Frank Zappa - "Roxy & Elsewhere"

No se si alguna vez han notado, pero siempre que escribo una reseña, termino la misma con una frase: “Music is the Best”. Y a continuación pongo siempre a quien le pertenece la cita: Frank Zappa.

Pues hoy, no sabia de que reseñar. Intenté con varios discos, pero ninguno me llegaba. Y finalmente decidí que era momento de escribir de este músico.

Para hablar de Frank Zappa en su totalidad, habría que usar un diccionario de música y leerlo todo. Y esto es porque no fue un Rock-Star, ni un Jazz-Man, ni un compositor de música Clásica, ni un guitarrista increíble. Fue todo esto, y mucho más.

Debe ser el ÚNICO músico que ha compuesto para todo estilo y combinado cada uno de ellos entre ellos. Creó Blues, creó Jazz, creó Rock, creó Jazz-Fusión, creó música Clásica, creó Folk, creó música Avant-Garde, etc, y al mismo tiempo los combinó. Es posible que lo haya hecho todo en algún momento.

Al mismo tiempo fue un increíble guitarrista, de los mejores que han tocado el instrumento en el planeta. Su forma de tocar es muy distintiva, al punto que cualquiera que conozca a Zappa, puede escucharlo y reconocerlo. Además, su uso del Wah-Wah pedal era único. Mientras que muchos guitarristas lo usan para hacer sonar la guitarra como si modulara (o sea haciendo wah), el a veces lo dejaba en una posición fija, como si fuera un efecto.

En su música nunca faltaba el humor. No solo las letras eran con humor, sino que sus actos en vivo y hasta la misma música tenia humor.

Sin embargo, la critica y análisis de la sociedad siempre estaba presente. Era un hombre que intentaba, mediante el humor y la música, hacer pensar a la gente.

Este músico, nacido el 21 de Diciembre de 1940, arrancó tocando la batería. Pero por 1957 decidió cambiarse a la guitarra.

Al mismo tiempo, su interés por composición y arreglos fue aumentando. Fue gracias a la revista “LOOK” que conoció al compositor de música Clásica Contemporánea Edgard Várese, quien fue desde ese entonces su mayor influencia. Con esto, Zappa empezó a investigar más sobre la música clásica, sobre todo la del siglo XX. En esta búsqueda conoció a Igor Stravinsky, el compositor de música Clásica más importante del siglo XX cuyo sonido ha sido la mayor influencia de todo este siglo y que ha sido adoptado para toda composición para películas y otras cosas que estén llenos de imaginación. Gracias a él, adoptó nuevas formas de composición y se inspiró mucho en sus cambios bruscos y potentes y sus melodías fantásticas e imaginativas para crear su música

Por varios años fue rotando por varias bandas, donde tocaba Doo-Wop, un estilo que ronda entre el Rock y el R&B (este estilo fue su 1er amor en la música). Pero finalmente consiguió formar su propia banda, The Mothers of Invention.

Esta banda fue de las más originales de los ’60, ya que tocaban Rock con arreglos bastante eclécticos, usaban sonidos muy raros y sus canciones eran muy locas. Su disco debut “Freak Out!”, salido en 1966, marcó a Zappa como un revolucionario, a tal punto que Paul McCartney citó al disco como la fuente de inspiración para transformar el “Sgt. Pepper’s” en un disco viajado y loco.

Pero de a poco la banda fue evolucionando. Ya en su 2do disco incluían vientos y empezaban a mostrar influencias de Jazz. Por ejemplo, el tema “Invocation & Ritual Dance of the Young Pumpkin”, es de los primeros temas en la historia donde se mezcla Rock con Jazz, creando así lo que se conoce hoy en día como Jazz Fusión. Al mismo tiempo, el comienzo de este mismo tema tiene extractos del movimiento “Júpiter” de la obra “The Planets” por el compositor de música Clásica Gustav Holst.

Ya por su 6to disco, “Uncle Meat”, la banda llegaba a su máximo punto musical, mezclando música Avant-Garde con Jazz y Rock. En este disco doble, mostraban el sonido del Jazz que se vendría. En “King Kong”, el sonido de lo que seria el Jazz Fusión está establecido de forma perfecta. Y la instrumentación (que contenía varios vientos e instrumentos de percusión) y composiciones con influencias de música Clásica Moderna seria la fuente de inspiración para bandas de Avant-Garde como la increíble banda del guitarrista y compositor Fred Frith “Henry Cow”.

