encuentra en la misma tonalidad mientras que los zithers cambian de tonalidad y así generando cierta disonancia muy especial.

La 3er parte incluye nuevamente el sho y voces. Aquí se llega a un punto de liberación del alma absoluto. Empieza con unos acordes menores que evolucionan lentamente. Luego de a poco se van uniendo voces (todas cantas por Micus, logrando así un coro de multipistas). Los coros son inspirados en los cantos polifónicos de  Georgia y Bulgaria. A medida que se van agregando voces, se va creando una masa gigante que hace sentir como si el cuerpo se abriera en 2 y nuestra alma empezara a flotar por este paisaje montañoso. A medida que sigue elevándose, imágenes de tristeza y miseria vivida por otras personas nos invade, al punto de hacer las experiencias casi que propias.

La 4ta parte es algo así como una continuación de la anterior, ya que sigue con una temática parecida, estilo y además está en la misma tonalidad. Aquí los instrumentos son el sho y raj nplaim. Aquí las melodías del último no son muy tristes, pero aun así el ambiente no es tan feliz. Aquí volvemos a ser consientes de nuestro ser, cuerpo y lo que nos rodea. Intentamos comprender, razonar y sentir lo vivido en la parte anterior. Es una forma de reflexión, absorbiendo lo sentido anteriormente para crecer como personas y entender lo que viven los demás.

La 5ta parte es solo una flauta, la cual supongo que es el nohkan. Son 3 minutos de solo una 

flauta llegando a picos sonoros. Aquí podemos sentir la soledad plena de este paisaje montañoso. Dejamos de vernos para adentro y vemos para afuera, vemos el alrededor. Observamos lo que sucede. Aves volando, el sol sobre nosotros, la briza, el aire un poco frio, los movimientos de las hojas, el correr del rio.

En la 6ta parte los protagonistas son la kalimba y una shakuhachi. Aquí decidimos explorar el lugar caminando. Empezamos dejando ese valle montañoso  en que estábamos y entramos a un bosque. La caminata es lenta. Nada nos acecha, pero el explorar algo nuevo y desconocido nos da cierta tensión. Pero es una tensión bella, de esas que nos incitan a seguir explorando. Los arboles y los animales que se encuentran ahí parecen moverse de forma peculiar, como si estuvieran bailando. Las gotas caen de las hojas de los arboles al compas de nuestra caminata y de la música.

En la 7ma parte Micus combina el sinding, raj nplaim y su coro multipista. Luego de seguir caminando, la luz en el cielo es cada vez más pobre y llegamos a un estilo de cueva con una pequeña fuente y un fino rayo de luz que alumbra muy poco. El eco del correr del agua inunda de belleza todo el espacio.

En la 8va parte, la instrumentación es muy parecida a la de la última parte de “Wings Over Water”: flauta y una sección de zithers. Como dije, junto a la 2da parte, esta es la mejor. Aquí también se llega a una paz infinita. Pero es muy diferente. Mientras que en la 2da el sentimiento es de tranquilidad y belleza muy inocente, aquí es más misteriosa y mágica, tal vez más tenebrosa. Al salir de la cueva, ya es la noche. El bosque es oscuro y solo se ven las estrellas y se nota un poco la copa de los arboles. Hay una briza muy gentil y un poco fría. El aire se respira mucho mejor, como que llega hasta el fondo de nuestro cuerpo. Al salir del bosque y ver las montañas, se ven colores increíbles logrados por la poca luz que recibe el lugar de una luna nueva visible.

En la 9na parte los instrumentos son el sinding, zither bajo y nohkan. Este tema es un poco mas movido y por momentos hace recordar a los temas andinos compuestos por Gustavo Santaolalla (lo cual es posible porque la región andina es una de las tantas que ha explorado este músico. Aquí nos despertamos en las afueras del bosque con un sol de la mañana bien rojo y empezamos a caminar de a poco hacia donde nos encontrábamos en el principio. A medida que caminamos, vamos logrando comprender lo que hemos vivido hasta ahora. Las cosas que vemos ya no son conocidas, pero por 1era vez las entendemos. Somos lo que vemos y lo que nos rodea.

Para la 10ma y última parte, el sho vuelve a dar el inicio, al cual luego se unen voces y finalmente el raj nplaim. Aquí hemos llegado nuevamente a donde nos encontrábamos en el inicio. El paisaje son nuevamente montañas en la mañana, nubes cruzando por ellas, el pasto fresco, pero ahora es diferente. Ahora es como si fuéramos parte de esto. Para llegar a estar en un estado pleno emocional uno tiene que ser consciente de sí mismo, luego de lo que lo rodea (poder apreciarlo, entenderlo, sentirlo) y finalmente lograr unir ambas. En este momento ya lo hemos logrado. Las hojas se mueven con el viento; nosotros nos movemos. El sol brilla; nosotros brillamos. Este paisaje y nosotros somos uno. Y ahora si podemos disfrutar y sentir a pleno esta paz y belleza.

Para los que habían leído la reseña anterior de este músico y lograron escuchar el disco, sin duda se darán cuenta de que es una experiencia muuuy diferente. Reitero, no es un viaje, pero si una búsqueda personal. No hacemos una gran travesía, pero si atravesamos un mar de sentimientos.

Es increíble como este disco logra transmitir tanto y llevarnos a este lugar tan mágico sin la necesidad de usar el virtuosismo compositivo o instrumental, solo virtuosismo sentimental.

Para muchos es una experiencia nueva y diferente, y les recomiendo profundamente escuchar el disco entero (Y EN ORDEN!!!) en algún sitio parecido al que describe la música (o al menos la que me hace imaginarme a mí).

Una obra maestra llena de belleza y misterio que sin duda merece un lugar en este Top 10

Lamentablemente, nuestros compañeros youtuberos no tuvieron muchas ganas de subir temas de este. Solo una solidaria persona se tomo el trabajo de subir la 9na parte:

Part 9 – The Child: http://www.youtube.com/watch?v=gMdldQCJrhM

Aun así, mi tiempo libre me da la posibilidad de subir la música a Youtube. Si algún lector sabe cómo puedo hacer para subir un archivo Mp3 y con una imagen como hace la mayoría de la gente, por favor díganme y me tomare el trabajo de hacerlo

Saludos y sigan leyendo!!!!

“Music is the Best” – Frank Zappa