Black Rebel Motorcycle Club - "Baby 81"

Antes que nada, quería decirles que estoy dejando links para bajar los discos en cada post. Lo digo porque he tenido varios comentarios como "voy a buscar el disco para bajarlo". En muchos casos puede que sea de cumplido. Pero de no ser así, no se tomen el trabajo. Yo dejo los links porque me interesa que todos escuchen el disco para lograr el objetivo del blog: expandir los gustos musicales de la gente.

La banda que traigo hoy es de la actualidad.

Aunque no es tan conocida ni reconocida y no haya ganado ningún premio ni nombramiento, ha llegado a alcanzar una apreciable fama mundialmente.

Son de las bandas más actuales que hay, no solo por su sonido, sino porque su formación es bastante reciente. Además los músicos son jóvenes.

Su sonido es una combinación de Rock Alternativo, Garage Rock, Hard Rock, Americana y Post-Punk. Por ende, el sonido rockero que esta siendo tocado por muchísimas bandas de jóvenes de hoy en día, como The Strokes, The White Stripes, Interpol, Kinas of Leon, The Vines, etc.

Aun así, su sonido es bastante identificable, ya que es más pesado y sucio con combinación de progresiones de acordes y melodías venidas del Folk y Delta-Blues.

Y su música es aun más potente en los casos de usos de letras de protesta contra el gobierno de su país.

El nombre de la banda es Black Rebel Motorcycle Club.

Fue formada en 1998 en San Francisco, California, EEUU. Su nombre es sacado del grupo de motoqueros que tenia Marlon Brando en la película “The Wild One”.

La formación, aunque ha variado, siempre ha sido un trío. Los únicos permanentes han sido el cantante y guitarrista Peter Hayes, proveniente de la conocida banda The Brian Jonestown Massacre, y el bajista y cantante Robert Levon Been. El baterista ha rotado, habiendo tomado el lugar, en orden cronologico, Nick Jago, Peter Salisbury, de nuevo Nick Jago, y actualmente Leah Shapiro.

Su primer disco fue lanzado en 1999 y re-editado en el 2001, y su segundo en el 2003. Estos discos tenían una gran influencia del Hard Rock de los ’70 pero con sonido de Rock Alternativo y Noise Rock de influencias como Sonic Youth.

En su 3er y tal vez el mejor disco, su sonido cambio drásticamente. En “Howl”, lanzado en el 2005, la música casi no contenía batería, por problemas personales de Jago. Era una música que volvía mucho a las raíces, como Folk, Americana, Delta-Blues, Gospel, etc. El disco no fue tan bien recibido como sus 2 primeros, pero demostraba que la banda estaba madurando.

Para su 4to disco, “Baby 81”, lanzado en el 2007, la banda volvía a su sonido de Garage y Alternativo, pero combinando lo que aprendieron en su disco anterior. Al mismo tiempo, tenían también un sonido un poco más moderno, con bastantes efectos y ritmos más movidos.

Un año después, la banda presentaba un disco totalmente diferente. “The Effects of 333” era un disco puramente instrumental, combinando Ambient con Noise y Drone Music. Era extremadamente experimental y difícil de escuchar. Por ende, no tuvo mucho éxito.

Ahora, hace exactamente 20 días, lanzaron su sexto álbum, llamado “Beat the Devil's Tattoo”. Su sonido se asemeja mucho al del disco anterior, aunque en varias canciones, como la 1era, se escucha el sonido presentado en “Howl”.

Aunque no es una banda que llame mucho la atención en cuanto a originalidad, ya que varias bandas andan rondando por los mismos estilos musicales, tienen un sonido un poco más sucio y canciones mas variadas. Es, tal vez, de las mejores bandas de hoy en día, y con “de hoy en día” me refiero a bandas que se formaron en los últimos años, no como Pearl Jam, Red Hot Chili Peppers, R.E.M., etc., que, aunque siguen tocando hasta el día de hoy y su sonido suena totalmente actual, vienen tocando hace mas de 20 años, algunos hasta 30.

Hoy voy a hablar de su 4to álbum, “Baby 81”. Aunque tal vez lo más razonable fuera que hablara de su último disco, ya que salió hace menos de 1 mes, no lo haré porque, además de que no lo he escuchado aun, al final del año, al igual que el año pasado, voy a hacer reseñas de los mejores discos del año. Como puede que este ultimo esté entre ellos, no me gustaría repetir la reseña.

El nombre del disco es tomado del apodo que recibió un bebe sin identificación que sobrevivió al terremoto submarino del 2004 que tuvo como epicentro la costa oeste de Sumatra, Indonesia.

Como dije, este disco salió en el 2007 y “la banda volvía a su sonido de Garage y Alternativo, pero combinando lo que aprendieron en su disco anterior. Al mismo tiempo, tenían también un sonido un poco mas moderno, con bastantes efectos y ritmos mas movidos”.

Incluso la distorsión es como más moderna. No es el sonido sucio como el de The Ramones, Neil Young, etc. Es una distorsión más industrial.

También hay varios juegos de guitarras simples que le dan un aire más juvenil y baterías con ritmos bailables (aunque los temas no son para nada bailables en si).

Las voces son notoriamente de jóvenes, sobre todo por la pronunciación. Aun así, llegan a gritos agudos y crudos que le dan una onda mas pesada.