Sin embargo, la banda se separó. Los músicos no eran tan serios con la música a veces, y Zappa quería una dedicación plena y rigurosa. Esto lo llevó a hacer su 1er trabajo como solista, y tal vez su más reconocido, “Hot Rats”. En este disco creó una música que no tenía un estilo para ser clasificado. Era Jazz, pero era Rock. Era música popular, pero era algo de otro mundo. Un disco totalmente instrumental en el cual era acompañado, entre otros, por Ian Underwood, un multi-instrumentalista que venía acompañando a Zappa desde su 3er álbum.

Con esto siguió creando más, y más, y más, y más discos. Cada uno era diferente. Nunca se sabia que esperarse de Zappa. A veces venia con un sonido con temas totalmente electrónicos, y en el último tema del disco se le ocurría poner un Blues.

Su muerte, en 1993, lo dejo con una discografía de 57 álbumes. Sin embargo, por su exhaustiva emoción por componer, hasta el día de hoy siguen saliendo álbumes con nuevo material. Hasta el momento, han salido 24 álbumes después de su muerte.

El disco que presento hoy no será su mejor álbum, pero es tal vez uno de los más completos para mostrar lo que fue Zappa en su totalidad.
“Roxy & Elsewhere” salió en Setiembre de 1974. Es un disco en vivo que cuenta con grabaciones en The Roxy Theatre de Hollywood en las noches del 10,11 y 12 de Diciembre de 1973, más 3 grabadas el 8 de Mayo de 1974 Edinboro State College de Pennsylvania.

Aquí podemos apreciar varios estilos que ha hecho Zappa: Rock, Jazz Clásico, Jazz Rock, Blues, instrumentales, Avant-Garde, Tango, improvisaciones y actos lunáticos en vivo. A veces uno duda si es en verdad es en vivo, ya que algunos temas son muy difíciles de tocar y lo logran con tal excelencia que no le erran a una sola nota.

Zappa, desde el inicio de su carrera, ha variado los integrantes que formaban su grupo. En este disco, The Mothers eran los siguientes:
-Frank Zappa: 1era Guitarra, Voz
-George Duke: Teclados, Sintetizador, 1era Voz
-Tom Fowler: Bajo
-Ruth Underwood: Marimba, Percusiones
-Jeff Simmons: Guitarra Rítmica, Voz
-Don Preston: Sintetizador
-Bruce Fowler: Trombón
-Walt Fowler: Trompeta
-Napoleon Murphy Brock: Saxo Tenor, Flauta, 1era Voz
-Ralph Humphrey: Batería
-Chester Thompson: Batería

Como verán, toda una big band. Aquí se puede ver lo aventurero que era Zappa como compositor, usando varios vientos y hasta 2 baterías.

Además, todos estos músicos son grandes de la música, sobre todo George Duke (quien ha tenido una exitosa carrera como solista en el Jazz Fusión) y Chester Thompson (quien ha sido baterista de grandes formaciones como una de las tantas de una de las bandas de Jazz Fusión mas importantes, Weather Report, y las formaciones post-Peter Gabriel de Genesis).

El disco cuenta con 10 temas:

1. Penguin In Bondage
2. Pygmy Twylite
3. Dummy Up
4. Village Of The Sun
5. Echidna's Arf (Of You)
6. Don't You Ever Wash That Thing?
7. Cheepnis
8. Son Of Orange County
9. More Trouble Every Day
10. Be-Bop Tango (Of The Old Jazzmen's Church)

El 1er tema, “Penguin In Bondage”, empieza con un introducción por Zappa explicando de que trata el tema, pero en si no termina diciendo nada (lo hace a propósito, obviamente).
El tema tiene una base bluesera con algunos elementos de Jazz. Como todos los temas de Zappa, cuenta con varios cambios de tiempos y velocidades. Empieza con el estribillo cantado por Zappa. Luego entre medio de los versos, añade pasajes instrumentales de aproximadamente 5 segundos totalmente disonantes. Y en la mitad del tema contamos con un solo de Zappa utilizando de manera increíble el Wah-Wah pedal. Vale la pena prestar atención a cada detallecito que pone (chiflidos, sonidos extraños, etc).

“Pygmy Twylite” empieza con un riff que imita la melodía que luego será de la voz. Lo interesante de este tema es como todas las notas de los instrumentos van al mismo tiempo que la voz. Sin embargo, el tema es prácticamente instrumental. Aquí los vientos llevan todo el tema adelante.

“Dummy Up” esta conectada con “Pygmy Twylite”, al igual que la ultima con el 1er tema. Por ende, los 3 sonarían como si fuera una sola y larga canción. El tema es un perfecto ejemplo de la improvisación de la banda, ya que es en si una base de batería, bajo y teclados, mientras que Napoleón Murphy Brock se hace pasar por una persona totalmente estúpida mientras que los demás le toman el pelo. Al mismo tiempo, hay alguno que otro solo de alguno de los instrumentos. Es un diálogo que, para sacarle el jugo y de verdad reírse, hay que escucharlo con atención (lo ideal seria verlo en la pantalla para entender mejor lo que pasa).

Seguido de esto, está “Village of the Sun”, un tema que habla de un pueblo en el que solía vivir Zappa. Este tema de Jazz clásico cantado con algo de Rock es el estilo que marcaría las canciones cantadas de Zappa hasta el día de su muerte. Aquí, aunque no hay ninguna complejidad en cuanto a tiempos y velocidades, son muy interesantes las melodías y las bases musicales.

“Echidna’s Arf (Of You)” no solo es de los temas instrumentales para banda mas complejos de Zappa, sino que es también de los temas mas cambiantes en cuanto a melodías. En total tiene 11 partes diferentes, lo cual es prácticamente una demencia teniendo en cuenta que el tema dura solamente 3:53. Aquí hay cambios de ritmos, tiempos, partes con pasajes dementes, y mucho más. Lo increíble del tema es como, a pesar de que cada parte es bastante distinta a la anterior y la siguiente, la idea del mismo se mantiene. Más lo es el hecho de que no se podría encasillar en ningún estilo musical. Es imposible, de verdad. Creo yo que es de los mejores temas de Zappa y de los mejores para describir el gran y original compositor que era.

“Don’t You Ever Wash That Thing?” es una canción instrumental casi que totalmente improvisada. Empieza con una melodía cortante, seguida de otra muy loca que hace recordar a la de un dibujito. Estas 2 melodías se repiten de tanto en tanto a lo largo del tema. Entre medio tenemos un extenso solo de trombón, otro de teclado y otro de batería.
Casi que por el final, Zappa hace un solo increíble con una base rockera. Ya por el final aparece un pasaje algo Avant-Garde.

“Cheepins” es una parodia a las películas de terror de bajo costo. En este tema la voz canta y siempre le responde una melodía hecha por los instrumentos. Aquí es interesante la voz, que canta con una gran potencia. De repente, en la mitad, todo el tema cambia a una melodía escalofriante y terrorífica, seguida por una parte muy funky. Luego vuelve al verso principal, pero esta vez se unen más voces.

“Son of Orange County” es una versión diferente de un tema de los ’60 por la banda original, la cual se llama “The Orange County Lumbre Truck”. Esta versión es mucho mas lenta y desolante.

“More Trouble Every Day” es también una versión diferente de un tema viejo. Este es del 1er disco de Zappa. A diferencia de la versión anterior. Esta es mucho más potente y agresiva, con una cantidad de vientos y voces haciendo la melodía. Es un tema sucio y desafiante. También incluye el mejor solo de Zappa del disco.

Finalmente tenemos el mejor ejemplo de lo que es un concierto de Zappa: “Be-Bop Tango”. Empieza como un supuesto tango (ya que los tiempos son los mismos a los de un Tango, pero las melodías son muy dementes, al estilo del Free Jazz). En todo este pasaje instrumental hay varios solos por los músicos que llegan a ser los mejores del disco. Pero el tema se pone bueno cuando llega una interacción de la banda con el publico, en donde Zappa llama a algunas personas al escenario y estas tienen que moverse al ritmo de lo que George Duke canta y toca en los teclados. Finalmente, la banda termina el concierto despidiendo el tema con una parte bluesera a-la-B.B. King.

Esto no es solo una demostración del genio que era Zappa, creando varios estilos musicales y combinándolos al mismo tiempo con el objetivo de conseguir un sonido único, sino que es también una demostración de lo que una banda puede llegar a hacer en vivo.

Aquí se rompe el mito de que en vivo las cosas pueden estar peor que en el estudio en cuanto a arreglos y calidad de ejecución de los instrumentos. Los músicos de este concierto tocan e improvisan los temas con tanta excelencia que parece que fuera grabado en un estudio.

Todo esto es porque no era una banda cualquiera, era una mega banda. Todos músicos increíbles con una enorme práctica, ensayo y dedicación.

Además lo que se escucha acá no son canción típicas, son obras con arreglos desafiantes y variados. Una forma de mostrar como Zappa no era ni un rockero, ni un jazzero, ni nada de eso, sino que todo eso y más que nada un compositor serio y disciplinado.

A lo que llegó este hombre es algo a lo que nadie ha llegado y es muy difícil que otros lleguen. Porque no solo pudo componer tantas cosas en tantas variedades de estilos, sino que también tuvo éxito. Es la mezcla perfecta: música seria con éxito. De esta manera pudo hacer que gente con un oído no tan exquisito pudiera enriquecerse con música más seria y compleja.

Ya quisieran todos los músicos ser un Zappa.

Saludos!!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa (Y más que nunca)

The Moody Blues - "Every Good Boy Deserves Favour"

Hoy nos vamos al pasado (de nuevo).

Esta vez me puse a pensar que estilo musical no había traído aun. Y ahí se me ocurrió en traer uno de mis preferidos: Rock Progresivo.

Sin embargo, este no es el típico Rock Progresivo el cual uno se imaginaria: canciones de 20 mins con varios pasajes, muchos sintetizadores y varios solos arrazantes. Este es un Rock con canciones de duración normal, pero con arreglos increíbles. Y solo una banda fue capaz de lograrlo en forma tan exquisita y variada: The Moody Blues.

Esta banda inglesa, en su formato clásico, consistía de Justin Hayward (guitarra), John Lodge (bajo), Michael Pinder (teclados), Ray Thomas (flauta) y Graeme Edge (bateria). Todos componían temas para la banda, y cada uno cantaba su composición (por lo general).

La banda arranco en 1964. En ese entonces, los únicos integrantes que formarían el formato clásico eran Pinder, Thomas y Edge, a los cuales acompañaban Denny Laine en guitarra (quien seria luego guitarrista de la banda Wings de Paul McCartney luego de The Beatles) y Clint Warwick en bajo.

En sus comienzos, la banda tocaba el típico Rythm & Blues de la época. Pero cuando llegaron Lodge y Hayward, hubo un giro de 180º. La idea de los 2 nuevos integrantes era hacer Rock pero con grandes arreglos.

Y la maestría de la banda se mostraría con su segundo álbum “Days of Future Passed”. En este álbum, el cual es el 1er álbum conceptual de la historia, la banda, junto a la London Festival Orchestra, compusieron una obra cuya temática era la vida del hombre a través del día. Esta estaba dividida en partes, siendo ellas la mañana, mediodía, tarde y noche.

El álbum tuvo un gran éxito y llevo a la banda a la gloria. Y con esto empezaron a sacar más álbumes, todos ellos con un concepto propio. Serian 7 los álbumes que sacarían antes de su separación en 1974 (aunque se reunirían de nuevo en 1977), y son estos los que forman lo que se conoce como su discografía clásica.

La banda, aunque es considerada como Rock Progresivo, logra mezclar varios estilos, como Rock Clásico, Folk, Música Medieval, Música Clásica, entre otras. Pero lo increíble es que en un mismo tema pueden estar todas estas cosas juntas, creando un sonido único.

El disco que traigo hoy es “Every Good Boy Deserves Favour”, el 6to de estos 7 álbumes. Este salio a fines de Julio de 1971, y es tal vez, de los 7, el mas olvidado.

Sin embargo, es, en mi opinión, en el que logran el punto máximo de expresión. Aunque no cuentan con ninguna orquesta (en el disco, todo lo que suena a orquesta esta logrado con un mellotron, el cual era un teclado que podía simular el sonido de instrumentos de cuerda), los arreglos son increíbles, tanto instrumentales como corales, siendo los últimos los mejores que han hecho en su carrera. Además, es el disco en que han logrado la mayor variedad de estilos en los temas, teniendo cada uno un sonido muy propio y diferente al de los demás temas.

El disco tiene la magia de sonar como algo enorme. Cada canción parece algo increíble y poderoso. Cada instrumento suena como una fuerza increíble, y entre todos crean algo gigante y poderoso.

El disco cuenta con 9 temas:

1. “Procession”
2. “The Story in Your Eyes”
3. “Our Guessing Game”
4. “Emily’s Song”
5. “After You Came”
6. “One More Time To Live”
7. “Nice To Be Here”
8. “You Can Never Go Home”
9. “My Song”

El 1er tema, “Procession”, es el único tema escrito por todos los miembros de la banda juntos. En este se intenta mostrar la evolución de la música. Empieza con un teclado muy bizarro, creando unos sonidos muy espaciales, tal vez intentado aparentar a los sonidos de la naturaleza. De repente, los integrantes de la banda empiezan a gritar 3 palabras sobre un fondo de viento: “Desolation”, “Creation” y “Communication”. Luego le sigue unos tambores mientras que la banda hace un canto de tribu. Luego una música oriental, seguido de algo celta; luego algo medieval; luego algo barroco; luego algo clásico. Finalmente llega al Rock, dando a los 1eros acordes del tema que abre el ritmo del álbum.

“The Story in Your Eyes”, escrita y cantada por Justin Hayward (recuerden que siempre los temas son cantados por el escritor de los mismos), abre el álbum potentemente. Es un tema algo desesperante, como un estilo de escape. En esta canción ya se pueden empezar a notar los excelentes arreglos. Tenemos por un lado los cantos de los demas integrantes que hacen coros mientras Hayward hace el estribillo de la canción. Por otro lado tenemos un piano que pasa de lo Clásico al Rock a lo largo del tema.

“Our Guessing Game” es de los mejores temas de la banda. Escrita por Thomas, aquí llegan a crear una música muy feliz que hace explotar el alma. Empieza con un piano y la voz de Thomas, ambos haciendo una melodía que parece de un palacio antiguo. Luego se van uniendo las voces de los demas. Y es en el estribillo donde llega a un clima increíble. Junto a percusiones potentes, cada integrante de la banda canta una melodía diferente, creando un coro increíble. En el final, este estribillo es repetido una y otra vez, pero de forma más poderosa aun. Es un tema que pone con alegria y felicidad por la vida a cualquiera que lo oiga. Y todo esto es gracias a la increíble interpretación de voces por la banda.

“Emily’s Song” es el tema tranquilo del álbum. Escrita por Lodge, es cantada a 2 voces, mientras que unos teclados agudos y melosos y unos cellos los acompañan. Es muy tierno. Y aunque la progresión de acordes, de haber sido hecha en una guitarra, sonaría como un tema totalmente ordinario, son los arreglos para piano y cellos que lo hacen tan magnifico.

Con “Alter You Came” la banda se pone rockera. La canción, escrita por Edge, arranca en un volumen bajo. Pero de a poco va subiendo e instrumentos se van uniendo hasta llegar al estribillo, donde todo se vuelve monumental.

“One More Time To Live” es de las mas cambiantes y aventureras del disco. Escrita por Lodge, empieza con unas flautas y unos teclados tranquilos, haciendo una melodía que hacer recordar al sentimiento de cuando uno suspira por conseguir algo. Cuando arranca la voz, la letra describe el sentimiento perfectamente: “Miro por mi ventana el mundo pasar”. Cuando llega el estribillo, otras voces se unen y un teclado produce un sonido que de a poco va aumentando hasta dejar el tema en un estado fuerte. Finalmente llega un cambio total. Los músicos vuelven a cantar las palabras del 1er tema del disco mientras que los instrumentos tocan melodías tristes y de perdicion.

“Nice To Be Here” hace recordar a un grupo de boy-scouts caminando por los bosques en busca de aventuras. Es un tema como mucha alegria e infantilismo.

El penúltimo tema, “You Can Never Go Home”, es uno de los temas que mas crecen en la música. Empieza con un bajo tocado a un volumen casi que inescuchable y la voz de Hayward, quien compuso el tema, cantando con una voz casi que susurrada. Llegada la 2da parte del tema, su voz va creciendo hasta llegar a notas agudas cantadas con una fuerza y pasión inmensa, mientras que los teclados simulan un sonido de orquesta. Llegado el estribillo, el tema se pone rockero. Y nuevamente se puede escuchar un coro increíble y lleno de vida. Aquí la potencia llega casi que al mismo punto del 3er tema del disco.

Finalmente llegamos a la canción más deslumbrante, aventurera, desafiante y compleja del disco, y tal vez de todo el material que ha hecho la banda en su historia. “My Song”, escrita por Pinder, es, en pocas palabras, “un viaje”. Aquí pasamos por varios estilos musicales. Pero es mas increíble como es todo homogéneo y fantástico, es como una historia de ciencia ficción. Empieza con los teclados haciendo sonidos de orquesta. Poquito después Pinder empieza a cantar y a tocar en el piano una melodía algo triste con una onda algo clásica. En el estribillo, los demas instrumentos se unen, tocando una melodía con alegria y fuerza, que rápidamente se entristece de nuevo. En un momento la voz se calla, mientras que una guitarra hace un solo muy simple bajo la misma base. Luego un piano hace una subida que parecería la que hacen las arpas y de repente un teclado con sonido a orquesta hace un fuerte acorde. Extrañamente todo se detiene y queda susurrando un sonido a viento, mientras que una voz respira y un vibráfono hace una melodía muy aguda y de poco volumen. Luego de a poco, el vibráfono y una flauta hacen una melodía que va creciendo de a poco. En momentos se puede escuchar una guitarra. Luego unas cuerdas hechas por el teclado y unos coros celestiales se van uniendo. Todo da a parecer a que algo poderoso se viene. De la nada, la guitarra distorsionada, una batería fuerte y los demas instrumentos arrancan una ritmo fuerte que hace imaginarse a que una bestia gigante esta a punto de ser liberada. Y finalmente llega. Todo explota con una riff muy poderoso y espeluznante, mientras que unas voces hacen un canto de desesperación y pérdida. Se puede sentir como esta bestia va destruyendo todo a su paso y todo a su alrededor cae en llamas. Finalmente todo vuelve a tranquilizarse y vuelve a repetirse el comienzo. Sin duda una composición extremadamente compleja y llena de imaginación.

Este disco es de esos que uno no entiende como no ha llegado a ser tan reconocido como debería serlo. Casi nunca se escuchan discos con canciones en formatos y duraciones típicas pero con tantos arreglos increíbles que terminan siendo nuevos estilos musicales.

Es una banda que, aunque ninguno se destaca por una increíble habilidad en su instrumento, logra canciones con arreglos increíbles que finalmente llegan a ser obras de arte.

Y son tan precisos y complejos estos arreglos que me atrevo a decir a que superan en gran parte los de bandas como The Beatles y Led Zeppelín (lo cual me cuesta decir ya que Led Zeppelín es para mi la mejor banda de la historia).

Este disco tiene algo que casi ningún otro logra. Cuando escuchamos una canción, se puede llegar a sentir que los instrumentos llegan a una potencia increíble. Pero en este disco, todos los temas llegan a algo más. No son los instrumentos los que llegan a esa potencia, sino que toda la música en si. Es música que no tiene una palabra para describirla. Lo mas cercan es a algo que se puede sentir que es gigante, lleno de espacio e iluminación, como una explosión.

Este disco es un verdadero hito, y es, en mi caso, uno de los mejores discos que he escuchado en mi vida. Y me atrevo a decir que es el mejor disco del cual he escrito hasta ahora.

Espero que sientan esa grandeza al escucharlo.

Dejo para escuchar los temas:

"Procession": http://www.youtube.com/watch?v=2K0fbcABS_Y

"The Story In Your Eyes": http://www.youtube.com/watch?v=jAKrbE4Ui1c

"Our Guessing Game": http://www.youtube.com/watch?v=T2Z6H5hnXwU

"Emily's Song": http://www.youtube.com/watch?v=TAWWR7g7vAE&feature=related

"After You Came": http://www.youtube.com/watch?v=Cxh9dm7V3jE&feature=related

"One More Time To Live": http://www.youtube.com/watch?v=9DvIBiaDwDM&feature=related

"Nice To Be Here": http://www.youtube.com/watch?v=xnPUhyZmm4I&feature=related

"You Can Never Go Home": http://www.youtube.com/watch?v=JKX6j5T5fO0&feature=related

"My Song": http://www.youtube.com/watch?v=8EwjQcqCAKU&feature=related

Sigan leyendo!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa

Vincent Vega - "Vincent Vega"

Antes que nada, debido a mi profunda y rigurosa investigación de blogs ajenos, he decidido subir los discos que reseño para bajar. Si les es de interés, todos los discos que he reseñado hasta ahora ya están para bajar en sus respectivas reseñas. Y la verdad es que se los recomiendo, porque sino no gastaría de mi tiempo para escribir tanto...

Hoy vuelvo con algo de mi país: Uruguay.

Lo que traigo hoy es un dúo Folk que hizo su aparición en la escena musical el año pasado, y meses después, a fines del mismo, lanzó su primer álbum.

Vincent Vega (nombre sacado por el personaje del film “Pulp Fiction” de Quentin Tarantino, el cual es interpretado por John Travolta) consiste en 2 guitarras y 2 voces, instrumentos que son tocados por Matías González y Mauricio Sepúlveda (el último siendo un muy buen amigo mío al cual conozco hace mucho tiempo y he podido escuchar evolucionar musicalmente). También, en algunos temas, se une una pandereta, guitarra eléctrica y/o maraca.

Como ya dije, la música es Folk. Pero no es el Folk que se viene escuchando últimamente, o sea, el conocido Folk-Indie. Este Folk tiene un sonido que podría revivir el sonido de los ’60 y ’70, pero obviamente con pizcas de hoy en día. E increíblemente tiene aspectos de grandes del Folk, como Dylan, Simon & Garfunkel, Nick Drake, e incluso cosas de The Beatles. Sin embargo, hay temas que se desprenden casi que totalmente de estas influencias y logran una originalidad casi que pura.

El dúo, aunque cuenta con poca instrumentación, logra crear todo un espacio mágico gracias a melodías y coros enredados y guitarras rasgueadas combinadas con guitarras punteadas.

Como es de imaginarse, la música es tranquila en sí, pero la variación de sentimientos trae varias caras al disco. Hay canciones que son bastante agitadas por los rasgueos fuertes; otras son algo melancólicas; otras son belleza pura.

El disco cuenta con 11 temas, más un bonus, el cual esta especificado en la caja mismo:

1. “Miro a través de la ventana”
2. “Huevo Maraca”
3. “De Piedra”
4. “Hacia el Sol”
5. “Un Pez”
6. “El piso se va a manchar”
7. “Podríamos haber sido amigos”
8. “Un poco más feliz”
9. “Sin Título #1”
10. “Del Campo a la Ciudad”
11. “Folkie” (bonus: “Otoño”)

“Miro a través de la ventana” inicia el disco con un punteo bien country, pero a los pocos segundos inicia otro que es un muy buen ejemplo de su sonido guitarristico: 2 guitarras haciendo melodías en espiral que, juntas, forman una sola voz con varios brillos.

“Huevo Maraca” fue el 1er tema que escuché del dúo, y sigue siendo mi favorito. En este tema, todo sucede de una forma tan rápida y mágica que uno tiene que escucharla una y otra vez. En este tema hay una maraca acompañando, dando un ritmo agil y movido, y luego una pandereta. Es un tema que empieza de una forma muy alegre, como si fuera un campo lleno de flores y luego, de a poco, se va desvaneciendo, haciéndonos ir dejando esa belleza y felicidad. Tal vez es esa la razón de la necesidad de volverla a escuchar una y otra vez.

“De Piedra” es el tema triste del disco. No es lento ni oscuro. Pero la melodía de las guitarras trae tristeza, como si uno hubiera perdido la esperanza. Y en esta tal vez se encuentra lo mejor en guitarra del dúo.

El 4to tema, “Hacia el Sol”, es el tema con la mejor descripción del disco. De verdad se puede sentir como uno va hacia un Sol en atardecer, liberando toda infelicidad y dejando el alma brillar.

“Un Pez” es un tema muy normal. Sin embargo, los cantos que van cayendo le traen un aire diferente.

El tema mas tranquilo y tierno del disco, “El Piso se va a manchar”, es una canción que podría sonar a una canción para niños. Es muy interesante como la melodía de la voz y la guitarra se repiten entre sí. Y más aun lo es el pasaje instrumental en la mitad del tema, en el cual una combinación de acordes incoherentes con otros desesperantes van acercando el tema hacia el final.

“Podríamos haber sido amigos” es el 1er tema del disco en que aparece una guitarra eléctrica. En momentos, puede hacer recordar a Dylan con una combinación de guitarras de David Gilmour de Pink Floyd.

En “Un poco mas feliz” también hay una guitarra electrica. En el verso principal, la combinación de la guitarra electrica con la acústica genera un estilo de trance, el cual se rompe y lleva a un lugar misterioso en el estribillo.

Aunque dudo que haya alguna influencia, el rasgueo de “Sin Título #1” suena al típico de Bruce Springsteen. Pero la guitarra electrica rockera que abre el tema le trae una onda sucia. Y en momentos, la guitarra hace riffs que podrían hacer recordar al “III” de Led Zeppelín. También hay algunas influencias psicodélicas al final del tema, con un enredo de guitarras eléctricas que, entre todas, suenan un poco locas.

“Del campo a la ciudad” es el tema más Dylanesco, tal vez por la harmónica que acompaña el tema. Pero claro, Dylan nunca contó con 2 voces que lograran coros bellos y melosos.

Previo al final, tenemos “Folkie”. Este tema consta de un acorde que es punteado a lo largo de casi todo el tema, mientras que la otra guitarra hace solos poco complejos, pero muy profundos. El tema tiene la capacidad de hacer sentir de que se está flotando, mientras que todo alrededor va cayendo por los costados.

Finalmente se encuentra “Otoño”. Este finaliza el álbum con el sonido característico del dúo: 1 guitarra rasgueando y otra haciendo un riff agudo, mientras que las voces cantan al unísono diferentes melodías. Es un muy buen final para el disco.

Odiaría decir que este dúo es prometedor, porque cuando uno dice eso, suena a que se cree que pueden llegar a algo mejor y que si se quedaran con lo que hay, no seria suficiente. En este caso, Vincent Vega no tiene nada que envidiar. En mi opinión (pero espero que no sea así), si este fuera su único disco en la historia, ya habrían hecho mas que suficiente.

El disco transmite perfectamente un sentimiento a través de varios temas muy diferentes. Sin duda que hay tranquilidad. Pero hay tranquilidades de varios tipos. Al mismo tiempo hay una demostración de que se puede llegar a excelentes y complejos arreglos con pocos instrumentos Es de lo mejor que salió en el 2009, y de lo mejor de la nueva generación de músicos del Uruguay.

Lo he escuchado en varias ocasiones y lugares. Hasta ahora, el mejor ha sido en un viaje en auto por la ruta, en la cual no había más que un paisaje de campo desértico y un cielo azul con algo de nubes en un atardecer brillante. Por ende, si les es posible, escúchenlo en una ocasión similar.

Este disco trae una paz enorme. Pero al mismo tiempo, no nos deja en el lugar en el que estamos. Es capaz de llevarnos a lugares brillantes floreados, llenos de felicidad, alegría compañía.

Vincent Vega no solo me ha sorprendido a mí, sino que también a muchas otras personas, incluyendo críticos de nuestro país. Y esto es porque las melodías rasgueadas combinadas con los punteos de las guitarras, las voces cantando diferentes líneas al unísono, y la unión de estas cosas demuestran que no son un par de muchachos que se juntan a tocar porque si. Hay un gran talento y futuro en este dúo, y esperemos que sigan trayéndonos de la magia de su música.

Para escuchar temas del disco y ver información del dúo, pueden entrar a: http://www.myspace.com/huevomaraca

En este caso, no subiré el disco. Por tratarse de un grupo que recién empieza, la mejor forma de subir su popularidad, además de la palabra de boca a boca, es comprando su disco. Para esto, pueden comunicarse con uno de los miembros del grupo mediante su mail: maurisepulveda@hotmail.com

El disco será subido, pero exclusivamente para extranjeros que no tienen forma de conseguirlo. Para ello, aquellos no-uruguayos que lo deseen escuchar, dejen un post aquí y se los pasaré. Los uruguayos pueden tomarse la delicadeza de hacer un esfuerzo y ayudar a un dúo que puede traernos más de su música si los ayudamos a conseguir fondos para que puedan pagar los costos de una grabación.

Saludos!!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa