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viernes, 21 de mayo de 2010

Buenos Muchachos - "Uno con Uno y Así Sucesivamente"


Últimamente no estoy posteando tan seguido porque con los estudios se me hace difícil. Pero 1 vez por semana es obligatorio.

Esta vez los vuelvo a traer de visita a mi país natal, Uruguay. Y que buena visita se harán, pues lo que traigo es, en mi opinión, la mejor banda de este país en la historia del mismo, y sin duda una de las mejores bandas de la actualidad.

La banda se hace llamar “Buenos Muchachos”, en honor a la película “Goodfellas”.

Si me preguntaran el estilo, tendría que decirles Rock Alternativo. Pero todos sabemos que esto ya se ha vuelto demasiado ambiguo.

Es eso, pero con un sonido oscuro, como si pusiéramos en Rock los relatos de Edgar Allan Poe. También tienen mucho de Noise Rock y mucha experimentación, más que nada de efectos que crean espacios imaginarios amplios.

La banda se formó en 1991 con el cantante Pedro Dalton y el guitarrista Gustavo Antuña. Un tiempo después invitan a 2 amigos para que se les unan, el bajista Álvaro Garrigós y el baterista Rafael Clevere.

Con esto y luego de componer temas, logran grabar su primer casete “Nunca Fui Yo”

(el cual nunca ha sido remasterizado y pasado a una versión en CD, lo cual es una verdadera lastima)

Pero la banda aun estaba en evolución. Seria en su 2do disco, “Aire Rico”, en el cual se transformaron en un quinteto con la unión del guitarrista Marcelo Fernández, en donde encontrarían el sonido del cual son tan apreciados. Era un viaje estelar de verdad. Esto era, y es, logrado por los dúos de guitarra que, mas que solos virtuosos, se concentraban en crear melodías arpegiadas con escalas con 4ta aumentada y los gritos potentes del cantante Pedro Dalton.

Le seguiría su 3er disco “Dendritas Contra el Bicho Feo”.

Pero no seria hasta su 4to y mejor disco seguramente, “Amanecer Búho”, que se encontrarían con el éxito. Fue el disco que hizo estallar a la banda, llevándola al estrellato nacional.

Y en el 2009, este disco y su último, “Uno con Uno y Así Sucesivamente” se volvieron Disco de Oro a nivel nacional.

La banda tiene un sonido muy actual, pero sus influencias son más que nada del pasado, sobre todo de bandas de los ’90, como Pixies, Nirvana y Sonic Youth.

Aun así, no se olvidan de sus raíces, incluyendo en su sonido rockero guitarras con influencias del folklore nacional, hasta temas de folklore mismo.

En su música no hay complejidad técnica en si. Las baterías son bastante normales, bajos sencillos y no hay solos de guitarra a 1000 Km./h como los de Satriani en mi reseña pasada. Pero todo esto no es necesario. Son los efectos en las guitarras, los aullidos imponentes y cantares tranquilos de Dalton, los platillos al sonido de olas y bajos graves que traen todo ese clímax místico y estelar que hacen a la banda tan original.

El disco del que voy a hablar hoy es su último, “Uno con Uno y Así Sucesivamente”. Este disco salió en el 2006, y como dije, en el 2009 llego a ser Disco de Oro.

Dije que su mejor disco es “Amanecer Búho”, pero siempre ando cambiando. Hay veces que digo que este es su mejor y otras veces el otro. La mejor distinción tal vez es que el otro tiene un sonido particular, o sea, todos los temas rondan en un estilo más homogéneo, mientras que este es un poco más heterogéneo. Tal vez no en el estilo, pero si en la temática.

El problema es que en “Amanecer Búho” se encuentra mi tema favorito de esta banda y uno de mis temas favoritos en toda la música, “Partes del Campo II” (tal vez algunos lo recuerden de mi lista de 10 temas preferidos para el blog 10historias10canciones).

En este disco hay ciertos cambios en los integrantes. El bajista ya venia de discos anteriores, pero el baterista hace su debut:


  • Pedro Dalton – voz 
  • Marcelo Fernández – guitarra 
  • Gustavo Antuña – guitarra 
  • José Nozar – batería 
  • Alejandro Itté – bajo 
También los acompaña Gastón (cuyo apellido no figura), tocando teclados, flugel horn y trompeta.

El disco cuenta con 10 temas:

  1. “En la nada" 
  2. "Y la nave va" 
  3. "Amor por coger" 
  4. "¿Qué hacés Joâo?" 
  5. "Lengua distorsión" 
  6. "Villete de Oro" 
  7. "Vos más que vos" 
  8. "La isla era un camalote" 
  9. "Milagros" 
  10. "Cambió el cuarto" 
El 1er tema, “En la nada”, es un tema bastante tranquilo en si, ya que tiene una velocidad bastante lenta. En si suena como si fuera la parte intermedia de una historia. Es un tema muy iluminado, en donde la voz y una de las guitarras llevan la misma melodía. A veces puede hacer recordar a un amanecer. Aquí se puede ver influencias de Rock Alternativo más artístico como el de Radiohead.

“Y la nave va” saca su titulo por la película italiana “E la nave va”. Aquí ya podemos ver el sonido oscuro del que hablaba. Empieza con una guitarra haciendo un solo simple, pero con enorme pasión. El verso principal parece de un pueblo en el medio del colapso. Al llegar al estribillo, vemos influencias del Grunge y Punk, donde la velocidad aumenta y de repente se desacelera. Es muy interesante el rasgueo y los coros en el pasaje final. Es un tema muy triste con un sentimiento de pérdida enorme.

El 3er tema, “Amor por Coger”, es un tema súper cambiante para su duración de menos de 2 minutos. Tiene 3 partes. Empieza con una onda a Indie-Rock con una voz podrida (en el mejor de los sentidos) que puede hacer recordar a la voz podrida de Tom Waits. De repente, todo se pone más lento con una guitarra haciendo un riff en bajada. Finalmente, todo colapsa, terminando con un simple rasgueo de guitarra acústica. Un tema muy bueno que demuestra la habilidad de la banda de heterogeneizar (me pregunto si esta palabra de verdad existe) su música.

“¿Qué Hacés Joâo?” es de los 2 mejores temas del disco. Empieza con un dulce arpegiado de guitarra, seguido por otro que se le une. Pero de repente, la voz, la batería y el bajo aparecen y transforman todo en un ambiente más triste. Aquí, Pedro, en vez de cantar, recita unas palabras, a excepción de un cantar del titulo del tema. El tema, luego de que el cantante se aparte, empieza a basarse en un cambio de 2 acordes: el dulce que arranca el tema y el triste que le sigue. De a poco el volumen empieza a subir, con una batería que va creciendo, avisándonos de que todo estallará. Y de repente, esto sucede. La música se convierte en una ola y viento de sonido que levanta nuestra alma hasta el cielo. Esto es gracias también al solo increíble de una de las guitarras, demostrando que este dúo de guitarristas no es cualquiera, ni son el clásico de Blues como lo era el dúo de Allman Brothers de Dickey Betts y Duane Allman.

“Lengua Distorsión” es un tema con de verdad mucha distorsión, desde las guitarras hasta la voz cantada a través de un megáfono. Empieza como un tema de Rock denso, pero en el estribillo se torna en una oscuridad y apocalipsis gigantesco, logrado con los increíbles gritos diabólicos del cantante. Seguido del 1er estribillo, nos encontramos con un punteo de guitarra con influencias de guitarra clásica. Un tema muy raro.

Con “Villete de Oro” completamos el dúo de las 2 mejores canciones del disco, y es, además, de los mejores temas de la banda. Aquí se encuentra el sentimiento mas grato que otorga la banda. Empieza con un arpegio de guitarra muy tranquilo, al cual se le une otro a contratiempo por parte de la otra guitarra. Apenas Dalton termina de cantar las primeras 2 estrofas de la canción con una voz súper suave y delicada, la batería y bajo se unen. Durante la 1er parte del tema, este ambiente relajado que nos transporta a lugares brillosos y de una belleza muy pura predomina. Por la mitad del tema, el arpegio cambia a un acorde que se mantiene en la misma nota pedal pero con 4ta aumentada, lo cual empieza a darle un toque de misticidad. Una voz suave y aguda va susurrando, mientras que el fondo va aumentando el volumen. Finalmente estalla, haciéndonos sentir como si nuestra alma se liberara de todo; un poder enorme. Con los gritos que dicen “Y después llore”, sentimos como todo va haciéndose mas grande. Y es ahí cuando el tema llega a su punto máximo, gracias a una guitarra con muchísimo feedback, reverb y algún otro efecto que lo hacen poco distinguible, pero si de una fuerza imponente. Este es de verdad un tema increíble!

El 7mo tema, “Vos Mas Que Vos” empieza con una guitarra que parecería de una historia para niños. Pero lo interesante de este tema es la melodía cantada acapella por la banda. Por la mitad del tema, el ambiente se vuelve instrumental, en un Rock bastante desolador.

“La Isla Era un camalote” es tal vez el tema con mayor sentimiento de perdición del disco. Empieza con una guitarra algo triste y oscura, hasta que se transforma en un ritmo mas movido. En el estribillo, el tiempo se vuelve menos pulsado. Pero aquí las guitarras, con una distorsión potente y unos cantos agudos y gritos de desesperación tornan el tema en un infierno. De verdad se puede sentir una destrucción masiva. Por la mitad del tema, una guitarra acústica nos da la entrada a la 2da parte de la canción. Aquí se puede ver como toda la miseria se deja atrás y se va en busca de algo nuevo, con la esperanza de que sea algo mejor, aunque la melodía es aun un poco triste. Es muy interesante el riff de la guitarra en el final, al igual que los gritos en coro.

“Milagros”, el 9no y penúltimo tema, nos lleva a una oscuridad increíble. Es un sonido que se puede asemejar a lo que imaginamos de un bosque tenebroso en la noche. Y esto es logrado gracias al riff principal de la guitarra y la percusión a ritmo de latidos de corazón. Cuando la voz de Dalton se une, nos trae una melodía con gran oscuridad. En el estribillo, se torna en un Rock común. Pero son muy bueno los teclados espeluznantes que aparecen luego del 1er estribillo. Luego del 2do estribillo, podemos escuchar un pasaje instrumental con un aire a los temas melódicos de Sonic Youth. Otro gran tema del disco.

Finalmente tenemos “Cambió el Cuarto”. Como varios temas, empieza con otro arpegio de guitarra. Todo esto nos demuestra que los guitarristas deben de tener alguna clase de entrenamiento clásico, lo cual también le da una mayor originalidad a la banda. El tema en si suena como una travesía, una aventura a través de campos luchando contra el viento, lluvias y nevadas muy fuertes. En el verso principal se puede sentir la soledad de este viajero. Pero es en el estribillo donde se sienten estas catástrofes en contra de él. Son muy interesantes las guitarras haciendo unos punteos en bajada en el estribillo. Es un tema bastante bueno ya que transmite una enorme energía sin el uso de percusiones fuertes o guitarras con volumen y distorsión al máximo nivel.

Minutos después de que termina el tema, se puede escuchar una canción instrumental escondida con un aire a Pixies, otra de las influencias de la banda.

Este disco, en estilo, no es un disco tan diferente. En si, la base de la música la podemos encontrar en otras bandas. Viajes ruidosos los podemos encontrar en miles de bandas; gritos desaforados también; lo mismo con melodías diabólicas y oscuras. Pero lo que tiene esta banda es que tiene todo eso junto y mas. No muchas bandas logran crear un tema súper místico y estallante usando efectos ruidosos, melodías oscuras y gritos desaforados.

En mi caso, en cuanto al Rock Alternativo, ninguna banda me ha llevado a lugares astrales y mágicos como esta banda. Es un Rock que de verdad crea imágenes, lo cual es para mí el máximo punto en la música, cuando el volar de la imaginación es inevitable.

Aquí se demuestra que no se precisa del virtuosismo para lograr ensanchar nuestra alma con la música. Claro, a veces el virtuosismo nos inspira y es lo que nos hace agarrar un instrumento.

Pero es esta música la que nos hace querer crear música. Todos queremos poder viajar en nuestra imaginación hacia espacios enormes con enorme potencia.

Y esta banda logra crear el transporte para ello.




Dejo aquí links para escuchar los temas:

"Y la Nave Va" y "La Isla era un Camalote": http://www.buenosmuchachos.com/unoconuno.html



Saludos!!!!



"Music is the Best" - Frank Zappa

miércoles, 12 de mayo de 2010

Joe Satriani - "The Extremist"


La guitarra eléctrica. Podría terminar mi post aquí por que esas palabras son demasiado bellas……..

Pero no tendría gracia mi post, aunque es una verdad demasiado real.

Es el instrumento más popular sin lugar a duda.

Desde los ’50 han aparecido increíbles músicos que convirtieron de este un instrumento una pasión enorme.

Con los años fuimos pasando por varios reyes: James Burton, Chuck Berry, B.B. King, Eric Clapton, Jimi Hendrix, Jimmy Page, Kirk Hammett, Steve Ray Vaughan, etc.

¿Qué es lo que hace a un guitarrista ser un maestro de su instrumento?

Todos sabemos que hay 2 respuestas para esto: - Una técnica increíble e inigualable

- Un cantar que despierte nuestras almas

Generalmente estos 2 aspectos se encuentran en todo gran guitarrista. Pero siempre uno se destaca más que el otro.

En Hendrix, sin duda era el cantar más que la técnica. En Hammett, la técnica.

Aun así, aunque uno de estos 2 aspectos este llevado al máximo, el otro no queda muy atrás.

¿Pero que si un guitarrista llega a tener estos 2 aspectos casi que al máximo? Un guitarrista que pueda decirnos muchísimo a gran velocidad o con la máxima lentitud.

Esto es lo que siempre he creído que ha logrado este guitarrista creado por el/los Dios/es (digamos que ninguna religión me ha traído las pruebas suficientes para decirme de que solo hay uno o varios, si es que de verdad hay): Joe Satriani.

Es un guitarrista muy reconocido, pero sin duda que es también muchas veces muy olvidado.

No apareció en la lista de los 100 mejores guitarristas de Rolling Stone en el 2004, por ejemplo.

Pero este guitarrista ha logrado llevar estos 2 aspectos a un nivel increíble.

Puede devorar nuestra imaginación con solos a una velocidad astral, mientras que toca una melodía que nos roba el corazón.

Ha creado nuevas técnicas, nuevos sonidos, nuevas formas de hacer cantar a este instrumento.

Y lo más increíble que tiene es tal vez su precisión para describir con palabras el sentimiento que intenta transmitir. Si el tema se llama “Fuego”, por ejemplo, la melodía que compone suena exactamente a lo que cualquiera puede sentir al imaginarse este elemento.

El guitarrista, nacido el 15 de Julio de 1956, agarró la guitarra por 1er vez a los 14 años, luego de enterarse de la muerte de Jimi Hendrix.

Sus estudios empezaron con el guitarrista de Jazz Billy Bauer y el pianista de Jazz Lennie Tristano.

En 1978, se mudó a Berkeley, California, donde empezaría su carrera musical. Aquí fue profesor de varios que llegarían a ser dioses de la guitarra, como Kirk Hammett y Steve Vai.

Luego de haber hecho tours como guitarrista para varias bandas, Satriani empezó su carrera solista. Su 1er álbum fue “Not Of This Earth”, el cual consistía de Música Instrumental, basada en Rock más que nada, con algunos temas acústicos, donde su guitarra era la voz principal.

Aunque no fue un gran éxito, aquí ya demostraba una ingeniosa forma de componer y un cantar único. También mostraba ideas como la que el llama “Pitch Axis Theory”, la cual consiste en componer temas con varias progresiones de acordes y modos basados en una nota pedal constante.

Pero su éxito llegaría con su 2do álbum, “Surfing With The Alien”. Este no solo trajo varios hits, sino que se transformó en un clásico de la guitarra y en el disco mas vendido por el artista, llegando a ventas Platino. En este disco también empieza a usar temáticas que se volverían clásicas en su repertorio, como personajes fantásticos e historias basadas en cuentos de ciencia ficción.

Su siguiente disco, “Flying in a Blue Dream”, seria el 1ero que tendría canciones con vocales. Esto no lo volvió a repetir jamás, excepto en alguna canción de los siguientes discos.

Por el ’96, junto a Steve Vai y Eric Johnson, formó el conocido G3. Esto se trata de un tour donde 3 guitarristas de gran nivel se juntan para tocar en vivo. La formación rotaria a lo largo de los años, teniendo siempre a Satriani como líder.

Hasta el día de hoy ha lanzado 12 álbumes de estudio, 3 EPs, 3 compilaciones y 3 discos en vivo. Además, ha tenido 15 nominaciones en los Grammy (aunque lamentablemente nunca ha llegado a ganar uno).

El disco del que voy a hablar es su 4to, llamado “The Extremist”. Este salió en 1992 y fue re-editado en 1997.

Aquí Satriani logra un sonido que no se ha repetido de nuevo excepto en algunas canciones de su 7mo disco “Crystal Planet”.

Aunque el estilo sigue siendo Rock, es un Rock con sonidos más “grandes”. Son canciones más poderosas, más ilustrativas, más descriptivas. Es tal vez en el disco en que la relación titulo-composición esta hecho de la manera mas perfecta.

Aquí contamos con varios temas con diferentes estilos, como Rock-Boogie, Hard Rock, Heavy-Metal, Folk, Música Clásica (para guitarra obviamente) y hasta Blues.

Aquí lo acompañan Matt Bissonette en bajo y su hermano Greg Bissonette en batería. Al mismo tiempo, otros músicos lo acompañan en alguna parte de algún tema.

El disco cuenta con 10 temas:

  1. "Friends"
  2. "The Extremist"
  3. "War"
  4. "Cryin'"
  5. "Rubina's Blue Sky Happiness"
  6. "Summer Song"
  7. "Tears in the Rain"
  8. "Why"
  9. "Motorcycle Driver"
  10. "New Blues”
El álbum empieza con “Friends”. Este tema lo compuso en un bajo mientras miraba un álbum con fotos de niños sonriendo (que cosa tan Hollywood jajaja). Este es tal vez el mejor ejemplo de esa relación titulo-canción del que hablaba, pues el titulo describe exactamente el sentimiento de la canción: amigos. Aquí los solos son tan apasionantes como el mismo lazo de amistad que hay entre los mejores amigos. Es una canción con gran poder y sentimentalismo.

“The Extremist” ya se pone un poco mas pesada, tirando a un Hard Rock al estilo del comienzo de los ’90. Es un tema crudo, “extremista”. Aquí lo interesante es el potente solo de harmónica que hace Satriani. También lo es los gritos de la guitarra en el “estribillo” del tema. Aquí se pueden notar las influencias de Jeff Beck, sobre todo el Jeff Beck post-Blow by Blow. Los solos, al igual que el tema, tienen una base muy bluesera. Esto igual a veces es difícil de distinguir ya que la base rítmica no es muy blusera que digamos. Es muy interesante el pasaje que va desde el minuto 2:02 hasta el 2:26, con una onda un poco oriental.

“War” debe ser el mejor tema del disco. Es una canción bastante pesada y tenebrosa a veces, con una base más que nada de Heavy Metal. Aquí la guitarra de Satriani llega a su tope, con gritos increíbles, efectos que no se oyen en otro lado, juegos de tapping, aullidos con el wah-wah y temblores con el Tremolo (la palanca que esta sujeta al puente de la guitarra eléctrica). El tema describe muy bien el temor y destrucción de la guerra. Les recomiendo dejarse llevar por la emoción desde el minuto 1:58 hasta el 02:59. Es un momento en que la emoción llega al máximo, pura adrenalina (al menos en mi caso). Pero lo misterioso del tema es que recién en el final, cuando todo queda tranquilo, como en un abismo, es que nos damos cuenta que el tema está compuesto basada en escalas orientales.

El 4to tema, “Cryin’”, es como cualquier 4to tema de los discos de Satriani: de amor. Es una costumbre que tiene este gran músico. Siempre su 4to, o mas bien casi siempre, ya que en algunos discos ha omitido esta costumbre, es de amor, algo sentimental, casi siempre una balada. En este caso, es un “casi siempre”. Es una balada apasionante, con una melodía bellísima y lenta. No hay destreza, no hay virtuosismo técnico, solo pasión. Es un excelente tema que demuestra que ser un enorme guitarrista no significa solo una mano con un motor que llegue a 100 km/h en 3 segs.

“Rubina's Blue Sky Happiness” nos trae un poco de Folk. El tema empieza con una melodía muy preciosa y original tocada por Satriani en un Dobro y un Banjo (obviamente que tocados en forma separada). Es muy bella, como si pudiéramos ver como Satriani ve de forma enamorada a una mujer (bueno, Rubina es su esposa, así que….). Un rato después se une una batería y el ambiente cambia a algo más triste. Aquí es cuando se une la guitarra eléctrica. El tema termina con la melodía inicial mientras que un solo de guitarra muy simple pero apasionante nos despide.

El 6to tema, “Summer Song”, es el tema mas popular del disco. Es casi que el mayor clásico de este músico. Fue un hit usado en varios avisos publicitarios y sigue siendo oída en la radio habitualmente hasta el día de hoy. Hasta tiene su propio videoclip. Es un tema muy movido y con mucho espíritu joven. Como dice el titulo, es un tema de verano. Perfecto para la ruta. Vale la pena prestar atención a los armónicos que logra el guitarrista en el comienzo.

“Tears in the Rain” nos trae una canción solo para guitarra clásica. Les había comentado que este disco nos traía Música clásica incluso. Pues aquí esta. Este tema es bellísimo, con enormes influencias de guitarra clásica de la época del barroco. Es un tema corto, pero con mucha sabiduría.

“Why” es el único tema que pasa mas desapercibido. La onda es muy rara. Sinceramente no se a que asemejarlo. Lo que si tiene es algo de misterio, como de detectives. Es interesante como produce las melodías con 2 guitarras al unísono.

Antes de finalizar el disco, Satriani trae otro de sus mejores temas, “Motorcycle Driver”. Aunque dije que “War” es el mejor, este tema sube mucho más el ánimo. También tiene una descripción perfecta, pues uno puede de verdad sentir un viaje en ruta sobre una moto con todo el viento en la cara. La emoción que trae esta canción es indescriptible. Y lo es mas aun en el “estribillo”, cuando Satriani hace un juego con varias melodías de guitarra hechas con Slide. Como “Summer Song”, perfecto para la ruta, y diría que muchisisisisimo mas.

Finalmente tenemos “New Blues”, que como dice el titulo, es un Blues, pero “nuevo”. El “nuevo” está en que no tiene una típica progresión de acordes y modos como los del Blues, además de que en el estribillo nos vamos de nuevo un poco a influencias orientales y en una parte del tema hay una sección explosiva que crea una paisaje enorme y deslumbrante. Pero más allá de eso, es un tema de Blues con algo de Jazz, y del bueno!!!

Este álbum es en fin algo magnifico. Hay canciones increíbles, solos increíbles, sentimientos increíbles (que raro yo haciendo uso del superlativo, nunca lo hago……).

Aunque sin duda no es un disco que esté hecho para llegar a ser un clásico ni nada por el estilo, es de los mejores que escuché en mi vida. Fue por mucho tiempo mi preferido y aun sigue siendo de mis MÁS preferidos.

Es una demostración de lo que es ser un guitarrista verdaderamente completo: técnica impecable y una expresividad tan pura como la del corazón de la vida.

Pero más que nada, tiene algo que no muchos llegan a escuchar o sentir: Rock del que nos gusta a todos pero instrumental, con comunicación puramente musical y con paisajes y atmósferas mágicas y cósmicas.

Es un disco que lo recomiendo profundamente siempre. Satriani fue el inicio de mi búsqueda y vida musical, y este disco me hizo disfrutar la música como nunca lo había hecho por 1era vez.

Espero que les vuele la cabeza como a mi!




Como siempre, dejo links para que puedan escuchar los temas:




SALUDOS!!!!



"Music is the Best" - Frank Zappa

sábado, 1 de mayo de 2010

A 20 AÑOS....

Ayer, 30 de Abril, cumplí 20 años, algo que en sí me marcó porque sentí que dejaba de ser un joven y me volvía un adulto. Y como el adulto es una especie que detesto profundamente…

Muchos creen que 20 años es poco. Pero para mi es muchísimo. Es toda mi vida! Y me sorprende todo lo que me queda por vivir. Pensar que de vivir lo mismo que he vivido hasta ahora, tendré 40, y aun tendría el doble de lo que viví o más!

En fin, me quedan, por lo menos, 3 vidas más!!!!!!

Me emociona más aun porque la música es mi vida. En tan “poco” tiempo he evolucionado tanto. Y ya quiero saber cuanto podré evolucionar en esta “2da vida” que empiezo hoy (la 1er de estas 3 que restan).

Por esto, hoy voy a cambiar el estilo del post y voy a hacerlo muy personal.

Todos tenemos temas que nos fascinan y temas que odiamos. Siempre tenemos nuestros temas favoritos.

En mi caso, AYER FUERON POSTEADOS MIS 10 TEMAS PREFERIDOS EN http://www.10historias10canciones.com/ ASI QUE ENTREN A VER QUE LES PARECE. ADEMAS ES UNA BLOG INCREIBLE!

Los temas preferidos de uno son siempre irremplazables. Son esos que nos hacen sentir las maravillas más grandes del mundo. Nos hacen llorar, reír, suspirar, meditar. Y todas estas cosas al máximo. Son temas que no podemos dejar de escuchar una y otra vez. Lo dejamos de hacer simplemente por tener temor a que ese sentimiento se vaya (aunque nunca lo hace).

Pero hay siempre otros temas que, aunque no sean de nuestros “mas” preferidos, son trascendentes en nuestra vida; temas que de no haberlos escuchado en “ese mismo instante”, nada se habría desenvuelto de la misma manera.

Hoy quiero traerles esas canciones que fueron de enorme trascendencia para mí.

Yo siempre he dedicado gran parte de mi vida a la música. Pero en los últimos años ha sido “mi vida”. No hay nada que me guste más. Es lo único que se hacer perfectamente. Escucho música todo el día, escribo en este blog de música y estudio música en la universidad de mi país. La música es lo más grande que tengo.

Voy a ir presentándoles estos temas en orden cronológico de como aparecieron en mi vida y la cambiaron por completo:



1995: Metallica - “Master of Puppets”

En ese año, yo con mi familia nos fuimos a vivir a Bélgica por 1 año y medio aproximadamente. Yo tenía solo 5 años. Por tener un hermano mayor, era inevitable mi admiración a el. Y como tampoco tenia mucho conocimiento de la música, escuchaba básicamente lo que el tenia.

2 bandas fueron de enorme influencia desde esa edad hasta mis 12 años. Fueron mis 2 primeras bandas y mis preferidas por muchísimo tiempo: Metallica y Red Hot Chili Peppers.

Todos sus temas me fascinaban. Pero fue “Master of Puppets” de Metallica y del disco del mismo nombre que abrió mi entusiasmo musical. Eran los solos a toda velocidad y con increíbles melodías que me daban ganas de poder llegar a hacer lo mismo.

Solía usar una raqueta de badminton como guitarra y mirarme al espejo, pretendiendo ser yo quien lograba esos solos de guitarra mientras escuchaba una y otra vez el tema.

Fue este tema que hizo que empezara a estudiar guitarra. 










2000-2004: Joe Satriani – “Up in the Sky”

Otro miembro de mi familia a quien solía admirar (aun lo hago, pero todos entendemos de que forma) era mi primo Vladimir. En este año yo tenía 9 (pero cerca de cumplir 10).

Estabamos en su casa en un balneario llamado Punta del Este y se había comprado el ultimo disco de Satriani, “Crystal Planet”.

Como era instrumental, no me llamaba mucho la atención. En si pasarían años hasta que llegara a escucharlo enteramente. Pero cuando escuche el primer tema del disco, “Up in the Sky”, sentí algo que nunca había sentido. Era algo místico. Un mundo con otros colores y paisajes. Era algo que nunca había experimentado. Y por años la escuche una y otra vez.

Pero nunca llegaba más allá de este tema. Solo escuchaba este de Satriani.

En el verano del 2004 (ahora con 13 años), estaba en mi lugar preferido en el mundo, Solís. Aquí conocí a un gran amigo y músico, Mauricio Sepúlveda.

Como ambos compartíamos el amor por la música, también compartíamos nuestros discos. Un día de ese verano, paso por su habitación y veo un disco. Era “Dreaming #11” de Joe Satriani. Me intrigo muchísimo, pues era el mismo músico cuyo tema venia escuchando hacia años. Se lo pedí prestado. Por varios días lo escuche y me voló la cabeza.

Cuando volví a mi ciudad, Montevideo, un vecino amigo vio que tenía ese disco y me dijo “Yo soy fan de este guitarrista!” y me presto una manada de sus discos. Y me volví un “Satriani-adicto”.

Y fue en ese momento en que di un giro de 180º. Era la música que me gustaba, pero instrumental! Era un enorme paso hacia adelante. Y ahí empezó mi enorme entusiasmo por la búsqueda de nuevas músicas. Pero más que nada fue el momento en que la música empezó a ser mi Todo. Fue el momento más crucial de mi vida.

Y es increíble como fue gracias a un tema que había conocido años atrás. De no haberla escuchado, nunca me habría interesado el disco de mi amigo y no habria llegado hasta acá!







2004: Led Zeppelin - "II" (album)
Luego de la introducción de Satriani a mi vida, la evolución fue rapidísima. Pase de escuchar siempre Blink 182, Ramones, Sublime, a la música que viniera, cualquiera.



Un día, con mi emoción como "buscador", empecé a revisar los downloads de mi hermano. Entre ellos estaba una banda de la que había escuchado nombrar bastante, Led Zeppelin.


Me dije "si tanto la nombran, algo debe tener". Algo......DEMASIADO!!!!
Fue el despertar de un rockero añejo que vivía en mi interior. Era escuchar a los padres de la música de hoy en día.


Los solos de guitarra eran con base de blues y hard rock, algo a lo que no estaba acostumbrado. Los bajos eran densos y "cool". La batería eran cañones a toda velocidad. Y los aullidos eran algo que penetraba en mi piel y me comía todos mis órganos; nunca había escuchado una voz así, aguda y potente.


Pero las composiciones eran aún mas importantes. Tenían un sonido que nunca me había entrado. Eran versátiles. Tenían esta cosa que llaman Blues. Tenían también un estilo tranquilo con sonidos no eléctricos. Habían guitarras acústicas. Había un Hammond! Hasta me sorprendió una cancion que trataba de un extenso solo de batería.


Fue el máximo punto de obsesión musical. Esta obsesión duro mas de 3 años, en la cual me pasaba escuchando Zeppelín y llegue a encontrar mas de 1,5 GB de material totalmente inédito.


Todo esto se transformó en mis principios para considerar que música era la que consideraría buena y de mi gusto. 


De repente me empezaron a fascinar otros instrumentos. Antes era solo la guitarra. Ahora me interesaban muchos las baterías a toda velocidad, bajos con potencia, personalidad y que no quedaran tan atrás. Y la voz, a partir de ese momento, cuanto más aguda, mejor.


A partir de ese momento, también me volví en un extremo, mega, hiper, master fanático de la música de los '60 y '70. Diría que hasta el 2007, lo único nuevo que buscaría para mi biblioteca musical sería de esas 2 décadas.









2004: Led Zeppelín – “That’s the Way”


Un día mi hermano llego con un préstamo, “III” de esta enorme banda. Todas las canciones me volaron la cabeza. Pero fue la 8va del disco que me hizo encontrar algo que nunca había sentido en la música: el amor.

“That’s the Way” fue el primer momento en mi vida en que sentí amor en mi. Nunca me había enamorado y aun no lo he hecho. Nunca me ha gustado una persona más que físicamente. Por ende, desconocía el amor en ese sentido.

Aquí lo pude plasmar. Melodías bellísimas, acordes mágicos. Era un sonido nocturno que me hacia suspirar una y otra vez.

Al mismo tiempo me abrió las puertas a 2 nuevos amores: las afinaciones alternativas en la guitarra, ya que esta no cuenta con la típica afinación Mi-La-Re-Sol-Si-Mi, y el mas importante: la música pasiva y el Folk.






2004: Pat Metheny – “Song for the Boys”

Cuando me pongo a pensar en como conocí este tema, me da miedo la verdad. Fue la mayor casualidad de mi vida. Era destino puro. Tenia que escucharla.

Del 2003 al 2004 fui a clases de guitarra eléctrica con Pepe Rambao, actual guitarrista de la banda uruguaya Buitres. Un día común de clase, me dijo que pasara a la habitación que se iba a preparar un café antes. Cuando entro, escucho una música que me hizo suspirar hasta lo más profundo. Eran los 30 últimos segundos del tema. Cuando vuelve mi profesor, le pregunto “¿QUE ES ESTO?!!!” y me dijo “Pat Metheny, su último disco. El tema se llama “Song for the Boys”. Te lo recomiendo”.

Alucinado con la canción, apenas llegue a casa la baje. No podía parar de escucharla. Era un guitarrista increíble haciendo una canción en guitarra sin ningún acompañamiento. Era una canción con una mística increíble.

Este fue un momento muy importante, porque con esto, junto con el tema de Led Zeppelín, empezaría una búsqueda por temas con sonido nocturno, música que me hiciera suspirar eternamente y llevar a lugares con una paz, magia y amor enorme.

Además, este se convertiría en uno de mis músicos preferidos en toda la música. Y ya que en realidad es un músico de Jazz, también empezaría mi amor por este estilo musical.

Con esto descubriría el mundo jazzero de Metheny y seguiría por el Jazz Fusión con bandas como Mahavishnu Orchestra y Return to Forever, hasta llegar a lo mas puro del Jazz, como “Kind of Blue” de Miles Davis y “Olé Coltrane” de John Coltrane.






2005: The Who – “Sparks”/”Underture”

Mi padre tenia el disco “Tommy”, un clásico de Rock. Como seguía en mi búsqueda de bandas de los ’60 y ’70, debía escucharlo. Aunque todo el disco me partió la cabeza y llego a ser de mis preferidos de todos (aun lo es), fue el tema “Sparks” y “Underture” (los cuales son prácticamente iguales pero uno dura el doble que el otro) que marcaron otro momento en mi vida. El concepto de hacer un tema instrumental que se basara en progresiones de acordes me sorprendía muchísimo. Eran como solos de guitarra, pero con acordes.

Fue trascendente porque este concepto y estilo de guitarra y rasgueo serian la base de mis temas por un largo tiempo y dejarían una marca en todo mi sonido.






2005: Pat Metheny – “New Chautauqua” (album)

Como parte de mi búsqueda por “música nocturna”, Pat Metheny fue un referente para ello. Me dije “si saco un disco como el que contiene el tema que tanto me fascino, tal vez tiene otro”. Pero ese “otro” era más que uno más. Era un viaje. Era un mundo completo lleno de todos esos sentimientos pero agrandados 1000000 veces mas! 6 canciones con sonido Folk instrumental con pasajes hermosos, delicados y llenos de dulzura. No era nada cursi. Algunos temas son como misteriosos. Pero el sonido que buscaba y más. Se transformo en un ritual. No lo podía escuchar en cualquier momento. Tenia que ser siempre andando en auto a través de una ruta en el medio del campo, de noche y completamente a oscuras. Ninguna luz de auto y foco podía molestar. Tenia que compenetrarme. Tenia que poder viajar a ese lugar y solo de esa forma lo podía hacer.

Se transformo no solo en mi disco preferido (junto al “III” de Led Zeppelín), sino que se volvió en el disco más especial de mi vida. Rara vez lo escucho. Solo puede ser en ese momento que describí. Pero cuando lo hago no paro de sonreír, suspirar, llorar y enamorarme.






2005: Jethro Tull – “A Passion Play” 

Mi padre me hizo escuchar el comienzo de esta obra épica. Me pareció brutal. Era el comienzo de una historia, una travesía. Al rato le pedí para escucharlo entero. Cuando me paso la caja del vinilo (pues así lo tenia), vi. La duración de las canciones. “Lado A: A Passion Play, Lado B: A Passion Play”. Le pregunte a mi padre “Eh….que mierda?” y me contesto “El álbum es un tema solo”. No lo podía creer. No entendía como una banda de rock podría hacer un tema de 40 minutos.

Al terminar de escucharlo estaba envenenado. Era como una obra. Tenía un principio, se iba desenlazando, tenía varios pasajes, sentimientos y cambios de estado y terminaba con un final poderoso.

De ahí empezó mi etapa de Rock Progresivo. Quería canciones súper largas. Quería obras que fueran evolucionando a medida que corría el tiempo. Quería arreglos majestuosos. Quería un Rock al nivel más profundo y complejo posible.

La duración era importantísima. Cada vez las quería mas largas. Empezaba con 10 minutos. Luego pase a 20, con temas como “Tarkus” de Emerson, Lake & Palmer. Necesitaba mayor duración cada vez. Necesitaba historias mas largas

Y desde entonces es uno de mis mayores deseos: lograr crear una obra de Rock, combinando otras músicas, súper larga y evolutiva.






2006: Igor Stravinsky – “El Pájaro de Fuego”

Con mi etapa de Rock Progresivo, empezó también una búsqueda de sus raíces. Leyendo, me entere que más que Rock, era la música clásica en la que se basaba.

Sin embargo, Bethoven, Mozart y todos los grandes de antes del siglo XX no me entraban. Eran muy clasicitas. No me aportaban imágenes, no podía imaginar con ellos.

Un día mi padre me dio un casete de una interpretación de la sinfonía “El Pájaro de Fuego” de Igor Stravinsky por el director Pierre Boulez con la Orquesta Sinfónica de Chicago.

No podía creerlo. Eran imágenes, imágenes e imágenes. Podía imaginarme toda la historia. Era como ver una película. Era majestuoso. Los golpes potentes me llegaban como punzadas al corazón.

Con esto, decidí que quería ser un compositor. Quería, además de tener una banda de Rock y ser solista, poder crear obras sinfónicas con historias mágicas.

Luego seguirían obras como “Los Planetas” de Gustav Holst, el cual me llevaria mas lejos.






2006: Keith Jarrett – “Solo Concert: Bremen/Lausanne” (album)

Hasta este momento, con 16 años, creía que la improvisación se basaba en tocar solo sobre una base hecha por los músicos acompañantes.

Un día en el auto, yendo al liceo con mi padre, veo que mi padre escuchaba un hermoso piano. Le pedí que al llegar a casa, bajara el disco y me lo diera para escuchar.

Cuando vi la duración de los temas, los cuales eran 1 para cada disco (eran 2 conciertos diferentes), me emocioné. 60 minutos aproximadamente cada uno. Pero me sorprendí más aun cuando leí de qué trataba el disco. Keith Jarrett, pianista, llegaba a la sala sin idea alguna de lo que iba a tocar y por un largo rato improvisaba toda la música en el momento. Solo el y su piano.

Cuando termine de escucharlo, agradecí a lo que sea que nos guía en la vida (lo que muchos llaman Dios. Pero yo no creo en ese concepto de ninguna forma). Era escuchar una obra larga, como la de Jethro Tull, pero improvisada en el momento. No podía creerlo. No tenia sentido. Todo sonaba tan organizado, tan planeado. Era una verdadera obra y no me entraba en la cabeza como podía ser todo inventado en el momento.

Al mismo tiempo, la música entraba dentro de mi concepto de “música nocturna”! Era otro disco más que podía incluir dentro de mi ritual espiritual!

Era el nivel máximo de música que había encontrado: el sentimiento que más quería, la duración súper extensa que tanto deseaba, el concepto de obra que tanto admiraba y lo nuevo, la improvisación total!

Gracias a esto, empezó otra etapa en mi música: inventar las cosas en el momento, dejarme llevar por el sentimiento que me invadía en ese mismo tiempo.






2007: Ali Farka Toure – “Goye Kur”

Desde chico escuchaba parcialemente música de otras culturas. Pero no era directamente. Era cuando estuviera en la radio o mi padre lo hacia.

Un día, vi. La tapa de un disco de mi padre que decía “Ali Farka Toure – The Source” y la imagen del guitarrista, un africano con una sonrisa enorme.

Al leer los nombres de los temas, me intrigo. No entendía nada. Estaban en un idioma proveniente del país Mali.

Cuando escuche el primer tema, “Goye Kur”, se despertó en mi un viajero. Estaba viendo en mi mente pueblos extranjeros bailando al ritmo de la lluvia.

Era algo nuevo para mí. No tenía nada que ver con la música que venia escuchando. Era otro mundo. Era otra cultura.

Y sabia que como la cultura de Mali, también estaba la de Irán, la de la India, la de Afganistán, la de Marruecos, la de China, etc. Tenia que poder llegar a todas esas culturas.

Y finalmente llego mi nueva pasión: la música étnica, la música de los pueblos del Mundo.

Quería poder visitar todos los países escuchando esta música. Quería poder viajar a todos los paisajes que nos rodean.

Con esto no solo empezó mi pasión por músicas de otras culturas, sino que empezó también mi amor enorme por conocer los paisajes del Mundo. Le encontraba una relación muy directa con la música. Cada vez que escuchara música de China, podría sentir la brisa de sus montañas por ejemplo. Me convertí en un viajero del Mundo a través de la música.



Y ahora he llegado al 2010. Obviamente nuevas músicas han entrado en estos últimos años. He conocido mucho de música Hindú, China, Marroquí, etc, me he vuelto un fanático y gran conocedor de todo tipo de Jazz, he llegado a apreciar y enamorarme del Rock de todas las décadas, disfrutar de cada suspiro que me trae la música Folk y la música tranquila, y viajar por mundos fantásticos con obras de música Clásica.

Y así con muchas cosas más.

Pero fueron estos momentos y los que siguieron gracias a cada uno de ellos los que me transformaron en la persona musical que soy hoy.

Son estos momentos los que me hacen componer música como la que hago. Son estos momentos los que me hacen escuchar más de 6 horas de música al día y buscar constantemente nuevas cosas.

Pero para ustedes, son estos los momentos que me hacen escribir, tal vez no con mucha precisión y profundidad literaria, pero si con infinita pasión.

Gracias a estos momentos es que he llegado a crear este blog y creer en que puedo llegar a cambiar algo en la gente recomendándoles la música mas variada posible y que más me llega al corazón.

Ya quiero saber de que estilos estaré hablando cuando cumpla 21…. 




SALUDOS!!!!




"Music is the Best" - Frank Zappa