Los ritmos en muchos momentos son más lentos y densos, pero gracias a las guitarras súper fuertes y golpes de batería como cañonazos, le dan una onda más dura y agresiva.

El disco cuenta con 13 temas:

1. "Took Out a Loan" 
2. "Berlin" 
3. "Weapon of Choice" 
4. "Windows" 
5. "Cold Wind" 
6. "Not What You Wanted" 
7. "666 Conducer" 
8. "All You Do Is Talk" 
9. "Lien on Your Dreams" 
10. "Need Some Air" 
11. "Killing the Light" 
12. "American X" 
13. "Am I Only” 

El disco arranca con "Took Out a Loan". Ya en el riff del comienzo se puede ver como logran incorporar el Blues que hicieron en su disco anterior con el sonido Garage y Alternativo del cual son más conocidos.

“Berlin” ya empieza a tener ese toque mas moderno y los ritmos “bailables” de los cuales hablaba. Aquí se pueden ver varios juegos de guitarra gracias al Overdub.

El mejor tema del disco es sin duda “Weapon of Choice”. Este empieza con una guitarra acústica y una pandereta que hacer recordar al disco anterior. A los segundos se une la batería y el bajo junto a una voz con un efecto parecido al Reverb. Y en el estribillo explota todo, creando como un sinfín de sonidos en el cual no se distingue todo con claridad. Cuando vuelve al verso de la canción, vuelve con la misma melodía pero con guitarras distorsionadas. Entre medio del tema hay un cambio bastante Rock-Pop. Y en el correr se pueden escuchar varias guitarras ruidosas y riffs muy buenos. La letra tiene la crítica política de la que hablaba, con frases como “No desperdiciaré mi amor en una nación”. Sin duda una canción muy elaborada y especial.

“Windows” empieza con un piano tocado por Been. La onda, por el piano y la voz, puede hacer recordar a veces a canciones de Oasis. Igual la similitud no es tan grande, ya que hay varias guitarras ruidosas con sonido Noise Rock.

“Cold Wind” es una canción muy Garage Rock, con distorsión bien industrial. Son interesantes las melodías en intervalos de 4ta en el estribillo y las guitarras dementes que le siguen al mismo.

“Not What You Wanted” es una canción muy Folk con una onda como la del primer disco de Kings of Leon. Pero unos minutos después le añaden guitarras típicas de Rock Alternativo e Indie-Rock.

El siguiente tema, “666 Conducer”, es el tema mas bluesero y oscuro. Aquí se pueden notar las influencias del Rock de los ’70, como Led Zeppelín. Es más, el tema se asemeja al último tema del disco “IV” de Led Zeppelín, “When The Levee Breaks”. Aun así, seguramente sea un poco más sucia y callejera.

“All You Do is Talk” empieza con unos teclados y unas guitarras que crean un ambiente espacioso y mágico. Unos segundos después, se une una voz con una melodía muy poderosa. Esta combinación puede recordar a esas canciones de libertad y esperanza de Bruce Springsteen. Luego siguen la misma melodía la guitarra, bajo y batería. Pero lo mejor del tema aparece en la mitad del mismo, con un pasaje instrumental más potente. Un tema muy poderoso con una gran transmisión de sentimientos alegres. Tal vez el 2do mejor tema del disco.

“Line in Your Dreams” es una mezcla perfecta entre Garage Rock y Rock Alternativo. Es como que no se puede diferenciar bien uno del otro.

“Need Some Air”, de ser un poco mas rápida, seria un tema muy Punk. Pero aquí lo esconden con una batería con ritmo aun más bailable que “Berlin” y un montón de guitarras ruidosas y sonidos poco distinguibles.

El ritmo y las melodías de la guitarra en el verso de “Killing in the Light” hacen recordar mucho, pero mucho a Nirvana. Pero no el Nirvana sucio y pesado, sino los temas más lentos y psicodélicos de los mismos. En el estribillo se va un poco de la onda, llevándolo al estilo de los temas anteriores. En un momento se puede escuchar un mini punteo de la guitarra que suena mucho al Acid Rock de los ’60.

“American X” es el tema épico del disco, durando un poquito más de 9 minutos. Aquí se puede sentir como la música nos lleva a un lugar de perdición. En el estribillo, este sentimiento se acentúa. Lo más interesante del tema son las varias improvisaciones que aparecen en el correr del tema, pareciendo que fuera grabado en vivo más que en estudio.

“Am I Only” empieza con una guitarra acústica, un conjunto de cuerdas y la voz con una melodía melancólica, pero al mismo tiempo un poco tenebrosa. A los 2 minutos, aparece el trío con una explosión de ruido. La misma idea se repite en el correr del tema, aunque en la parte acústica aparece una batería. Un final bastante estallante y oscuro.

Este disco puede que no llame mucho la atención entre otros de la actualidad. Hoy en día todos hacen Rock Alternativo, Noise Rock y lo que se conoce como Garage Rock Revival. Tenemos a The Strokes, The Vines, Artic Monkeys, Interpol, The White Stripes, Oasis, The Killers, Kings of Leon, The Libertines, Bloc Party, Jet, Yeah Yeah Yeahs y la lista sigue y sigue.

Pero esta banda tiene un toque especial que nadie tiene: el Blues y Americana. Y es gracias a esta combinación que logran un estilo más pesado y ruidoso, más oscuro y tenebroso. Más original.

En muchos casos, las canciones son eso: canciones de Blues o Folk tapadas entre sonidos y ritmos de la actualidad.

Es una banda que no ha tenido ninguna baja en su material y demuestra una gran madurez en su música, arriesgándose a explorar sitios que otros nunca se atreverían para no perder su comercialismo, como el Delta-Blues y Ambient Music.

Su último disco parece prometedor y, de llegar a ser tan bueno como este o mejor, puede que llegue a ser de lo mejor del año.

Esperemos que esta vez gane más reconocimiento, el que merece.

Dejo los temas para escuchar:

"Took Out a Loan": http://www.youtube.com/watch?v=Day6N6DD8XA

"Berlin": http://www.youtube.com/watch?v=TWC_g5lXZ74

"Weapon of Choice": http://www.youtube.com/watch?v=YutsXRzQjck

"Windows": http://www.youtube.com/watch?v=ivZHtvSObBc

"Cold Wind": http://www.youtube.com/watch?v=2IR3RiEyapA

"Not What You Wanted": http://www.youtube.com/watch?v=JYVTtK4M4PE

"666 Conducer": http://www.youtube.com/watch?v=N6fhsaZPecA

"All You Do Is Talk": http://www.youtube.com/watch?v=jw657-76vok

"Lien on Your Dreams": http://www.youtube.com/watch?v=EDY2UuM-lWA

"Need Some Air": http://www.youtube.com/watch?v=CPXouESvNiU

"Killing the Light": http://www.youtube.com/watch?v=SJZ1I6YSOro

"American X": http://www.youtube.com/watch?v=_nVWADNOwGo

"Am I Only”: http://www.youtube.com/watch?v=NGwtB-Fn8d8

Saludos!!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa

 

Stephan Micus - "Wings Over Water"

Hoy voy a hablar de un disco único, un disco que no tiene semejanza alguna con nada. Es algo así como una travesía a través de paisajes enormes y montañosos, y colores y figuras indescriptibles.

Es un sonido que combina las músicas e instrumentos tradicionales de culturas con centenas de existencia, creando una música que reúne el espíritu y el corazón de todas ellas. Y de esta forma crea un mundo fantástico; un mundo que paisajisticamente se asemeja a lo mas bello de nuestra naturaleza, pero en donde todo es mas bello, mágico y aventurero.

El creador de todo esto y este fantástico álbum se llama Stephan Micus.

Este músico, nacido en Alemania en 1953, hizo su 1er viaje al Oriente a la edad de 16. Quedando fascinado con la diversidad de estilos musicales e instrumentos que se encontraban en este territorio, empezó a investigar sobre ellos.

Desde ese entonces ha viajado alrededor de todo el mundo, Asia, África, Sudamérica, etc., buscando nuevos estilos musicales y nuevos instrumentos. Cada vez que encuentra un instrumento desconocido, busca al mejor maestro local del mismo y aprende a tocarlo al máximo.

Sin embargo, el objetivo de Micus nunca es tocarlo exactamente como lo dicta la forma tradicional del mismo, sino buscar formas alternativas para expresar su música de la manera más perfecta. Por ejemplo, ha usado instrumentos de cuerdas como percusión.

Al mismo tiempo, su música nunca se concentra en un estilo musical específico. Aunque cada disco tiene su propio sonido e influencia, siendo cada uno una música totalmente diferente del anterior y siguiente disco, siempre combina varios sonidos diferentes, ya sea música China con música Africana o cualquier otro tipo.

Con esto, a su vez, combina instrumentos que no tienen ninguna relación entre sí, por ejemplo una flauta Africana con una percusión de Marruecos, etc.

Con todos sus viajes ha llegado a aprender más de 43 instrumentos.

La guitarra, ya sea de cuerdas de nylon o cuerdas de acero, siempre está presente. Pero su forma de tocarla es única y muy distinguible, sobre todo porque generalmente usa guitarras especiales, como de 10 o 14 cuerdas.

También utiliza mucho su voz. Y sus letras tienen un lenguaje inventado. Según el músico, sus palabras no tienen ningún significado, pero las elige de forma de que la música suene tal cual como el la siente.

Micus lanzó su 1er álbum en 1976, llamado “Archaic Concerts”. Aunque no fue muy popular, fue lo que llamo la atención del productor Manfred Eicher, productor y fundador de la discográfica ECM.

Ya su 2do álbum, “Implosions”, fue lanzado por esta discográfica. Y desde entonces se ha mantenido en la misma. Con esto pudo alcanzar más fama.

Aunque no es un músico muy conocido, en comparación a mucho de los músicos de los que he escrito, tiene una enorme cantidad de personas que sigue su trabajo.

Lo que tiene este músico es que, una vez que una persona escucha su música, nunca más se despega de ella. Y esto es porque es atrapante e imaginativa. Cada álbum crea una nueva aventura, una nueva travesía. Y cada uno de ellos suena distinto. Ninguno se asemeja a ninguno.

Aunque su discografía es extensa y he escuchado muchos de ellos (no todos aun), el disco que presento hoy es, en mi opinión, su mejor trabajo y se ha ganado mi corazón en su totalidad, llegando a ser de los mejores discos que he escuchado en mi vida.

“Wings Over Water” fue lanzado en 1982 y es el 6to álbum del músico.

Todos los álbumes, como he dicho, crean paisajes y diferentes imaginaciones. Sin embargo, yo siento que este es el más homogéneo. En mi caso, de verdad puedo sentir como la travesía empieza y termina, como voy yendo por ciertos lugares y a medida que avanzo se presentan problemas. Aquí el paisaje es más visible y la aventura más difícil.

En este disco, Micus no usa tanta variedad de instrumentos como suele usar. En este caso, eligió 8 instrumentos diferentes:

• Nay: Una flauta egipcia hecha con un pasto de hoja perenne llamado Phragmites 
• Sarangi: Un instrumento de cuerdas tocado con arco de origen Hindú, cuyo sonido es parecido al de un Cello pero en este caso es usado como instrumento de percusión 
• Suling: Una flauta de origen Indonés también hecha con Bambú 
• Potes de flores de diferentes tamaños usados como instrumentos de percusión pero con notas 
• Zither Bavárico: Un instrumento de origen alemán con cuerdas cuyas extensiones no van mas allá que la de la caja de sonido. Por su forma de tocar, podría asemejarse a un arpa, pero de un tamaño mucho menor. Aún así, su sonido es muy diferente ya que las cuerdas están hechas de acero 
• Guitarra Española 
• Guitarra Acústica de 6 cuerdas de acero 
• Voz 

El disco es, en sí, toda una obra en partes, las cuales son 6.

Como en todos los discos de Micus, los temas tienen una base que fue compuesta previamente y al mismo tiempo improvisaciones por el instrumento con la voz principal.

Seguramente la razón de la homogeneidad del disco es por estar tocado siempre en una escala oriental de Mi, y por siempre tener como nota pedal (o sea como nota que define el acorde que mantiene el momento) a Mi también.

Como dije, el disco es una travesía. Pero es solitaria: somos nosotros con las montañas, el viento, el cielo, los atardeceres, y sin nadie a nuestro lado. Es una búsqueda personal.

Ahora empecemos con el viaje….

La 1er parte consta de 5 guitarras y la flauta Nay. Aquí podemos sentir el comienzo de la travesía que recorreremos. Empieza con una de las 5 guitarras haciendo una melodía muy simple. En pocos segundos, las demás guitarras se van uniendo hasta crear una melodía entrelazada, varias voces que nos van susurrando al oído. A ninguna la escuchamos por sí sola, pero si a todo el conjunto. A los 34 segundos del tema se une la flauta.

Con esta parte podemos imaginarnos a nosotros en un campo pequeño y oculto entre medio de cerros, con nuestra pequeña choza, armando nuestro bolso para empezar el viaje. El paisaje es del Oriente, parecido al de China o Japón. Son pastos muy verdes y valles montañosos. No esta muy alboreado.

Cuando empezamos a caminar, sentimos como varias cosas van volando con el viento que sopla a nuestro alrededor (representado por el entrelazado de las guitarras).

En la segunda parte, Micus toca Sarangi, 6 potes de flores y canta. Esta empieza con una percusión hecha con el Sarangi. No tiene un ritmo marcado; son como unos cantos rápidos que de a poco se van lenteciendo hasta llegar a un ritmo marcado. Por los primeros 2 minutos, esto se repite hasta que se une la voz, la cual canta de una forma muy calma pero misteriosa y no muy alegre.

Un rato después, el Sarangi arranca nuevamente una melodía rápida y sin pulso hasta que se le unen los 6 potes de flores para lograr una melodía rápida y desesperante. Mientras tanto la voz sigue cantando.

En el comienzo de esta parte, podemos imaginarnos que hemos entrado a un templo abandonado y vemos varios insectos caminar por todos lados y escondiéndose de nosotros. Vamos investigando el lugar, moviendo arbustos y árboles caídos que obstruyen nuestro paso.

Cuando la voz empieza a cantar, entramos a un lugar amplio, con el techo abierto. Apenas se puede ver el cielo porque esta cubierto de árboles gigantes. Canales de agua recorren el lugar. Sabemos que no deberíamos estar ahí. Y de repente empiezan a aparecer unos rayos de luz de colores.

Cuando se unen los potes de flores, llegamos a un momento en el cual todo se empieza a mover. Esos rayos de luz eran un llamado. Un viento enorme empieza a soplar alrededor nuestro y una oleada enorme de pájaros empieza a volar en círculos alrededor nuestro. Y con esto empieza a florecer el lugar. Varias plantas, como enredaderas y de flores coloridas, empiezan a salir debajo de nuestros pies y por las paredes. Todo se empieza a cubrir de hojas de color vede fuerte. De la nada, todo se detiene y las aves se van volando por el techo hacia el cielo. Las plantas y enredaderas, ahora de gran tamaño y longitud, cubren todo el lugar. Todo queda en paz y seguimos nuestro paso.

La 3er parte cuenta con 2 guitarras españolas y 9 potes de flores. Empieza con 1 guitarra haciendo un largo, lento y meditativo solo. Varios minutos después, se une la otra guitarra y los potes de flores para darle movimiento al tema. Luego de unos minutos, la 1er guitarra vuelve a hacer un largo solo hasta el final del tema.

En el principio, podemos imaginarnos un paisaje bastante vacío y arenoso. No hay ni un solo árbol o arbusto. Un cielo rojizo con algo de nubes está sobre nuestras cabezas y cerca nuestro hay un estilo de manantial natural. Es el momento de descanso y meditación.

En el momento en que se unen los potes y la otra guitarra, un viento empieza a soplar arena fuertemente y hay que dejar el lugar. La música recuerda a una escapada en caballo. Finalmente, cuando vuelve a estar solo 1 guitarra, volvemos a la calma y encontramos un lugar más alboreado, dejando el desierto detrás de nosotros.

La 4ta parte es la más corta, durando menos de 2 minutos. Esta consiste de un solo de Nay. El solo es lento, pero fuerte y con espíritu. Es algo así como un llamado. Es la canción más solitaria, pudiéndonos llevar a un valle gigante con paisaje de pradera. Esta melodía solitaria es el llamado del comienzo del día. El sol empieza a salir por detrás de las montañas y volvemos a seguir nuestro camino.

Para la 5ta parte, Micus decidió usar de nuevo el Nay y 22 potes de flores. El tema empieza con los potes haciendo una melodía con eco muy misteriosa. Mientras que algunos potes suenan constantemente, algunos van haciendo melodías que bajan y suben su volumen en poco tiempo, como si fueran susurros. Minutos después todo se tranquiliza y queda quieto.

Ahí es donde el Nay empieza a tocar una melodía danzante y mágica, mientras que los potes crean una melodía cortante. Luego de esto, los 22 potes logran un ritmo rápido y agitado, mientras que el Nay toca un solo con gran potencia. Esto sigue hasta el final del tema, donde los instrumentos se van lenteciendo hasta la nada.

Aquí entramos a un bosque gigante con árboles de inmenso tamaño. Hay algunas cascadas y ríos pequeños, pero no hay alturas; es todo plano. Los susurros de los potes son animales que nos están observando y se mueven rápidamente, de forma de que no los veamos. Vamos caminando con intriga.

Al Nay empezar a tocar, nos detenemos para intentar ver que está sucediendo. Todo está quieto, como si nadie hubiera estado ahí por años. De a poco el Sol va escondiéndose tras los árboles hasta que casi no se le ve.

De repente, cuando empieza la melodía agitada de los potes, toda una manada de animales empieza a correr a gran velocidad hacia nosotros, mientras que un fuerte viento también sopla en contra nuestro. Empezamos a correr para salvarnos. Pero un animal nos enviste y hace que quedemos sobre su lomo y seguimos andando sobre él.

En un momento nos caemos y los animales siguen su camino. El viento aumenta y empezamos a levitar gracias a él. A medida que la música se tranquiliza, vamos bajando lentamente hasta que todo vuelve a la normalidad.

Finalmente tenemos la 6ta y última parte. Esta es la mas larga y cambiante de todas. Para esta ultima, Stephan Micus toca 3 guitarras españolas, 4 Zithers Baváricos y la flauta Suling.

Esta parte empieza con una melodía muy calma por parte de una de las guitarras. Es una tranquilidad que muestra, con sus cambios de acordes, como todo se está resolviendo y llegando a su destino.

Unos minutos más tarde, esta y otra guitarra más tocan acordes arpegiados que dan el ritmo al tema mientras que una 3er guitarra hace un solo. En momentos se puede escuchar a un Zither tocar notas muy suaves casi que inaudibles. En un momento todo queda en una nota constante y sin movimiento.

Y ahí arrancan los 3 Zithers a tocar la melodía más bella y luminosa del disco. Esta melodía no es como nada que se haya escuchado antes, pues no son notas diferenciadas, sino que es como un entrelazado de arpegios que crean un espacio enorme y lleno de vida. Los Zithers empiezan a tocar suavemente, y a medida que sigue avanzando el tema, cada vez se hacen más constantes y fuertes, logrando un eco que crea un suspiro enorme y una iluminación del alma infinita.

Finalizado esto, todo vuelve a la tranquilidad. Los Zithers tocan acordes que quedan sonando por varios segundos mientras que el Nay toca un solo de pocas notas y muy largas.

Luego de esto, los Zithers nuevamente crean un entrelazado de notas y el Nay sigue su solo. Y todo termina con una nota constante de Nay y los Zithers yéndose poco a poco.

Con la guitarra del comienzo, podemos ver a lo lejos nuestro destino: el tope de la montaña más alta de todo el lugar. El sol ya está cayendo pero aun no es el atardecer. Observamos el lugar en que nos encontramos y nos aprontamos para empezar a subir hasta la cima.

Las guitarras que suenan juntas nos crean la melodía de nuestro paso, subiendo de a poco, sin prisa. No es una escalada difícil. Es cansadora por la altura pero no hay obstáculos. Es una montaña llena de pasto y pocas rocas. Cuando los Zithers empiezan a acompañar a las guitarras, es el aviso de que estamos llegando.

Finalmente, cuando todo se tranquiliza, hemos llegado. Vamos hasta la punta de la montaña y observamos todo el paisaje que nos rodea. Es un campo enorme sin ninguna vista al mar. Son campos de enorme extensión, el bosque que recorrimos a unos kilómetros, y algunas montañas de menor tamaño. Es puro pasto. En el horizonte se está escondiendo el Sol, el cual crea un cielo con una combinación de celeste y rojo. Hay algunas nubes que no están muy definidas, dándole al cielo un toque más bello.

Cuando los 3 Zithers empiezan a tocar la melodía entrelazada, respiramos profunda y pasivamente y nos dejamos llevar por el sentimiento que crea todo este paisaje. Un viento sopla sobre nuestras caras, llenando nuestras almas y corazones del sentimiento más poderoso y bello que hemos sentido en toda nuestra vida.

Con el Nay y los 3 Zithers tocando la melodía final, el viento empieza a soplar mas fuerte y varias hojas empiezan a volar alrededor nuestro. Pero es exactamente lo que queremos sentir: la mayor libertad de nuestra existencia. Finalmente el Sol cae completamente, al igual que todas esas hojas que volaban, y con esto termina nuestro viaje

Como podrán ver, no es un disco cualquiera. Es un disco con una profundidad sentimental y sonido de naturaleza gigante.

Lo increíble es como, a pesar de que cada parte es diferente de la otra, aun así se puede sentir que todo es parte de la misma historia.

Al mismo tiempo, no solo sorprende la habilidad multi-instrumentalista de Micus, sino la habilidad como un increíble compositor.

Nada en el mundo suena parecido a esto. Obviamente tiene influencias estilísticas de varias culturas, pero la forma en que las plasma, con el objetivo de crear una historia, es totalmente única.

Varios discos nos pueden hacer imaginar cosas. Pero son siempre situaciones normales o bastante posibles. Con este disco logramos una aventura con todo un poder imaginario de la naturaleza, al igual que paisajes basados en los más bellos del Mundo, pero todos juntos y en un nivel de mayor belleza, un nivel de perfección que logra traernos paz y una verdadera aventura.

Este disco no solo se resalta de cualquier otro disco que hayamos escuchado, sino que también se resalta entre cualquiera de los que ha sacado el músico.

Y es tal vez uno de los niveles máximos en la música: crear una travesía, una aventura en un mundo extraordinario, bello y natural, basado en nuestros paisajes mas increíbles, de forma de darnos cuenta de la belleza que nos rodea, abrazarla con toda nuestra alma y corazón, y llegar a un sentimiento tan profundo, mágico y místico que nunca olvidaremos.

Les dejo para escuchar la 1era y 2da parte:

1er parte: http://www.youtube.com/watch?v=1VcSxmjkTOg

2da parte: http://www.youtube.com/watch?v=NuqD5Z8fE2g&feature=related

Saludos!!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa

Neil Young - "Broken Arrow"

A todos nos sucede que hay músicos que podemos estar sin escuchar por un buen tiempo, pero cuando volvemos a pegarle una escuchadita, es como que nos viene un despertar y nos ponemos en una etapa obsesiva con ese músico, donde lo único que escuchamos es su música. Algo así como un drogadicto luego de años de estar sin consumir su droga y cuando vuelve a probar un poquilito, decae de nuevo en su obsesión.

Pues esto es lo que sucede con Neil Young (al menos en mi caso).

La última sobredosis de Young que tuve fue hace unos 5 meses. Ayer, escuchando el “Prarie Wind”, disco Folk que sacó en el 2005 y llegando a ser uno de sus mejores, empecé a sentir esa emoción que me da su música. Entonces me dije “No recuerdo muy bien el sentimiento de “Keep On Rocking in the Free World”. Tengo que escucharla”. Y ahí fue mi fin.

Neil Young es una de las influencias más grandes en la historia del Rock. Ya sea por sus canciones Folk, Country o Rock, ha llegado a ser la fuente de inspiración de bandas de gran nivel.

Su sonido Folk lo ha llevado a ser de los músicos mas dulces que hay, mientras que su Rock sucio y lleno de distorsión lo ha llevado a ser de los rockeros mas fuertes, siendo reconocido como “El Padrino del Grunge”, el estilo del cual Pearl Jam y Nirvana son tan reconocidos.

Además de ser un increíble compositor, su voz es un instrumento majestuoso. Llegando a veces notas súper agudas, se ha dado el lujo de cantar de forma increíblemente bella como de forma totalmente agresiva.

También es un guitarrista increíble que ha llegado a ser una gran influencia para guitarristas como Kurt Cobain de Nirvana, Thurston Moore de Sonic Youth, Mike McCready de Pearl Jam, etc. El es uno de los guitarristas que inventó el Noise Rock y de los primeros en el uso excesivo de la distorsión y feedback.

Este músico, nacido el 12 de Noviembre de 1945 en Ontario, Canada, se enamoró de la música al escuchar canciones de Rock, Doo-Wop, R&B y Country en la radio. Ahí conoció a Elvis Presley, quien ha sido una de sus máximas influencias y la inspiración de varios de sus temas, como “He was the King” y “Hey, Hey, My, My”.

Mienras atendia el liceo Earl Grey Junior High School, formó su primer banda: The Jades

Unos años mas tarde, Young dejaría los estudios liceales y se concentraría más en tocar en bandas de Rock.

Mientras vivía en Thunder Bay, Ontario, conoció a Stephen Stills, uno de los músicos mas aclamados de fines de los ’60 y comienzos de los ’70. En ese año, Young se fue a vivir a Los Angeles, EEUU.

Un año mas tarde, o sea 1966, Young y Stills, junto a  Richie Furay, Bruce Palmer y Jim Messina, formarían la reconocida banda Buffalo Springfield.

Esta banda seria de las mas importantes en los ’60, siendo de las primeras, junto a The Byrds, en combinar la música Folk con Rock (lo que se conoce como Folk-Rock), aunque esto ya lo estaba haciendo Bob Dylan.

En Diciembre de 1966, Buffalo Springfield lanzaría su 1er álbum, “Buffalo Springfield”, el cual contenía el mayor hit de la banda y una de las canciones más populares de la época: “For What It’s Worth”.

La banda duraría solo hasta 1968. Aun así, lograron alcanzar buena fama y sacar 3 álbumes de estudio.

De ahí Young arrancó una carrera como solista, empezando con su 1er disco de estudio, “Neil Young”, lanzado en Noviembre de 1968. El disco no tuvo tanto éxito, pero aun así ayudo al músico a despegar su carrera.

La fama empezaria con su 2do disco sacado en 1969, “Everybody Know This Is Nowhere”. Siendo la 1er colaboración entre el músico y la banda Crazy Horse, con la cual tocaría en la mayoría de sus discos rockeros, aquí Young marcaba su lugar en el Rock, creando un sonido de Rock sucio combinado con Folk y Country, el sonido del cual seria tan conocido. El disco contenía, entre otros, uno de sus temas mas famosos, "Cowgirl in the Sand", en el cual mostraba su talento como guitarrista eléctrico, llenando el ambiente de distorsión y feedback.

Meses mas tarde, Young se unió  al trío Crosby, Stills & Nash. El trío ya muy conocido estaba compuesto por David Crosby, cantante y guitarrista proveniente de The Byrds, Stephen Stills, cantante y guitarrista de Buffalo Springfield, y Graham Nash, cantante y guitarrista de The Hollies. Los 3 eran increíbles compositores y de los mejores cantantes que ha habido en la historia del Rock. Por ende, era considerada una Súper Banda.

Con la unión de Young al trío, la banda paso a llamarse Crosby, Stills, Nash & Young. Ahora se había transformado en una bestialidad de la música.

El cuarteto tocó por 1era vez como tal el 16 de Agosto de 1969 y luego en el Festival de Woodstock del mismo año. En la última, arrasaron con todo y fueron de lo mejor de los 3 días del festival.

Poco después sacaron su 1er disco de estudio como cuarteto (era en si el 2do si se cuenta el 1ero sacado por el trío): “Déjà Vu”. Aunque durante las sesiones había muchos conflictos, sobre todo entre Stills y Young, el disco resultó ser increíble gracias a una perfecta combinación de Folk con Rock y los increíbles arreglos corales. Como en todos los discos del grupo, las canciones eran compuestas por cada artista por separado, aunque en este caso el ultimo tema era una colaboración de Young y Stills y el disco incluía un tema de Joni Mitchell: “Woodstock”. El disco fue uno de los más importantes de la época y hasta el día de hoy es considerado de los mejores y más influyentes de la historia.

Mientras tanto, la carrera solista de Young seguía floreciendo. Y en ese mismo año (o sea 1970), Young sacaría uno de sus discos mas importantes: “Alter the Gold Rush”, el cual consistía de canciones puramente Folk y Country.

Luego de la separación del cuarteto (se reunirían bastantes veces hasta el día de hoy como trío sin Young y cuarteto), empezó una oleada de discos muy populares empezando con el disco mas importante de la carrera del musico: “Harvest”.

Llegando a los ’80, aunque sus discos no tuvieron tanto éxito hasta fines de la misma década, es de los pocos músicos que sobrevivió a la influencia musical de la década. Como todos saben, muchos músicos que venían de los ’70 cambiaron drásticamente su estilo musical para intentar ponerse a la moda, y de esta forma 

muchos perdieron su éxito.

Sin embargo, Young siempre se mantuvo firme y fiel a su música. Y gracias a esto, recobró su fama en un nivel enorme con su disco de 1989: “Freedom”.

Desde entonces, su carrera ha sido de enorme nivel. Hasta el día de hoy sigue sacando discos que alcanzan ventas enormes y ha sido ganador de varios Grammy y otros premios.

Su música se ha mantenido intacta en calidad, al igual que su voz. Además, es de los pocos músicos que vienen tocando hace décadas y aun así siguen manteniendo un nivel musical increíble. Es mas, se podría decir que varios de sus discos, empezando con el aclamado “Freedom”, son de sus mejores en toda su carrera. Su música suena actual y siempre se renueva.

El disco del que voy a hablar hoy es de 1996, llamado “Broken Arrow”

Este toma su nombre por 2 cosas: es el nombre de un tema de su antigua banda Buffalo Springfield y es además el nombre que le puso a su casa.

Aunque no es de sus más aclamados, es uno de sus mejores seguramente (aunque siempre es difícil decirlo cuando un músico tiene una discografía tan extensa y de increíble calidad).

Aquí Young deja de lado, a no ser por 1 de los 9 temas del disco, el Folk y Country y se hunde en un sonido Rockero de Garage Rock y Grunge súper distorsionado, sucio y agresivo.

Las canciones son, en muchos casos, duraderas y con muchos jams, mostrando un sonido que hace recordar al de una banda de jóvenes tocando en el garage de su casa y dejándose volar.

En el disco participa una vez mas la banda Crazy Horse, la cual consistía, al igual que desde aproximadamente 1974, de Poncho Sanpedro en guitarra y coros, Ralph Molina en batería, percusión y coros, y Billy Talbot en bajo y coros.

Los temas son los siguientes:

1. "Big Time”
2. "Loose Change"
3. "Slip Away"
4. "Changing Highways"
5. "Scattered (Let's Think About Livin')"
6. "This Town"
7. "Music Arcade"
8. "Baby What You Want Me To Do”

El primer tema, “Big Time”, empieza con un riff simple y potente. Aquí ya se puede notar que la mezcla es bastante básica. El sonido es muy puro. Como dije, parece una banda de garage. Si uno analiza el tema, se puede dar cuenta que es en si un tema Folk escondido tras guitarras distorsionadas y ruidos. Pero cuando llegan los solos de Young, que se encuentran en varias partes del tema, uno se puede dar cuenta que es un tema duro. Estos mismos, aunque técnicamente son fáciles, son un aullido chillante.

“Loose Change” es un tema bastante alegre y el mas largo del disco, durando casi que 10 minutos. Empieza, como siempre, con acordes de una guitarra súper sucia y luego se le une una harmónica tocada por Young. Pero lo exquisito del tema llega en el minuto 3:13, donde la banda se queda en un acorde de Fa constante y se dejan llevar. Aquí se crea todo un paisaje místico e infinito. Por casi 7 minutos, Young toca un solo poderoso lleno de magia, mística y fuerza gracias a acordes disonantes y notas agudas que gritan por ayuda. Este es tal vez el mejor tema del disco.

“Slip Away” empieza con un solo de Young muy bello, mientras que la banda hace unos cambios de acorde que nos van llevando por varios paisajes mágicos. Después de casi 2 minutos de esto, la voz de Young empieza a cantar de forma suave. Y lo mágico y bello del tema llega en el estribillo, donde uno puede sentir un sentimiento poderoso que puede hacer sentir como si uno flotara. Finalmente, el tema termina con el mismo concepto del tema anterior: un largo solo de Young. Esta vez de alrededor de 3 minutos. Pero este solo no es tan místico y ruidoso. Es más tranquilo y pasivo.

“Changing Highways” es un tema perfecto para la ruta. Es un Country típico, pero con guitarras sucias. Como tal, es un tema muy amistoso y feliz. Pero lo interesante del tema es en 2 pasajes instrumentales. El 1ero está en la mitad del tema, el cual transforma a la canción, por un momento, en un Boggie muy movido. El otro es al final, con un juego de guitarras.

"Scattered (Let's Think About Livin)'” es bastante lento. No es tan llamativa. Aun así, lo bueno del tema son las notas graves que produce la guitarra cuando toca los acordes con fuerza. El riff principal de Young es bastante pegadizo.

“This Town” es como una mezcla de estilos. Por un lado tiene algo de R&B, por otro lado un poco de los temas “románticos” de The Ramones y por otro lado a algunas canciones de The Beach Boys. Pero lo que lo transforma en una canción de garage son las guitarras que se encuentran aun más distorsionadas y tocan los acordes con la mano en el puente de la guitarra, dándole un sonido más duro.

El único tema acústico y Folk puro del disco es “Music Arcade”. Es un tema muy lindo, tranquilo y de bajo volumen. Aquí la voz de Young apenas susurra, pareciendo que se la estuviera cantando a un bebe a punto de irse a dormir. Lo que le da un sentimiento de soledad al tema es la voz, ya que esta con un poco de reverb y le da ese eco que hace parecer que Young estuviera totalmente solo.

El ultimo tema, "Baby What You Want Me To Do", es un cover Jimmy Reed. Es un blues de 8 minutos grabado en vivo. Como es de imaginarse, es bastante lento y contiene varios solos. Lo lindo del tema es el ruido de la gente, porque da a imaginarse de que esta tocado en un bar mientras todos están tomando algo. Lo hace sentir mas personal y amigable. La canción trae un final alegre, donde se puede sentir como los músicos están gozando de la música.

Este disco es bastante único en lo que es Neil Young. Aunque el estilo es el típico Rock del músico, el que esté increíblemente distorsionado y sucio a un punto que parece que estuviera hecho con amplificadores de calidad media lo hace mas fuerte y rebelde. Vuelvo a repetir: parece que fuera de una banda de garage. Los solos infinitos, el uso mínimo de efectos y el ruido constante le da una fuerza y dureza que le son fieles al titulo que se le ha dado al músico: El Padrino del Grunge.

Y aquí se demuestra que el tiempo no es excusa para bajar la calidad musical. Aquí tenemos a un músico a sus 51 años y a sus 30 años de carrera, y la música no solo suena pulcra y con fuerza, sino que parece del momento.

Uno escucha esta música y nunca podría asemejarla con los ’60, ’70 u ’80. Es mas, si alguien dijera que este disco salió este mismo año, podría ser totalmente creíble.

Esto es muy meritorio, porque generalmente los músicos que vienen tocando hace décadas no cambian su 

estilo musical y lo único que logran es añadirle algún detalle para hacerlo sonar al presente. Pero en fin, la música es la misma que la de décadas pasadas.

En este caso, aunque se mantiene el espíritu de Young, el cual es siempre totalmente identificable, se puede notar que hay una evolución y cambio musical y que ha añadido varias cosas de la música del momento.

El disco no es solo una fuente de inspiración para crear canciones, sino que, por sonar como una banda tocando por puro placer en el garage de una casa, también es una fuente de inspiración para crear una banda y lograr lo mismo.

Neil Young, hoy con 64 años, sigue evolucionando y sonando tan actual como cualquier banda de hoy en día.

El es LA demostración de que envejecer físicamente no significa envejecer espiritualmente, y que uno puede ser un rockero toda la vida.

Como una vez dijo: Keep On Rocking In The Free World!!!!!

Saludos!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa