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jueves, 31 de diciembre de 2009

Tinariwen - "Imidiwan: Companions"


Ya estamos en el final del año. Y ahora me gustaría presentarles el Mejor Disco del 2009.
Aunque de a poco la banda se está haciendo más conocida, aun no ha ganado la popularidad que se merece, la cual debería ser mundial y a enorme escala. Esta banda, proveniente de África, no solo toca una música enigmática y atrapante, sino que sus letras son poemas de reflexión, paz y en su mayor parte tristeza de la realidad que los rodea e incluye.
Esta banda se llama Tinariwen (significa “espacios vacíos”, como referencia al desierto), una banda del grupo de nómadas conocidos como Touareg liderada por Ibrahim Ag Alhabib, guitarrista y principal compositor y cantante. La banda es hoy en día como el escudo de esta población, mientras que Ibrahim es ahora considerado como el vocero y guía de los mismos. Para entender bien a esta banda, hay que tener idea de que se trata este grupo étnico y de la historia personal de la banda.
Para empezar, los Touareg son un grupo de nómadas agricultores que viven en el desierto del Sahara. Viviendo en una zona tan inhóspita, rondan por el mismo con sus camellos (y ahora en 4x4), aunque hoy en día ya tienen zonas en las cuales se han establecido. Durante más de 2 milenios, vivieron pacíficamente en este vasto desierto. Sin embargo, desde los años de conquista europea, el territorio fue dividido en varios países, tales como Nigeria, Mali, Chad, etc. Y debido a esto, los Touareg se vieron obligados a dividirse, perdiendo así su dominancia en el territorio. Pero siempre ha habido tensiones y reclamos de los Touareg por su independencia de estos países. Esto ha llevado a varias guerrillas, las cuales muchas veces han terminado en masacres en ambos lados. Y como consecuencia, sus vidas han empeorado, muchas veces terminando en la miseria, y sin duda desgracia.
Los miembros de Tinariwen han sido parte de esto desde siempre. Todo empezó con la infancia de Ibrahim. El vivía en un campo de refugio en la parte del Sahara de Algeria. Era siempre solitario y por odiar la escuela, siempre se escapaba e iba a estar tranquilo por el desierto. Fue cuando vio una película Western con un hombre tocando la guitarra que se interesó por la música. Por ello, construyó su primer guitarra con una lata, un palo y unos cables de freno de bicicleta. A los 9 años se escapo de su casa y empezó a trabajar de forma zafral y dura con otros exiliados.
A fines de los ’70, se encontró con un grupo de chicos que compartían con él sus intereses por la música y decidieron formar una banda. Aunque tocaban el estilo folklórico de los Touareg, cantado en Tamashek (idioma de los mismos), también incorporaban alguna que otra cosa de músicos como Santana, Jimi Hendrix, etc. Sus letras no se trataban de héroes como las típicas canciones, sino de esperanza y tristeza por el exilio. Era un mensaje de esperanza y reflexión, buscando la paz con letras que describieran las vivencias de los Touareg, todo lo que sufrían y su pasión por el desierto. Aún más interesante era el hecho de que no tocaban con instrumentos acústicos, sino que usaban guitarras eléctricas, algo totalmente innovador en la música de los Touareg. De esta forma fue que se los asocio a veces con el Rock. Al empezar a tocar en vivo, se los empezó a llamar “Kel Tinariwen” (“Los chicos del desierto”).
Aunque disfrutaban de tocar, a finales de los ’80, el coronel Ghadaffi decidió darles a jóvenes Touareg un duro entrenamiento militar con el fin de expandir su territorio. Los miembros de Tinariwen lo vieron como una oportunidad única para poder ayudar a su pueblo y se unieron.
Cuatro años después, fueron invitados a vivir en un campo de refugio con otros Touareg. Ahí empezaron a grabar cintas que serian pasadas libremente. Fue de esta forma que su mensaje se empezó a dispersar por todo el pueblo Touareg. Pero frustrados de no conseguirlo al nivel que deseaban, los miembros de la banda se exiliaron a Mali. Y fue ahí cuando una rebelión de Touareg en contra del gobierno de Mali estalló. Duro 6 meses y fue una enorme masacre.
Al finalizar, pactos entre ambos lados fueron firmados. Sin embargo, estos no beneficiaban a los Touareg en nada más que en que no hubiera más muertes.
Cansados de la guerra, los miembros de Tinariwen se pusieron a trabajar en la música a pleno. Esta vez tenían que lograr expandir su mensaje más allá de su pueblo, porque vieron que la solución no se encontraba tanto de su lado sino del otro. Fue gracias a un festival en Londres, en el cual se apreciaba mucho la música de otros países, en el que consiguieron atención pública. Y luego pudieron grabar su primer disco de estudio, “The Radio Tisdas Sessions”, con el cual empezarían una carrera con éxito.
Desde entonces han sacado 4 discos de estudio más 1 en vivo. Su popularidad ha crecido en todo el mundo, llamando la atención de no solo aquellos amantes de la música étnica, conocida como World Music (una generalización demasiado amplia, ya que integra cualquier estilo musical que no sean los populares como Rock, Pop, Blues, etc. o cualquiera que no sea de Estados Unidos o el Reino Unido), sino que también de los amantes del Rock.
Ahora empecemos con la banda y su sonido.
La banda, para empezar, no tiene una formación establecida. Como se dice entre los Touareg “cualquiera que se haya topado con los músicos son parte de la banda”. Y esto es cierto. Si se topaban con una persona que tuviera un 4x4 en excelente estado, lo invitarían. Tinariwen es más que una banda. Es como una familia. Aun así, Ibrahim, Alhassane Ag Touhami, conocido como “El Leon”, y algunos otros han sido siempre miembros de la banda. La formación de la banda siempre ha consistido de varias guitarras, entre ellas eléctricas y acústicas, un bajo, percusión (nunca ha sido batería, siempre percusión típica de la música africana) y voces femeninas.
Cuando se escucha la música de esta banda, es imposible no asociarla al desierto. Y es porque ES la música del desierto. Su sonido combina cosas típicas de África con algo de Blues, el cual en sus origines proviene del continente africano. Pero es el estilo de tocar la guitarra lo que lo hace aún más atrapante. Es un estilo totalmente diferente al que uno esta acostumbrado escuchar. Es un toque lento y cortado, pero con un rápido cambio de notas. Es música muy profunda y pacifica. Uno puede no entender en absoluto lo que dicen (creo que nadie entiende nada) pero al saber en si de lo que hablan, la música transmite ese mensaje perfectamente. Y eso es el nivel máximo en la música: el poder transmitir el mensaje de forma perfecta más allá de las palabras. Igual, los librillos de los discos traen traducciones a las letras y hasta la forma de pronunciarlas en su idioma original.
En cuanto al estilo de cantar, uno se da cuenta de que es música folklórica. El principal cantante de la canción siempre canta una línea, y luego el resto del grupo la repite, como si fuera una canción de fogón. Pero es lo que son. Son canciones para cantar en grupo, para unir.
Los miembros de la banda, aunque ahora ya tienen popularidad, no han perdido en absoluto sus raíces. Siguen viviendo en el desierto de forma nómade, viajando por todo el desierto, durmiendo en el medio del mismo bajo las estrellas y al lado de un fogón. Es mas, es de esta forma en que componen la mayoría de sus canciones.
Ahora empecemos con el disco (al fin).
“Imidiwan: Companions” (como lo dice la traducción al inglés, “Imidiwan” significa “compañeros”) fue lanzado el 29 de Junio de este año. El titulo para ellos es algo muy importante. La palabra “compañeros” hace referencia a la unión del pueblo Touareg. Es una palabra muy grande para ellos.
Aunque su estilo no ha cambiado nunca, ya que se debe a que es música folklórica, esta vez la música ha llegado a otro nivel. Mejores guitarras, más variedad en cuanto a los tiempos y velocidades de las canciones, y sin duda, el mensaje esta mejor transmitido que nunca. Hay tristeza, esperanza, y esta vez, mucha alegría. Es que si uno canta de forma alegre, a uno le dan ganas de conseguir esta alegría, y es exactamente lo que desean los músicos de esta banda.
El disco cuenta con 13 temas más uno escondido en el último:
  1. "Imidiwan Afrik Tendam" (Compañeros de África)
  2. "Lulla" (Lulla)
  3. "Tenhert" (La Liebre)
  4. "Enseqi Ehad Didagh” (Esta noche me recuesto)
  5. "Tahult In" (Mi saludo)
  6. "Tamudjeras Assis" (El Arrepentimiento es como un gusano)
  7. "Intitlayaghen” (Intilayaghen)
  8. "Imazaghen N Adagh” (Touareg de Adagh)
  9. "Tenalle Chegret" (La gran aplastada)
  10. "Kel Tamashek” (El pueblo Tamashek)
  11. "Assuf Ag Assuf” (Assuf, hijo de Assuf)
  12. "Chabiba” (Juventud)
  13. "Ere Tasfata Adounia” (Aquel que valora la vida)

Al ser música folklórica, obviamente hay canciones que entre sí son parecidas.
El disco arranca con “Imidiwan Afrik Tendam”. Esta canción es de las más sentimentales del disco. Es lenta, pero poderosa. De verdad se siente el canto de compañerismo y respeto mutuo. Es un canto de unión del pueblo. Esta pregunta a los compañeros Touareg si la revolución de verdad existe y si es como los árboles, a los cuales hay que regar para que crezcan. Metáforas profundas que al mismo tiempo demuestran la pasión y respeto por la naturaleza.
“Lulla” es la mas divertida del disco. Es la mas movida, rápida y bailable. Es muy interesante los cantos femeninos y los gritos al estilo nativo americano que logran hacer con mover rápidamente la lengua de derecha a izquierda (y no de arriba hacia abajo como cualquiera lo haría).
“Tenhert” en si no es de lo mejor del disco. Pero lo original es el recitado de la letra, la cual es en realidad un poema por un escritor, en forma de discurso, pero a una velocidad imposible. La canción en si consta de un rasgueo de guitarra prácticamente igual durante toda la canción, mientras que Abdallah Ag Alhousseyni, compositor de la canción, dicta el poema y de vez en cuando los demás dicen unas palabras en forma cantada.
En "Enseqi Ehad Didagh” es tal vez donde se siente mas el sentimiento del desierto. Es mas, esta canción fue compuesta en el desierto bajo las estrellas. Es lenta, enigmática y atrapante. El verseo lento de la guitarra en forma cortada atrapa al oyente, mientras que el canto lento y relajante de Ibrahim y el resto de la banda es lo que le da ese ambiente de la noche. Una versión con solo Ibrahim y su guitarra tocada bajo la luna en el desierto puede ser escuchada en el DVD que viene con el disco, la cual es para mi mucho mejor, ya que el sentimiento llega mucho más.
"Intitlayaghen” es perfecta para estar con amigos. Es la más feliz del disco. La forma en que Abdallah produce un canto parecido al de un anciano produce una sensación de seguridad como la que brinda un abuelo, mientras que las voces femeninas transmiten la alegría que se debería recibir cuando se escucha a Abdallah. Es también interesante el conjunto de guitarras que, aunque ninguna se destaca por hacer algún solo o algo por el estilo, juntas crean una melodía muy alegre.
"Kel Tamashek” es tal vez la mejor del disco. Esta se destaca por tener solo instrumentos acústicos. Por un lado tenemos una guitarra acústica de cuerdas de acero, que hace un rasgueo muy raro y cada cuanto hace un riff muy arábico. Por otro lado tenemos el canto de Abdallah y una percusión que simplemente marca el tiempo de la canción. Pero lo mejor es el coro de voces, las cuales todas producen la misma nota constante, y es esto lo que le da esa sensación de atardecer un poco místico. Es un tema que, en mi opinión, hace sentir de un viajero oscuro que cabalga por el desierto, siempre con una mirada atenta, atrapante y desafiante.
“Assuf Ag Assuf” es la mas bluesera, debido al uso del slide en la guitarra. Esta es también muy desértica. Pero a diferencia de “Enseqi…”, esta muestra como un lado mas triste del desierto. Aquí se puede de verdad sentir el dolor y las perdidas que ha tenido este pueblo. Sinceramente, es un tema que parte el alma. Uno de verdad puede imaginarse con este tema un grupo de gente vagando por el desierto sin dirección ni esperanza, con tristeza y muerte en sus caras y almas.
Pero con “Chabiba” el ánimo vuelve. Es un tema tranquilo, casi que de cuna a veces. Aquí, por el cambio de acordes y por la voz muy tranquila de Ibrahim y de las mujeres, se vuelve a sentir la esperanza. El tema habla de los recuerdos de la juventud de Ibrahim, recordando a sus amigos, hermanas, padres y recuerdos. Son los momentos felices, los que le hacen seguir luchando. Es como un momento que, aunque con poco en las manos, algo se puede lograr. Se puede imaginar a los músicos mirando el horizonte de forma reflexiva, intentando ver que hay más allá de la miseria, algo salvador.
Finalmente “Ere Tasfata Adounia” habla de lo que de verdad se requiere para poder luchar: valorar la vida y lo que se tiene. Aunque el corazón ya lo tenga seco, como dice el cantante (esta vez Alhassane Ag Touhami), la lucha sigue, y para seguir ese camino nunca hay que traicionar. La onda de la canción es seria. Es como una enseñanza de padre. Pero finalmente los músicos la ponen rápida y lista para mover. Termina siendo un baile muy movido.
Pero antes de finalizar el disco, se encuentra el bonus, la cual se le ha llamado “Viento del Desierto”. Esta consta de varios sonidos hechos por Ibrahim con la guitarra. Es muy cósmica y relajante. Es el sentimiento que el líder de la banda quiere transmitir acerca de su querido hogar. Es como el siente el desierto.
Este disco se ha ganado el puesto como lo mejor del año. La música es increíblemente original, tanto para un oído no Touareg como para un oído Touareg. Varios sentimientos son traídos. La música transmite siempre el mensaje perfectamente: esperanza, felicidad y alegría, pero también desolación, tristeza y miseria. Las letras muestran las vivencias de un pueblo reprimido. Y estas letras son más valerosas que la de cualquier otro músico. Muchos dicen “las guerras y miserias que me rodean”. Aquí los músicos nos dicen “las guerras y miserias en las que me encuentro”. Es una reflexión más cercana que nunca. Es cantar de las cosas mas feas que hay siendo parte de las mismas. Uno de verdad siente pena por este pueblo y termina sintiéndolo como un problema personal. Porque es la música más sincera que hay. No hablan de problemas emocionales personales como amor, ni de problemas catastróficos ajenos. Sino de problema catastróficos personales. Lo más duro en una letra. Pero la forma en que el mensaje de lucha y esperanza es transmitido es de una inmensa potencia. Es una música que levanta aquellos que caen en el camino y los ayuda a seguir.
Esta vez lo que les he traído es, a mi consideración, uno de los mejores discos de la historia. Y como la música siempre se ha mantenido en el mismo estilo y calidad, por ende, les traigo una de las mejores bandas que hay.

Aquí les dejo algunos links para las canciones. Como no se subieron varios de los temas, algunos de los links son versiones en vivo de las canciones:
"Imidiwan Afrik Tendam" (en vivo): http://www.youtube.com/watch?v=MI8wxPXG4q4
También les dejo un documental inglés de 22 mins el cual cuenta la historia de la banda y cuenta con entrevistas a los músicos:

Como en mi país se ha venido el verano, durante los meses de Enero y Febrero los posteos van a ser menos frecuentes. Aproximadamente 1 cada 1 semana.
FELIZ AÑO!!!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa

jueves, 24 de diciembre de 2009

Señor Pharaon - "Siguiendo al Rayo"

El penúltimo del Top 5 del año.
El músico de hoy es de mi país, Uruguay. Sacó su debut este año y gracias a él, su popularidad se ha extendido (aunque lamentablemente no tanto como la de los demás músicos de los cuales he escrito hasta ahora). Aunque aún sigue siendo un músico un poco underground, su calidad es comparable con la de cualquier músico solista de gran reconocimiento.
Señor Pharaon es un guitarrista y cantante que con su disco debut trae de nuevo a nosotros las raíces de la música popular: el Blues. Pero no es el Blues-a-la-Clapton medio rockanrolero. Esto va aun más lejos en el tiempo. Su estilo ronda por el de Robert Johnson, allá por el Blues de los ’30. Pero debido a que es un artista del presente, se las ingenia para mantener ese estilo con pizcas de Folk, Country y otros estilos acústicos.
Como todos los verdaderos músicos, este cita una enorme lista de influencias. Pero para los que no conocen su música y quieren poder entender de qué se trata previo a escuchar algo, las influencias citadas más directas (en mi opinión) son Blind Lemon Jefferson, Mississippi John Hurt, Robert Johnson, Días de Blues, Woody Guthrie, Creedence Clearwater Revival, Nick Drake, Jimi Hendrix, John Lee Hooker, The Rolling Stones, etc. Por ende, lo que tenemos aquí es un músico de música Roots.
Este Blues-Man (porque la verdad es que se merece ese cargo) empezó su carrera musical como todos, con bandas en la adolescencia, de las cuales Revolver, banda de Blues-Rock con algo de Hard-Rock, fue la más importante y sigue hasta hoy en día. En ella toca la batería y canta. Pero decidió agarrar la guitarra acústica y tocar una música más personal.
Lo interesante del disco es la poca variedad de instrumentos y efectos con los que cuenta, pero la gran variedad de sonidos y melodías que tiene. En fin, se trata de una guitarra acústica, una voz con solo Reverb, a veces una harmónica y alguna percusión y listo. Si lo comparamos con los discos anteriores, pensarán que se quedó un poco corto de instrumentos, ya que vengo con gente que trae hasta una orquesta. Pero es acá donde se siente la verdadera pasión del Blues. Esta música en sus principios contaba con esto nada más. Las grabaciones de los primeros músicos de Blues contaban con una voz y una guitarra, ambos grabados con el mismo micrófono, en una sola toma. ¿Y cuantos citan a estos músicos como de los más influyentes? Sin ir más lejos, Robert Johnson, tal vez el más conocido de estos, es citado como el bluesero más importante de la historia y como uno de los mejores guitarristas. En este disco no contaremos con una orquesta, pianos, coros, etc., pero contamos con guitarras que técnicamente tienen un estilo muy original y Blues como el verdadero pero llevado un poco mas allá. Mantener un estilo que es en sí tan simple igual, mas allá de lo que le agregues, es difícil, sobre todo en un mundo donde ahora hay más subestilos que canciones.
Este no es un típico Blues de música triste, como lo suele ser este estilo. Pero si es un Blues que lo pone a uno eufórico, lleno de vida y dan ganas de hacer las cosas más salvajes.
El disco cuenta con 10 temas:
  1. Hammer Beating My Head
  2. El Diablo
  3. Worst Dog of the Block
  4. Blue Red Light
  5. Blues de la Loca
  6. Give It To Me
  7. Canas
  8. Yellow Teeth Town
  9. Only Love Yout Tonight
  10. Siguiendo Al Rayo
Como lo muestran los títulos de las canciones, las letras están cantadas en español y otras en ingles.
El disco empieza con “Hammer Beating My Head”. El estilo es en si Folk al estilo de los ’60, recordando a veces al Folk de Bert Jansch por la guitarra. Sin embargo, la voz cruda con melodía bluesera le quita lo inglés. Perfecta para un atardecer en el campo.
“El Diablo” suena a una persecución de pistoleros. Por momentos hace acordar a los Blues que cantaba Dylan en su 1er disco “Bob Dylan”. Pero lo mejor de este tema es la armónica, la cual le da ese tono desértico de persecución.
“Worst Dog of the Block” le da la bienvenida al Blues mas puro de todos. Empieza con un buen riff hecho con slide en la guitarra. Pero de repente una guitarra totalmente disonante y desquiciada arranca, dando un aire de desesperación. Este es un excelente ejemplo de la cualidad guitarristica del músico. Es también interesante el silencio que queda mientras el guitarrista hace su solo en guitarra. Y esta es tal vez de las que hace recordar más a las raíces de este estilo musical.
Luego viene “Blue Red Light”. Lo interesante de este tema es cuando la guitarra y la voz hacen exactamente la misma melodía. Y más aun es cuando la guitarra produce un rasgueo como mariachi mientras que la voz canta gentilmente. Es desoladora y dura.
“Blues de la Loca” es de las descripciones mas perfectas que hay. Uno la escucha y se puede imaginar una vieja con 80 gatos y totalmente demenciada. Esta canción le da el toque feliz al álbum. Por momentos, da hasta gracia. Los gritos del final le dan un toque más loco aún.
“Give It to Me” es un regreso a lo mas básico del Blues. Amargura y rencor. Los acordes fuertes como martillo del principio ya le dan esa sensación. Pero la delicadeza y tranquilidad de la voz le dan a uno un poco de tranquilidad, más aún cuando el cantante empieza a recitar las palabras, mientras que golpes a la guitarra lo acompañan. Y una vez mas, el slide de la guitarra, aunque sea muy simple, le parten el alma a uno.
“Canas” debe ser el tema mas conocido del músico, ya que fue con el que promocionó el disco. Incluso tiene hasta un videoclip. Este es tal vez el mejor tema del disco, porque consta de varias partes y la hacen más original. Empieza con una guitarra con slide bien bluesera y traviesa, acompañada de la voz del cantante. Luego un intermedio que nos avisa que todo se va a acelerar. Y luego se confirma: una guitarra rasgueada al estilo de galopeo arranca. Es tal vez la canción más estimulante del disco. Y la verdad es que le dan a uno ganas de tocar esta música.
Con “Yellow Teeth Town” el músico vuelve un poco mas al Folk, aunque con acordes en escala de Blues. Pero hay momentos que la progresión de acordes hace recordar al estilo acústico de Jimmy Page en su época con Led Zeppelín. Podría ser perfectamente ser una canción de “Led Zeppelín III”, lo cual es MUCHO, teniendo en cuenta que es de los mejores discos que hay (en mi caso es mi disco preferido).
“Only Love You Tonight” empieza con un rasgueo sin notas musicales y un silbido. Pero poco después empiezan los acordes y cada tanto un slide totalmente desenfrenado. Es mas, todo el tema es un poco desenfrenado, ya que la guitarra cambia constantemente y siempre con riffs rápidos. Más que estimulante, es para ponerse totalmente eufórico.
Finalmente el tema que le da titulo al álbum, “Siguiendo al rayo”. Es un Blues lento, en el cual la guitarra también hace la misma melodía que la voz, mientras que una armónica responde luego de cada verso. Es lenta y despreocupada. Pero es un perfecto final. Cierra con lo que el músico intenta transmitir: Blues puro, del bueno, del que nos trajeron aquellos Blues-Men de los ’20 y ’30.
El disco es simple: 1 guitarra y una voz. A veces algún otro instrumento. Pero es eso lo que lo hace más personal que nada. Solo Señor Pharaon nos trae esta música, sin compañía. Son todos sus sentimientos y palabras.
Pero siendo algo tan básico y cantado como el Blues, ¿porque este disco es de los mejores del año? Además de porque no hay ni un solo tema que no sea diferente al otro (lo cual en el Blues es algo bastante difícil) y TODOS son muy buenos, la razón en si es porque es actual. A muchos les fascina el Blues de raíces con solo una voz y guitarra. Ha influenciado a casi todos en los ’60 y aún lo hace. Pero por más que a uno le fascine esto, siempre va a sonarle anticuado. O sea, no lo puede relacionar con su presente. Sin embargo acá SI se puede. Porque por más que suene como lo viejo, no lo es. Tiene un sonido actual. Uno lo escucha y es muy difícil que lo considere como algo del pasado. Y tocar un estilo tan viejo y hacerlo sonar como algo de hoy en día es impresionante. Es poder dejar de decir “no hay Blues como el de antes”. En este caso, los de los ’30 podrían decir “no hay Blues como el del futuro”. Y espero poder decir lo mismo y que este músico nos traiga más de esta música.
Esta vez, gracias al mismo músico, puedo dejarles para bajar el disco: http://rapidshare.com/files/325426276/Se__or_Pharaon.rar.html Debido a que no soy un usuario Premium, se podrá bajar hasta 10 veces. Así que si alguno no lo puede bajar, dejen un mensaje y me encargo de volverlo a subir.
Sin embargo, si de verdad les gusta, compren el disco. A los músicos conocidos tal vez no les importe mucho, pero esa es la forma en que los músicos se difunden y empiezan a ser solicitados. Todos los que llegaron a la gloria es gracias a los fieles oyentes que creían que comprar el disco del artista haría una diferencia.
El sitio Web del músico es http://www.myspace.com/pharaonblues. Ahí podrán encontrar noticias, canciones nuevas y pueden contactar al músico.
Y les dejo el videoclip de “Canas”: http://www.youtube.com/watch?v=YcEgh5WD3sY
Solo queda un último disco para este Top 5 de lo mejor del 2009. Y el que viene es sin duda el mejor por lejos, y llega a ser uno de los mejores que hay en toda la música.
"Music is the Best" - Frank Zappa

sábado, 19 de diciembre de 2009

Bruce Springsteen - "Working on a Dream"


Uno más para el Top 5 de este año…
Esta vez vuelvo con el músico que dió inicio a este blog: Bruce Springsteen. Pero no lo hago por el simple hecho de ser fanático de este músico, es que su lanzamiento del 2009 es de verdad increíble.
“Working on a Dream” es otra de las grandes colaboraciones de Bruce con su banda acompañante The E-Streeet Band. Con esta banda viene tocando desde su 1er disco. Sin embargo, las colaboraciones no fueron continuas.
La 1era vez que no acompañaron al músico fue en sus discos “Human Touch” y “Lucky Town”, ambos lanzados simultáneamente en 1992. Y hasta el 2002, en su aclamado disco “The Rising”, la banda no se reuniría de nuevo. Luego se separarían de nuevo. Pero desde “Magic”, lanzado en el 2007, la banda no ha parado de tocar junto a “El Jefe”.
El disco fue escrito y parcialmente grabado durante la gira de “Magic”. Fue lanzado a la venta el 27 de Enero del 2009. Y desde entonces a vendido casi 2 millones de copias mundialmente.
Musicalmente, es muy poderoso. En cuanto al estilo musical, ronda en una mezcla del sonido actual de Springsteen pero con muchísima cosa de los viejos tiempos, pasando por el sonido de “Born in the USA” de 1984 y llegando al de “Darkness on the Edge of Town” de 1978. Pero tomando en cuenta la gran variedad de estilos, pasando por el Rock típico del músico, pero también por Folk, Blues, etc., se podría comparar con “The Rever”, disco doble de 1980 que también contaba con varios estilos. Sin embargo, los arreglos colosales y cambios en cada tema lo hacen comparable con los de “Born to Run” (en cuanto a la idea de arreglos; ojalá llegara a ser del mismo nivel…).
El disco cuenta con 12 temas y un bonus track, “The Wrestler”, el cual está en todas las versiones, pero al haber sido escrito para la película del mismo nombre, lo toma como algo aparte del disco. Los temas son los siguientes:
  1. "Outlaw Pete"
  2. "My Lucky Day"
  3. "Working on a Dream"
  4. "Queen of the Supermarket"
  5. "What Love Can Do"
  6. "This Life"
  7. "Good Eye"
  8. "Tomorrow Never Knows"
  9. "Life Itself"
  10. "Kingdom of Days"
  11. Surprise, Surprise"
  12. "The Last Carnival"
  13. "The Wrestler"
El disco arranca con “Outlaw Pete”, un tema épico que dura 8 minutos en el cual mezcla el Outlaw-Country con el Rock típico de el. Aunque el formato de la canción es el típico (intro, verso, estribillo…), cuenta con variaciones de cada parte. Por ejemplo, una parte rápida del estribillo, otra lenta, una parte con el verso con todos los músicos, etc.
“Working on a Dream” es el tema que muestra el retorno de su sonido antiguo. Este tema podría ser perfectamente uno de “Darkness on the Edge of Town”. Es sin duda bailable, pero los arreglos que tiene la hacen una canción sofisticada.
“Queen of the Supermarket” ha sido nombrada como la peor canción de Springsteen en toda su carrera. Y quisiera decir que eso es un error enorme. Uno puede pensar que dentro de todo su catálogo, ese es su tema menos preferido pero aun así le gusta. Pero cuando alguien dice que algo es lo peor de cierta cosa, ahí se refiere a que es malo y chau. En mi opinión es muy buena. Me gusta mucho como cada vez después del estribillo al tema se le unen más músicos y termina siendo algo enorme. Y el final es muy interesante. De la nada, todo se frena y quedan algunos instrumentos sonando con una nota, dejando todo como en un trance.
“This Life” es de las mejores del disco. Es una balada que parece de algún amor perdido. Pero no es triste; es bastante feliz y al mismo tiempo melancólico, recordando viejos tiempos. El final es tal vez de los mejores que he escuchado en Springsteen, en el cual un coro canta “U U This Life” mientras que un riff apasionante de saxo por Clarence Clemmons los acompaña.
“Good Eye” es ahora de los mejores temas de Springsteen. Es un Blues-Rock perfecto para manejar en la ruta. En esta, la voz de Springsteen esta distorsionada y con algún otro efecto, y es sorprendente a las notas a las que llega. Al mismo tiempo, el cantante ensucia un poco su voz para hacerla aun más bluesera. En mi opinión, de haber sido este el tema final, el album subiría bastantes puntos más. Son en estas cosas que se comprueban la diferencia entre escuchar temas al azar y escuchar un disco entero. Los temas siempre están ordenados de una forma especial, y SIEMPRE que están ordenados en un orden perfecto, al oyente le gusta aún más el album. Se puede ver en ejemplos como “Dark Side of the Moon” de Pink Floyd o en “Born to Run” de Springsteen. Igual el final en este disco también es muy perfecto. Pero claro, siempre esta la preferencia personal de cada oyente.
“Tomorrow Never Knows” es un tema Folk con acompañamiento de batería y cuerdas. Es un tema muy lindo y simpático. Podría ser perfectamente una canción para alguna cosa infantil (esto no significa que el tema tenga peor calidad, es simplemente una asociación).
“The Last Carnaval”, el tema que cierra el album como concepto, es interpretado por muchos como la secuela de “Wild Billy's Circus Story” del disco “The Wild, the Innocent & the E-Street Shuffle” de 1973. El tema es sin duda un perfecto cierre para el disco (más allá de que no es “Good Eye”). El tema incluye una guitarra acústica, un teclado tocado con poca altura, y en la mitad del tema se le une un coro constituido por la banda. El estilo es el típico Folk de Springsteen. Pero el coro le da un aire de Gospel, al estilo de las iglesias más liberales. Es una muy linda despedida, hasta el punto de que, aunque el tema es muy feliz y tierno, a uno le puede dar tristeza de que todo haya terminado.
“The Wrestler” es un típico tema a-la-Springteen. Aunque es tranquila, y, al igual que el tema anterior, consta de muy pocos instrumentos (en este caso voz, guitarra, piano y unos platillos), el estilo es de esperanza y valor. Tiene mucha energía y fuerza.
Los demás temas rondan en el estilo típico de Springsteen, como ya dicho, con la mezcla del sonido actual del músico con su viejo sonido.
En el disco entero es increíble, además de todos los arreglos, etc., la voz del cantante. Su potencia llena el alma. Y vuelve a usar sus técnicas viejas, dando la sensación de que quien canta es el Bruce de los primeros discos.
El disco fue nominado para varios Grammy, entre ellos, Mejor Interpretación Vocal Solista para Rock y Mejor canción de Rock, ambas por el tema “Working on a Dream”.
Decir “una vez más El Jefe nos ha traído un gran disco” es poner a este disco entre otro de los tanto de su catalogo. Esta vez, Springsteen nos ha traído una joya. Sin duda uno de sus mejores discos. El hecho de crear un disco con tanta variedad de estilos, con grandes arreglos, con tanta fuerza, es muy meritorio. Pero es mas meritorio que sea uno de sus mejores discos cuando ya cuenta con un gran catalogo, entre los cuales, 2 de ellos (“Born in the USA” y “Born to Run”) son considerados de los mejores de la historia. Y es aún más cuando se trata de un músico con una trayectoria tan larga (mas de 30 años). Luego de tanto tiempo, aún sigue lleno de energía y demuestra que el cansancio es solo para los débiles. Aquellos que luchan por sus ideales y creencias y que mantienen su fuerza y calidad en la música nunca fallan en sus logros.
Esta vez no es solo uno de los mejores discos del año, sino que uno de todo el inmenso catalogo del músico y tal vez del Rock de hoy en día. Y una vez más demuestra porque lo llaman “El Jefe”.

Les dejo links para escuchar el disco:
  1. "Outlaw Pete"; http://www.youtube.com/watch?v=MDqrniE3Uy8
  2. "My Lucky Day": http://www.youtube.com/watch?v=41dBI_FJBu0
  3. "Working on a Dream": http://www.youtube.com/watch?v=GgIGMccIZ8E
  4. "Queen of the Supermarket": http://www.youtube.com/watch?v=D6CrjDikQEg
  5. "What Love Can Do": http://www.youtube.com/watch?v=XZOGQ8FQpS4
  6. "This Life": http://www.youtube.com/watch?v=pf6TVtal6wE
  7. "Good Eye": http://www.youtube.com/watch?v=SxqQD6Wsxn4
  8. "Tomorrow Never Knows": http://www.youtube.com/watch?v=0bXjAmTcOmU
  9. "Life Itself": http://www.youtube.com/watch?v=RWJbJ5FGeD0
  10. "Kingdom of Days": http://www.youtube.com/watch?v=3vlkLRrB6tQ
  11. Surprise, Surprise": http://www.youtube.com/watch?v=IUw9zLK5yso
  12. "The Last Carnival": http://www.youtube.com/watch?v=QuSh58JBr0I
  13. "The Wrestler": http://www.youtube.com/watch?v=uRUEKJIcvbo

Quedan solo 2 discos más para finalizar este Top 5 del año

Los espero!

"Music is the Best" - Frank Zappa

lunes, 14 de diciembre de 2009

Keith Jarrett - "Paris/London: Testament"


Siguiendo con la propuesta, hoy traigo otro de los mejores discos de este año.
Ahora nos vamos para otros lugares de la música; lugares que para mi son de los más fantásticos de la misma. Y estos son creados por un pianista que ha llevado la improvisación hasta su punto máximo, donde la creación es espontánea, implanificada y mágica: Keith Jarrett.
Este hombre, como muchísimos de los Jazz-Men que arrancaron su carrera entre los años ’50 y los años ’80, y en este caso a comienzos de los ’70, llegó a considerarse un maestro de la música como parte de una de las tantas formaciones que tuvo la banda de Miles Davis. En ella, demostraba una gran destreza en los teclados eléctricos, usando influencias más allá del Jazz, como Gospel, música Clásica, Avant-Garde, etc.
Pero al poco tiempo, Jarrett demostró que el no era un gran acompañante, sino que un gran solista. Empezando con sus propias bandas, su técnica y sonido en el piano empezaron a ser de las más originales y reconocidas en la música. Aunque en su trabajo con Davis su instrumento era eléctrico, desde el principio de su carrera como solista mostró un desprecio por la electricidad y tocó siempre el piano acústico. Es más, en líneas de sus primeros discos especifica este desprecio.
Pero fue en 1973 que empezaría su carrera como uno de los músicos de Jazz más vendidos de la historia. En ese año, dió 2 conciertos: uno en Bremen, Alemania, y otro en Lausanne, Suiza, en los cuales tocó el piano por su cuenta, sin ningún acompañante. Y deslumbró a todos los espectadores, porque no se trató de unos conciertos de piano comunes y corrientes, sino que fueron 2 conciertos largos de música totalmente improvisada, hecha en el momento. Y con esto me refiero a que el llegó, se sentó junto al piano sin tener ni una mínima idea de lo que iba a tocar y dej que la música se fuera creando en el momento.
Debido a lo increíble que fueron estos conciertos, ambos salieron a la venta en un disco triple (para el momento; 3 discos de vinilo). Los conciertos eran tan aclamados que siguió haciéndolos. Y su punto máximo llegaría con un concierto en Köln, llamado “The Köln Concert”, el cual no es solo uno de los discos más vendidos de Jazz por un solista, sino que es también de las piezas para piano más consagradas y alabadas en la música. Y hasta el día de hoy no ha parado de realizar estos conciertos y editarlos para la venta.
Este año nos trajo otros 2 grandes conciertos: uno en Paris y otro en Londres. A diferencia de la mayoría de sus Solo Concerts, los cuales constan de una pieza súper larga, que puede llegar a la hora, en la cual no hace ni una sola pausa, creando así un estilo de sinfonía para piano, en estos 2 conciertos Keith Jarrett decidió que esta vez pararía; empezaría a tocar algo totalmente improvisado y cuando se aburriera, pararía y empezaría con otra cosa. De esta forma, el concierto más que una obra larga conectada, serian varias partes sin conexión alguna. Esto, para los que estamos acostumbrados al formato típico de sus conciertos, nos resulta raro, ya que siempre nos pareció sorprendente como de la nada crea una obra majestuosa y mágica que llega a durar muchísimo y aun así parece que estuviera todo predeterminado. Todo tiene sentido y conexión y es increíblemente especial, y sin embargo, el hombre no sabía que iba a tocar todo eso. Aun así, este concierto no es ni ahí para despreciar, es más, es para ponerlo en un pedestal (por algo lo pongo como de lo mejor del año). Yo creo que, mientras es difícil estar tocando cierto sentimiento y tener que arreglárselas para pasar a otro totalmente diferente mediante un pasaje intermedio, es también muy difícil estar tocando cierto sentimiento, frenar, y arrancar de la nada con otro que puede llegar a ser totalmente opuesto. Con los conciertos largos sin parar, es como que uno esta triste y a medida que va reflexionando las cosas pueden llegar a la alegría. En cambio, en este caso, uno tiene que pasar de la mayor locura a la gentileza más grata del mundo.
El disco son 3 CDS: 1 para el concierto en Paris y 2 para el de Londres. Cada concierto, más que en temás, esta dividido en partes. Aunque cada parte en si no tiene relación con la anterior ni con la que le sigue, Keith Jarrett cree que, más haya de que varios sentimientos estén el salón, la noche es un resumen de todo un estado sentimental. Como dice en las líneas del disco, su esposa lo había abandonado por 3era vez en 4 años. Se sentía al borde del colapso y la felicidad de los demás lo abrumaba aun más. Y al llegar a los conciertos podía liberarse y expresar su estado sentimental, aunque previo a tocar, sentía que no lo podría hacer.
Al ser tan extenso (el concierto de Paris consta de 8 partes, mientras que el de Londres consta de 12), no vale la pena destacar tema por tema, ya que muchas veces los estilos y sentimientos se repiten. Pero como en fin, todo es una gran obra… Además, los conciertos fueron hechos ambos en Octubre del 2008, lo cual no le da mucho tiempo al músico para encontrar nuevos sonidos entre cada concierto, sobre todo cuando el hombre se encontraba de tour.
Entre estos sonidos podemos encontrar partes de locura pura, en la cual, al ser tan atonal y disonante, al oyente le es imposible saber a donde lo llevará la siguiente nota. También hay temás Gospel con esperanza, típicos de final de comedia estadounidense. Como siempre, no faltan temás Jazzeros, entre los cuales hay Jazz tranquilo y meditativo, como Jazz rápido y alegre. También hay algún que otro Blues pesado, en los cuales se le puede oír gritar y tararear la melodía que esta tocando en el piano. Pero lo más interesante son aquellas partes espirituales y llenas de magia, en las cuales paisajes fantásticos son creados . Esto lo logra, en mi opinión, con el uso de tocar varias notas al mismo tiempo, lo cual crea como un ambiente que uno no puede definir con precisión en su mente y lo llena a uno con misterio y duda.
Vale de nuevo destacar el hecho de que todo esto es creado en el momento. Yo creo que este es el punto máximo al cual un músico solista puede llegar. Keith Jarrete aquí crea música grandiosa con melodías mágicas. Cada parte de los conciertos son totalmente diferentes. Varios estilos son tocados. Y lo más sorprendente es que la música es creada en ese momento. No hay actos previos, no hay planificación ni nada por el estilo. Uno siempre escucha canciones por artistas y se pregunta “¿Cómo lo lograron?”. Pero se sabe que para esas canciones hubo todo un proceso de inspiración, composición, producción, etc, el cual puede llevar de días hasta años. En este caso, TODO esto lleva exactamente lo que dura el tema. Y cada nota fue planeada en el mismo momento en que la toca. La forma en que está tocando un acorde y pasa a otro; eso fue hecho en el mismo momento en que pasó de ese acorde a ese otro.
Keith Jarrett es sin duda de los músicos más inspiradores de la historia. Puede inspirarte su música y su delicadeza. Puede inspirarte su capacidad de componer en varios estilos sin perder su toque personal. Puede sorprenderte la másiva cantidad de producciones que ha hecho. Puede sorprenderte su habilidad para crear música increíble y compleja instantáneamente. Pero si uno entiende la música, le tiene que inspirar absolutamente todo.
Lamentablemente solo encontré estas partes del concierto:

Si al escucharlo les gusta mucho y quieren más de esto, les recomiendo los siguientes conciertos: “Solo Concerts: Bremen/Lausanne”, “The Köln Concert” y “Paris Concert”. “Bremen/Lausanne” y “Köln” son en si parecidos en el hecho que son conciertos con partes muy largas, de hasta más de 20 mins, pero en fin, está en partes (aunque estas partes SI tienen relación entre sí, y de esta forma son muy homogeneos). En cambio, “Paris”, el cual es mi preferido, consta de 2 canciones de 5 mins y una obra principal de arriba de los 40 minutos, que es en mi opinión es de lo mejor que ha hecho. Tal vez “Bremen/Lausanne”, musicalmente, es mi preferido. Pero al ser un fanático de las obras de enorme duración sin pausa alguna….

Sigan leyendo que aún quedan 3 discos más para finalizar el Top 5 de lo mejor de este año. Y repito: no hay orden de preferencia. Claro, el último pretendo que sea lo que considero lo mejor de este año, pero entre los demás no hay un orden.
"Music is the Best" - Frank Zappa

martes, 8 de diciembre de 2009

Them Crooked Vultures - "Them Crooked Vultures"


Se podría decir que desde Nirvana que no se escucha un buen Power-Trio (guitarra, bajo y batería). Los Power-Trio siempre han sido de música pesada y sucia. Tenemos ejemplos como Cream, The Jimi Hendrix Experience, Rush, Motörhead.
El 9 de Agosto de este año, por primera vez, tocó esta nueva banda. Pero no es solo un trío, sino que es, como se les suele llamar, una Súper Banda. Las súper bandas consisten de formaciones de músicos que ya son conocidos y considerados dioses de la música previa a la banda. En este caso contamos con 3 máquinas de potencia.
Para empezar, tenemos a Josh Homme. Desde sus inicios en Kyuss, banda que fue de las iniciadoras del Stoner Rock, ha demostrado ser un increíble compositor y un excelente guitarrista. En mi opinión, es hoy en día de los mejores guitarristas que hay. Sin embargo, su mejor trabajo y también su mas conocido es la banda Queens of the Stone Age, la cual ha llevado al Stoner Rock a otros lugares, mezclando Rockabilly, Surf Rock, Metal, etc.
Luego tenemos a Dave Grohl. Hoy en día es conocido como el vocalista, guitarrista y líder de la banda Foo Fighters. Pero en esta banda su rol es la batería, rol que lo marco como un grande en Nirvana. Igual esta no se la primera vez que vuelve al instrumento y que además colabora con Josh Homme. Fue el baterista del disco “Songs for the Deaf” de Queens of the Stone Age en el 2002, y fue este álbum que llevo a la banda al éxito.
Finalmente tenemos a una leyenda, John Paul Jones. El es sin duda la joya de la banda. Su trabajo mas conocido fue como bajista de Led Zeppelín. Pero además demostró ser un músico versátil, mostrando su destreza en los teclados, mandolina y en los arreglos orquestales tales como los de “Kashmir”.
El comienzo de la banda fue en el ya mencionado concierto del 9 de Agosto de este año. En ese show tocaron 80 minutos de material totalmente nuevo. Debido al éxito que tuvo, pudieron realizar otros conciertos.
Unas semanas después fue anunciado que un disco debut saldría a la venta el 17 de Noviembre. La inmensa demanda del disco antes de que saliera obligaba a los músicos a que los temas fueran escuchados antes del lanzamiento. Y de ahí les surgió la idea más brillante que he visto en relación a este tema. El debut fue subido enteramente a Youtube, absolutamente todos los temas. Y el día del lanzamiento fueron sacados de Internet.
El éxito fue tan grande que llegaró a vender más de 70 mil copias en su primera semana en EEUU.
El disco es todo y mucho más de lo que se podía esperar de este trío de puta madre. Es una bomba pesada con arreglos increíbles, baterías increíbles, guitarras increíbles, voces increíbles. En fin, es increíble.
El sonido de la banda es predominado mas que nada por el de Josh Homme. Sin embargo, es muy claro las influencias grunge y de rock alternativo de parte de Dave Grohl y mas aun las influencias blueseras a-la-Zeppelin y arreglos clásicos de parte de John Paul Jones.
Lo increíble es como cada integrante lleva al máximo su destreza en los instrumentos.
Josh Homme dejo de lado los solos rápidos y dementes prácticamente, pero logra riffs espeluznantes y crea melodías extrañas de guitarra mediante el uso de overdub (grabación de varias pistas).
Dave Grohl toca la batería como pocas veces se lo ha escuchado. Muchos creían que nunca superaría su participación en “Songs for the Deaf”. Pero acá deja claro que tiene más cartas bajo la manga. Como todos querían, Grohl le da a la batería con cañones, baterías súper fuertes. Y muestra varios estilos, entre metal, hardcore, punk, todo lo que suena fuerte.
John Paul Jones es tal vez quien más inspira en este álbum. Aunque ha sacado discos como solista, su carrera post-Zeppelin no fue muy prolifera. Y muchos se preguntaban si aun seria capaz de lograr lo que una vez logro. No solo lo logra, sino que demuestra que pasar los 60 años no significa que aun no puedas sonar como actual. Sus bajos blueseros son tranquilos, tales como su personalidad. Pero lo que merece ser más reconocido en este disco son sus arreglos, tales como los de teclados, mandolina, slide-guitar, keytar (teclado-guitarra), etc.
El disco cuenta con 13 temas:
  1. "No One Loves Me & Neither Do I"
  2. "Mind Eraser, No Chaser"
  3. "New Fang"
  4. "Dead End Friends"
  5. "Elephants"
  6. "Scumbag Blues"
  7. "Bandoliers"
  8. "Reptiles"
  9. "Interlude with Ludes"
  10. "Warsaw or the First Breath You Take After You Give Up"
  11. "Caligulove"
  12. "Gunman"
  13. "Spinning in Daffodils"
El disco, a diferencia de lo que es Queens of the Stone Age y lo que solía ser Led Zeppelín, tiene un sonido único, y con único me refiero a que no cambia de estilos. Todos los temas rondan entre el Blues-Rock, Stoner-Rock, Hard-Rock, Grunge. No hay temas acústicos, ni folk, etc. Sin embargo, es bueno escuchar a veces un disco entero de un solo sonido. Ayuda a que el que escucha música sepa exactamente que buscar cuando esta con cierto sentimiento. Además, este disco es de esos que ni 1 tema pasa desapercibido. Hay discos que, aunque todos los temas estén buenos, algunos no llaman la atención. Sin embargo, en este, cada tema es totalmente diferente del otro. Y es algo para destacar, porque cuando estas tocando 13 temas en el mismo estilo, a veces es difícil lograr grandes diferencias entre cada uno. Y aquí es cuando una vez más se demuestra la calidad de compositores que son estos 3 músicos.
“Mind Eraser, No Chaser”, el 2do single de la banda, es un tema llamativo en el sentido que en el verso de la canción es como si no tuviera un movimiento constante. La batería toca y frena, lo cual hace sentir que uno avanza y se detiene. Luego en el estribillo logra obtener buena velocidad, y aquí es donde se escucha claramente la voz de cada uno de los músicos, empezando con un canto de Grohl, el cual es contestado en dúo por Jones y Homme.
“New Fang”, el primer single de la banda, es la canción mas a-la-Queens. Es más, podría ser un tema de ellos. Este suena mucho a lo último de la banda, como el disco “Era Vulgaris”. La canción es de las menos pesadas del disco, con muchas guitarras simples, pero que en conjunto suenan mortales.
“Elephants” es tal vez el tema que esta mejor armado, ya que consta de varias partes. Empieza con un riff y una batería lenta. Pero enseguida la batería sube a toda velocidad, haciendo referencia de las influencias grunge. De la nada, toda frena y empieza un ritmo lento y cortado que parecería al ritmo que se produce cuando uno gira un disco de pasta hacia atrás. El estribillo es medio desértico y hace recordar bastante a los del disco “Songs for the Deaf”. Lo más grandioso es el pre-final. Acá se puede escuchar unos teclados psicodélicos tocados por Jones y el ambiente que se genera llega a sonar a veces al Rock Progresivo.
“Scumbag Blues” es, como lo dice el titulo, el tema mas bluesero. El verso principal es totalmente bluesero, aunque no hace recordar a Zeppelín (yo diría que por suerte; no tiene gracia escuchar cosas que ya sucedieron). Pero el estribillo deja el blues y llega a melodías muy espeluznantes de película de terror. Y a esto lo sigue un solo de guitarra, el cual es acompañado de unos teclados muy funky, como se escuchaba en el tema “Trampled Under Foot” de Zeppelín.
“Interlude with Ludes” es de los mas especiales del disco. Es como un trance. La melodía es cantada por 2 voces y las guitarras y teclados usan efectos que crean un espacio algo cósmico. Es tal vez el tema más psicodélico del disco.
“Caligulove” es una canción muy pesada, no solo por sus instrumentos potentes, sino por el tipo de escalas que usa. Y la canción termina con los instrumentos tocando de forma demenciada e incoherente que casi que desespera al que la escucha. Pero lo más raro del tema es el final. Una vez terminada la canción, hay un estilo de coda en el cual Jones toca un piano y un teclado medio sombrío que parecería de la música para Scooby-Doo.
“Gunnman” nos muestra otra cara de la banda. Este tema ronda por el estilo del Industrial-Rock, haciendo bastante uso de instrumentos y sonidos computarizados.
La canción que cierra el disco, "Spinning in Daffodils", empieza con un solo de piano muy triste de Jones. De a poco, una guitarra va haciendo introducción a la canción misma, hasta que se unen los demás instrumentos, llegando a crear la canción más aterradora del disco. En esta canción parecería que el mundo fuera arrasado por una epidemia. A medida que el tema va avanzando, a la melodía principal se le van uniendo más instrumentos, hasta llegar a una demencia increíble. Y de ahí arranca un final potente, en el todo explota. Este termina con la batería más potente del disco, las guitarras más desérticas y misteriosas, un slide-guitar que le trae esa onda de atardecer al tema y coros por parte de toda la banda. Finalmente, luego de un mini solo del slide-guitar, la banda termina el tema y el disco con un ritmo de Vals hecho con guitarra acústica, voces y una batería con solo charleston y platillo.
Este es de esos discos que valen la pena comprar. Justo cuando el año está por terminar, este trío nos da una razón más para creer que este fue un excelente año en música. Es un disco que, en cuanto a pesado, no le falta nada. Tiene fuerza, psicodelia, misterio. Es sin duda de las mejores cosas que nos ha traído este año. Y lo bueno es que no solo es un disco increíble, sino que es también el comienzo de una banda que promete muchísimo. Los 3 han pasado por varios proyectos, todos de sonidos totalmente diferentes. Y esto trae esperanzas de que, de la misma forma en que pudieron combinar el Stoner-Rock, Blues, Grunge, etc, puedan combinar también Folk, Rock Alternativo, Rock Progresivo, y muchas otras cosas más.
Nadie se puede perder esta joya. Si te gusta el Rock pesado, tenés una razón para escucharlo. Si te gusta la música desértica, tenés una razón para escucharlo. Y si simplemente sos un fan de la música, también hay una razón. Pocas veces se juntan músicos enormes como estos. Y pocas veces salen discos de esta calidad y potencia.
Esperemos que no sea un proyecto de una sola vez y puedan volver a volarnos la cabeza.
Les dejo los temas para escuchar:
  1. "No One Loves Me & Neither Do I": http://www.youtube.com/watch?v=M89qz4aWbBo
  2. "Mind Eraser, No Chaser": http://www.youtube.com/watch?v=Lgn_ZOyFLiQ
  3. "New Fang": http://www.youtube.com/watch?v=S7_vH3H8LPI
  4. "Dead End Friends": http://www.youtube.com/watch?v=pvbbonV13BY
  5. "Elephants": http://www.youtube.com/watch?v=RWGWm22b5jc
  6. "Scumbag Blues": http://www.youtube.com/watch?v=pGp97OVybUM
  7. "Bandoliers": http://www.youtube.com/watch?v=EufrD9vC8Cc
  8. "Reptiles": http://www.youtube.com/watch?v=bzBLFgOZfKY
  9. "Interlude with Ludes": http://www.youtube.com/watch?v=qBp1RsFbBUE
  10. "Warsaw or the First Breath You Take After You Give Up": http://www.youtube.com/watch?v=3PuwBeNbnIg
  11. "Caligulove": http://www.youtube.com/watch?v=ewEORLKMbSI
  12. "Gunman": http://www.youtube.com/watch?v=nmEj_Lq6sWo
  13. "Spinning in Daffodils": http://www.youtube.com/watch?v=4pipjp5KWRc


Este es en si el comienzo de una serie de posts para los mejores discos de este año. Empezé con este por el simple hecho de que era el que estaba escuchando en el momento, y no por algún orden de preferencia.
Sigan leyendo para enterarse de lo mejor del año!

Los espero...

"Music is the Best" - Frank Zappa

viernes, 4 de diciembre de 2009

AC/DC en Buenos Aires, 2 de Diciembre en el estadio Monumental de River


Me siento orgullos de decir que ÉSTE es la primera reseña en la Internet del concierto…..
Yo creo que cuando tenga hijos, si les digo “Cuando naciste fue el día mas feliz de mi vida”, les estaría mintiendo crudamente. Sinceramente no tengo palabras para decir lo que me pareció este concierto. Fue más que un concierto, desde la espera de 3 horas adentro del estadio para que empezara hasta luego de 2 horas y media de concierto.
Como han de saber, AC/DC después de 8 años sin sacar nada nuevo del estudio (el lapso más grande que tuvo la banda), habiendo sido su último disco “Stiff Upper Lip” en el 2000, la banda lanzó su último disco, “Black Ice”, en Octubre del 2008. Como siempre, el disco trajo los clásicos sonidos de la banda. Pero también trajo nuevas cosas. “Stormy May Day” es ahora de las canciones mas blueseras de la banda, en la cual el guitarrista y figura de la banda, Angus Young, utiliza una slide-bar para tocar la guitarra (la primera vez que lo hace). “Anything Goes” es un rock que a veces suena medio Teen, pero igual es MUY buena. “Black Ice”, el tema que cierra el disco, es sin duda de los mejores temas de los últimos tiempos de la banda. Esta tiene un riff de guitarra que suena a veces al Hard Rock funky de Aerosmith.
Y desde el lanzamiento del disco no han parado de estar en tour, habiendo recorrido EEUU, Europa, de nuevo EEUU, Brasil y Argentina. Seguirán por Australia, luego Japón y finalmente unas ciudades que quedaron de EEUU.
Ahora el concierto.
Días antes ya todos sabíamos los horarios. A las 16 abrirían las puertas. A las 18 tocaría el 1er telonero, Héroes del Asfalta. A las 19 30 el segundo telonero, Las Pelotas. A las 21 el motivo de gastar plata. En absolutamente TODO el mundo, el telonero fue siempre The Answer, una banda de Hard Rock muy reciente que es de lo mejor que he escuchado en lo que este nuevo siglo nos ha traído. Sin embargo, por ley, en Argentina las bandas tenían que ser locales.
Logre entrar un poco antes de las 18. El 1er telonero fue muy bienvenido, ya que el estilo de la banda rondaba cerca del de AC/DC y el baterista fue miembro de la banda Riff, una de las tantas bandas del guitarrista argentino Papo. El 2do telonero no solo fue horrible, sino que le arrojaron botellas. Por parte mía, mi desprecio se baso en que fueron muy engreídos, intentándose lucir de roqueros luchadores a los cuales les importa un bledo todo. Por parte de los argentinos, el desprecio se baso en que el cantante forma parte ahora de la política de argentina. Como todos sabemos, las bandas son siempre bien recibidas con sus comentarios políticos pero siempre despreciados si estas forman parte de ella. Muchos lo toman como contradictorio y traicionero (lo mismo le paso a Jello Biafra, cantante de Dead Kennedys).
El 2do telonero termino cerca de las 20. La hora más larga de mi vida. Pasaban 10 minutos en nuestras mentes y solo habían pasado 2 minutos. El estadio ya estaba repleto. El calor en la cancha ya era intenso. Había gente ya con su remera en las manos.
A las 21 se apagan las luces. Y se enciende el escenario. En el centro, una pantalla gigante. A los costados, pilares de metros y metros de parlantes. En el tope de estos, dos gorras con cuernos de diablo que se movían con la letra A (de Angus). De la nada, se escucha un tren arrancar (siendo este el símbolo del tour, por su single más galardonado “Rock N’ Roll Train”). Un video en la pantalla se empieza proyectar. Era un dibujo animado de un tren siendo conducido por una versión diabólica de Angus a una velocidad increíble. En los vagones se mostraban conductores aterrados. Y de repente aparece Brian Johnson (cantante de la banda) sonriendo junto a una chica (la cual aparenta estar dándole sexo oral). Luego dos chicas empiezan a besar a Angus y ponen el freno del tren. Este se descarrila y se escucha una explosión. Se abre la pantalla a la mitad….
AC/DC!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
Los gritos de la gente eran tan grandes que tapaban la música. Los saltos convertían al campo de la cancha en un mar oleado. Detrás de la pantalla apareció un tren gigante.
La banda arranco con una potencia enorme. Se veía a Brian Johnson cantar con sus gritos agudos, Angus Young moviendo su cabeza de arriba para abajo sin parar, Malcolm Young (hermano de Angus, guitarrista ritmico y junto a su hermano principal escritor de las canciones) tocando con enojo y moviéndose como un vibrador en el lugar, Cliff Williams (bajista) bailando y Phil Rudd (baterista) tocando como si fuera lo mas normal del mundo y en realidad estuviera en su casa. El setlist de la banda fue de 19 temas:
  1. Rock N' Roll Train
  2. Hell Ain't a Bad Place to Be
  3. Back in Black
  4. Big Jack
  5. Dirty Deeds Done Dirt Cheap
  6. Shot Down in Flames
  7. Thunderstruck
  8. Black Ice
  9. The Jack
  10. Hells Bells
  11. Shoot to Thrill
  12. War Machine
  13. Dog Eat Dog
  14. You Shook Me All Night Long
  15. T.N.T.
  16. Whole Lotta Rosie
  17. Let There Be Rock
  18. Highway to Hell
  19. For Those About to Rock (We Salute You)
Fue extremadamente variado. Constiuyo de 4 temas del nuevo disco (“Rock N’ Roll Train”, “Big Jack”, “Black Ice” y “War Machine”), 9 del antiguo cantante, Bon Scout (fallecido en 1980 durante las sesiones del disco mas famoso de la banda y el 2do mas vendido en la historia de la música “Back in Black”. Este mismo seria finalmente grabado enteramente con el actual cantante), que ya son clasicos de la banda (“Hell Ain’t a Bad Place to Be”, “Dirty Deeds Done Dirt Cheap”, “Shot Down in Flames”, “The Jack”, “Dog Eat Dog”, “T.N.T.”, “Whole Lota Rosie”, “Let There Be Rock” y “Highway to Hell”) y 6 viejas pero del actual cantante (“Back in Black”, “Thunderstruck”, “Hells Bells”, “Shoot to Thrill”, “You Shook Me All Night Long” y “For Those About to Rock”).
Durante el concierto, la banda demostró tener la potencia de la que siempre han sido conocidos y que la edad no es razón para quedarse quieto, siempre y cuando tengas el público adecuado. Brian Johnson no le erró a una sola nota (aunque a veces por los gritos no se le escuchaba) y Angus Young nos confirmo que aun sigue siendo el mismo demente de siempre; no paro ni un solo momento de correr, agitar su cabeza, tocar solos desenfrenados y saltar. Hasta llego a hacer un strip-tease para el público, que fue alabado enormemente (un clásico de su repertorio en vivo).
Todo el recital fue increíble. Sin embargo, hubo momentos cumbres. Obviamente entre ellos esta el principio. Cuando tocaron “Back in Black”, el publico exploto. No hubo ni una palabra de la letra que no fuera gritada. Y los saltos del público fueron tan apasionados que era difícil mantenerse de pie. Fue tal vez el momento más explosivo por parte de la audiencia.
Otro momento fue “Thunderstruck”. Cuando Angus empezó a tocar las notas del riff que dan inicio a la canción, los gritos siguiendo el canto de Johnson tapaban casi toda la música.
Uno de los momentos mas aplaudidos fue en el principio de “Hells Bells”, en el cual Johnson, después de unas palabras, fue corriendo desde la punta de un camino que iba del escenario hasta la mitad del campo, salto y se colgó de una cuerda para hacer sonar una campana que colgaba del techo del escenario.
Al llegar “Whole Lotta Rosie”, el estadio gritaba “Angus” después de cada vez que el mismo tocaba el riff que da a comienzo la canción. Esto es algo clásico que se viene haciendo desde el origen de la canción en 1978. Al terminar este riff, de repente una muñeca inflable gigante que lucia como prostituta apareció sentada sobre el tren.
Y el momento más esperado para los fans de la guitarra de Angus llego con “Let There Be Rock”, que después de los 4 minutos iniciales de la canción, Angus empezó un solo de guitarra que puede que haya llegado a durar cerca de los 15 minutos. Durante este, Angus corrió por todo el escenario, corrió por el camino que llegaba a la mitad de la cancha, salto, se enloqueció. En un momento en que estaba en la punta del camino, un pedestal fue levantándose, elevando a este diablo cerca de 2 a 3 metros más. En la altura, llego a tirarse al suelo y girar en el (otro clásico de su actuación). Durante este momento, miles y miles de pequeños papeles plateados fueron lanzados al aire, creando una lluvia que animaba al público. Al volver al escenario, se subió al tope del mismo y una cámara lo filmo de cerca, cuyas imágenes aparecían en la pantalla central. Aquí el tocaba notas y el publico las repetía con cantos.
Finalmente se despidieron con este tema. Como toda banda, volverían. Pero la espera duro 2 minutos…
Y volvieron con un clásico de clásicos: “Highway to Hell”. Por ser el retorno de la banda la escenario en la noche y por tratarse de, junto con “Back in Black”, el tema mas importante de la banda, el publico volvió a poner toda su energía y a saltar como bestias.
Terminado el tema, la banda empezaba a despedirse. Y se despidió con su clásico cierre en vivo: “For Those About to Rock”. Este tema pesado fue gritado con toda la fuerza. La gente sabía que la noche estaba terminando y decidieron saltar con todas las ganas una última vez. Al quedar pocos minutos del tema, aparecen 4 cañones que dispararon cada vez que Brian, junto con el público, gritaba “FIRE!!!”. Cada cañonazo era aplaudido hasta sangrar las manos. Luego, arranco la parte rápida del tema. El agite y baile de la gente era impresionante. Un último cañonazo y fuegos que salían del tren despedían a la banda. Finalmente, al desaparecer la banda, un show de fuegos artificiales decían adiós al mejor concierto de cualquiera que haya asistido.
Esa noche fue demostrado porque AC/DC es una de las bandas mas vendidas de la historia (con más de 200 millones de grabaciones vendidas) y una de las mejores que han tocado la tierra. Su sonido puede ser parecido siempre en sus temas, pero igual es explosivo. Su música es inoxidable: sus temas de ahora suenan a música de ahora, al igual que sus temas de hace de mas de 30 años.
AC/DC fue, es y será la banda más divertida y estimulante siempre. Y esa noche será, para mi, una de las mejores de vida.

martes, 1 de diciembre de 2009

Viernes: Reseña del concierto de AC/DC del 2 de Diciembre en Buenos Aires

Disculpen que no he escrito nada nuevo. He estado muy ocupado. Hoy, mártes, me voy a Buenos Aires a ver a AC/DC!!!!
Así que a la vuelta, en vez de una reseña de algún disco, haré una reseña del concierto.
Mientras pueden leer lo que ya posteé...